BARBARA FIORE

Octubre 2011 / Cartoné / 30 x 19,5 / 40 páginas / 15 €

Sinopsis

Detroit. Henry Ford Museum. Un abuelo afroamericano lleva a su nieto a ver el autobús en el que en 1955 Rosa Parks, cambió la historia de los Estados Unidos. El abuelo conoce bien esa historia, viajaba en ese autobús cuando Rosa se negó a ceder su asiento a un hombre blanco. El abuelo cuenta a su nieto de cuando en las escuelas habían aulas separadas para niños blancos y para niños negros, que en los locales públicos de los blancos no podían entrar los negros, historias de hombres encapuchados de blanco que pegaban, quemaban y mataban a los negros. Pero al abuelo lo que más le duele es haber estado allí con ella y no ser parte de la historia por no haber sido tan valiente como Rosa Parks*.

*Breve historia de Rosa Parks:
El 1 de diciembre de 1955, en Montgomery, la señora Parks se negó a obedecer al chofer de un autobús público, el cual quería obligarla a ceder su asiento a una persona de raza blanca. Fue encarcelada por su conducta, acusada de haber perturbado el orden.
En respuesta al encarcelamiento de Rosa, Martin Luther King, un pastor bautista relativamente desconocido por aquel entonces, condujo un boicot contra los autobuses públicos de Montgomery, en el que colaboró también la activista y amiga de la infancia de Rosa Parks, Johnnie Carr. Este movimiento terminó con las practicas de segregación racial en los autobuses y marcó el inició del fin de la segregación en ese país.
En 1956, el caso de Parks llegó a la Corte Suprema de los Estados Unidos que declaró que la segregación en el transporte estaba en contra de la constitución estadounidense. Parks se convirtió en un icono del movimiento pro derechos civiles.

Septiembre 2010 / Cartoné / 23 x 25 / 56 páginas / 15 €

Sinopsis

FE DE ERRATA:
“El monstruo que se comió la oscuridad”, página 53.
La reimpresión que se encuentra actualmente a la venta en las librerías tiene un error de imprenta que impide leer el párrafo completo correspondiente a la penúltima página.

Este es el párrafo completo:

Y mientras dormía, toda la oscuridad fue manando de él.
Volvió a los lugares de donde había salido.
Manó y manó hasta que el monstruo volvió a ser, una vez más, minúsculo.

Puedes bajar la página 53 corregida, pinchando en el siguiente enlace: página_53.pdf (149 kB).

Avisaremos a través de esta misma web, de nuestra página en Facebook y directamente en las librerías cuando la reimpresión correcta esté disponible para que aquellas personas que hayan comprado el libro y lo deseen puedan cambiarlo sin costo alguno, pudiendo además quedarse con la edición actual que contiene la errata; solo tendrá que entregar la página 53 a cambio.

Muchas gracias y disculpen las molestias por favor.

Francisco Delgado
Editor responsable de producción.

Escrito por Beatriz Bejarano del Palacio
Miércoles, 17 noviembre, 2010
Revista Babar

Todos los niños creen que hay un monstruo bajo su cama, o en su armario, o escondido detrás de las cortinas, o quizá oculto bajo las sombras que forman los objetos cuando apagamos la luz.
En el caso de Lorenzo es verdad: hay un monstruo bajo su cama, uno pequeñito, pero hambriento, muy hambriento. Después de haber probado un poco de todo lo que el niño guarda bajo su cama, no consigue sentirse saciado. Hasta que prueba a absorber la oscuridad del interior de una caja de cartón. Ay, amigo, ahí encuentra lo que andaba buscando, algo que por fin le va a llenar el estómago.
¿Pero qué pasa cuando la oscuridad se acaba? Sí, en ella habitan los monstruos más monstruosos (incluso los pequeñitos), pero también sirve como refugio para los zorros o para los conejos en sus madrigueras. Es más, si no hubiera oscuridad, ¿cómo veríamos el brillo de la luna y las estrellas? Y lo que es peor, ¿cómo va a saciar su hambre este pequeño monstruito que cada vez es más grande?

Joyce Dunbar consigue con esta sencilla historia que incluso la oscuridad, la inquietante y temida oscuridad, tenga su lado bueno: nos la muestra como descanso para nuestros ojos de la luz del día y como la aliada que nos «acuna» por la noche hasta que conciliamos el sueño. Este pequeño monstruo glotón solo anhela llenar un vacío en su interior, un vacío que ni toda la oscuridad del universo puede llenar, hasta que descubre que lo único que le hace sentirse mejor es saberse acompañado. Después de conocer a Lorenzo, ya no siente tanta hambre, solo un poquito…
Las maravillosas ilustraciones de Jimmy Liao completan este precioso cuento sobre el miedo a la oscuridad y el miedo a estar solo. Aquí podemos ver esos tonos azulados, marrones, verdes y rojizos a los que nos tiene acostumbrados, trazos sencillos pero con tanta personalidad y tanta dulzura que es muy difícil no encariñarse con este simpático monstruito. Su estilo es reconocible, sus ilustraciones tienen una textura especial, son realistas y coloridas, algo que ya es su sello personal y que las hace indiscutiblemente geniales.
Después de leer este cuento, todos los niños querrán adoptar un monstruo pequeñito y en lugar de temer la oscuridad, se dormirán tranquilos con la ilusión de encontrarlo.

El rincón de los cuentos

Puede que el miedo a la oscuridad sea uno de los lugares comunes más frecuente entre las fobias de nuestros pequeños. Pocos niños son capaces de rendirse al sueño si no les dejamos alguna luz encendida, por lo que parece una sana medida el hablar con ellos sobre el asunto, y ante todo, leerles cuentos que les permitan mirar de frente sus propias limitaciones.
¿Existe algo más aterrador que los monstruos y las tinieblas? Creo tras la lectura de este encantador álbum aprenderemos a mirarlos desde una nueva perspectiva, bastante más tranquilizadora (ni todos los monstruos son malvados, ni habría día para disfrutar sin el necesario reposo de la noche).
Sorprende que de entrada el narrador reconozca que bajo la mullida cama de Lorenzo sí que se escondía un extraño ser, pero en seguida descubrimos que este diminuto y encantador monstruito no es que fuera malo sino que sentía un gran vacío interior porque estaba hambriento de oscuridad. Así que ni corto ni perezoso fue engullendo todo lo negro que encontraba a su paso, y engordando a la par hasta alcanzar una dimensión pareja a la gigantesca negrura que se había zampado: chimeneas, sótanos, cuevas amén de lúgubres bocatas y estofados, que con toda la genialidad y el humor que le caracteriza, retrata Jimmy Liao a lo largo del libro.
No satisfecho todavía, descendió nuestro amigo a los abismos de los volcanes para calmar su ansia, e incluso la inmensidad del firmamento se merendó hasta dejar un planeta triste y solitario. Entonces, los búhos, los murciélagos, los zorros y tantos otros animales quedaron perdidos por esa luz cegadora e implacable que todo lo inundaba. Y sobre todo sufría un niño, cuyo lejano llanto llegó hasta los oídos de este ser descomunal: era Lorenzo, incapaz de conciliar el sueño en su luminoso dormitorio. Ni un segundo dudó el gran monstruo el volver a consolarlo, y así, mientras lo acunaba en sus enormes brazos quedaron ambos profundamente dormidos. La penumbra fue fluyendo de su cuerpo y poco a poco las sombras recuperaron su lugar de origen.

Una hermosa imagen sirve como colofón al cuento: la de Lorenzo, soñando plácidamente en su cama, mientras abraza con cariño a ese diminuto monstruito que le ha devuelto la oscuridad, y con ella la paz y el descanso.

Frías Cecilia

Kireei

Las sombras y la oscuridad han sido siempre territorio del miedo, del misterio, del terror. Brujas, monstruos y fantasmas se pasean amparados por las sombras; la oscuridad simboliza lo que no podemos acabar de conocer y, como todo lo desconocido, puede asustar un poco. ¿Pero qué sucede si la oscuridad es, por contraste, lo que da valor a la luz? ¿Qué pasa si descubrimos que las sombras dan pie a la fantasía, a la imaginación, a lo sorprendente?
Jimmy Liao (con texto de Joyce Dunbar) y http://barbara-fiore.com/index.php/ilustradores/suzy-lee/ abordan, cada uno por su cuenta, este tema. Toman un camino trillado por los cuentos de miedo y lo convierten en un sendero hacia el cariño, la ironía, la tristeza, la alegría, la ternura o del juego. Barbara Fiore, con su siempre acertada selección de títulos, nos trae estos dos álbumes ilustrados, de estilos muy diferentes, pero temáticas relacionadas.

El monstruo que se comió la oscuridad, de Joyce Dunbar y Jimmy Liao.
“Lorenzo no puede dormir, no le gusta la oscuridad, debajo de la cama podría estar escondiéndose un monstruo.
¡Así es! Se trata de diminuto monstruo con un enorme apetito, que le encanta comer la oscuridad, la engulle toda. Hasta que muy pronto todo es luz, pero el monstruo sigue teniendo una gran sensación de vacío, que solo el cariño de un niño puede llenar.”
El monstruo que se comió la oscuridad es una historia algo más plana que las poéticas historias a las que nos tiene acostumbrados Jimmy Liao (de las que ya os hablamos aquí) pero no deja por eso de ser un relato lleno de sensiblidad. Liao interpreta el texto de Joyce Dunbar con su habitual explosión de color, hábil contraste con la negrura del monstruo y de la propia oscuridad. Ese monstruo, que como tal es inicialmente algo que asusta, se convierte luego en benefactor (devorando la oscuridad) para convertirse finalmente en causa de una gran catástrofe. El desenlace reconcilia al niño con sus miedos e invierte los papeles entre él y el monstruo para acabar con mucha ternura. Un final tranquilizador para una historia que se presta a varias lecturas pese a la sencillez de su trama.

Sombras, de Suzy Lee.
“Un desván oscuro. La luz de una bombilla. Una niña muy imaginativa. Suzy Lee usa estos simples elementos para crear una representación visual que capta perfectamente la alegría del juego creativo y celebra el poder de la imaginación. Con una impresionante simplicidad, las ilustraciones, en solo dos tonos de color, presentan una aventura de principio a fin con un click de una bombilla un final irónico y suspendido.”
Sombras, para quien ya conozca a Suzy Lee, es un digno sucesor de álbumes como Espejo o La Ola, en los que Suzy Lee explica historias sin palabras jugando con un trazo expresivo, sencillo y de cromatismo limitado. La misma niña de siempre, esta vez frente a las sombras. Realidad y ficción interaccionando página a página, haciendo florecer la parte de la imaginación mientras que el mundo real parece desvanecerse alrededor de la niña y ser invadido por la fantasía de las sombras. La ilustradora juega con luz y las sombras, con lo que hay arriba (lo real) y lo que ha abajo (lo imaginado), en un crescendo en el que nos vamos introduciendo junto a la protagonista en un mundo imaginado que nos hace perder de vista la realidad, exactamente igual que le sucede a un niño cuando juega. Nunca había visto una metáfora visual tan sencilla y tan conseguida sobre este efecto.

Elena

Octubre 2011 / 192 x 136 x 27 / DVD + guía de campo / 18 €

Sinopsis

Mientras busca chapas de botellas en la playa, un chico descubre una enorme criatura, extraña y solitaria, que al parecer sólo le llama la atención a él. Le da lástima y decide buscar un nuevo hogar para su nueva amiga, a pesar de que le advierten que «hay cosas que no pertenecen a ninguna parte». Pero ¿es realmente cierto? ¿Es posible que sea simplemente una cosa perdida? Una parábola moderna para todas las edades, la adaptación del aclamado álbum ilustrado de Shaun Tan, La cosa perdida es un cortometraje que invita a múltiples interpretaciones y a verla una y otra vez.
«una película para los que están ocupados en cosas más impotantes»

Guía de campo con numerosas ilustraciones

Octubre 2011 / 25 x 18,5 x 5,3 / 20 Animales troquelados / 24 €

Sinopsis

Crea tu mágico mundo animal con estas 20 esculturas de animales a todo color diseñadas por el artista japonés Junzo Terada. Simplemente separa las piezas troqueladas y encájalas en las ranuras. ¡No necesitarás ni tijeras ni cola!

Octubre 2011 / Cartoné / 27 x 38 / 32 páginas / 18 €

Sinopsis

Para conseguir aquellas alas, la condición era clara: “Nunca usarás la facultad del vuelo para conocer la intimidad de los otros”. Él accedió. Y fue sincero cuando mintió al decir que cumpliría. Y cumplió por mucho tiempo.
Durante años olvidó su pasado de tierra y voló entre las aves. Su cuerpo no conoció la vejez, aunque tampoco el placer. Ni arrugas ni abrazos, así era la vida en el aire. Y así fue, hasta que una tarde de tormenta voló bajo, cerca del mar. La mujer desvalida en su barca llena de agua, alcanzó a verle y dejó por un instante de pensar en la muerte para desear estar a su lado. Eso le salvó la vida. Esa fue la llamada. Él, aunque lo intentó, no pudo ya dejar de mirarla ni de preguntarse cómo soportaba ella, en las noches del mar, esa soledad que le asomaba a los ojos y que era idéntica a su soledad de años de vivir en el aire. Atosigado por la curiosidad, pensó que haberse mostrado en la tormenta le daba derecho a una breve mirada a la intimidad de la mujer…
Un viaje de ida y vuelta entre un hombre y una mujer que se conocen cuando no son humanos y se reencuentran cuando todavía no lo son. Una historia de anhelos y encuentros, de carne y de huesos, levemente inspirada en la leyenda de la mujer esqueleto, que nos habla de lo humanos que somos aunque no lo sepamos, aunque no lo parezcamos, aunque no nos demos cuenta.

Octubre 2011 / Cartoné / 13,5 x 43 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

Casualidad es la historia de un joven que no cree en la casualidad, “una disculpa de los que no entienden las cosas”. Para él todo tiene explicación debido a que nació y creció en un pueblo, Ventoso, donde los hechos que acontecen, normalmente atribuidos a la casualidad, se explican por la acción del viento. Sin embargo, cuando la meteorología cambia en su pueblo, pierde a la joven que ama porque ella sí creía en la casualidad.

Octubre 2011 / Cartoné / 27 x 25 / 40 páginas / 15 €

Sinopsis

Es hora para Stella de ir a la cama, pero como puede hacerlo sin acostar antes a la cerdita Rosa, al ratón Amperio y Sapo de Trapo.«¡Soy la campeona mundial de mantenerse despierta!», dice la cerdita Rosa, saltando sobre la cama. Afortunadamente Stella siempre encuentra la forma de lograr, en manera muy ingeniosa, que se duerman: la almohada se convierte en un barco, la caja de zapatos en un tren y la cesta de juguetes en un globo. Las luminosas ilustraciones y el texto son un oda la infinita imaginación de los niños.

Octubre 2011 / Cartoné / 23,5 x 31 / 48 páginas / 22 €

Sinopsis

Bajo la superficie de todo proyecto creativo suele haber un gran iceberg oculto que lo mantiene todo a flote: una masa de material preliminar formado por cajas, folios y cuadernos de notas que en principio el autor no pretende mostrar y menos aún publicar. Eso es especialmente aplicable a Emigrantes, una historia que depende en gran medida del silencio y el misterio. Siempre imaginé que, una vez terminado, el libro superaría las referencias a su fuente original, que sería algo así como un álbum perdido procedente de un universo alternativo. La falta de aclaraciones tan sólo le añadiría interés, el lector se encontraría sólo con una serie de dibujos extraños, de personajes sin voz en paisajes anónimos. Así pues, ¿qué necesidad tenía de volver a mi viejo archivo y publicar un volumen de notas y dibujos de trabajo? Aunque por lo general considero mi propio proceso creativo simplemente como eso, como un medio para conseguir un objetivo, lo cierto es que los cuadernos de trabajo de otros artistas me fascinan.

Me encanta ver el origen de las ideas, las conexiones con experiencias de la vida real, las múltiples posibilidades y problemas a los que se enfrenta el artista; pero sobre todo me gustan porque nos recuerdan lo que más nos atrae del arte y la ficción: su factibilidad. Por consiguiente, puedo imaginar que el proceso creativo de Emigrantes también podría resultar fascinante para otros lectores, especialmente teniendo en cuenta que resultó ser un proyecto largo e intrincado. A menudo me preguntan de dónde surgió la idea de este proyecto. No es una pregunta fácil de responder, pero sí puedo decir que empezó con una vaga imagen mental de un personaje alienado, cargado con una maleta, aunque durante mucho tiempo fui incapaz de dibujar nada que realmente valiera la pena a partir de ello. Mucho más tarde me di cuenta de que la imagen tenía una conexión con un tema evidente: la emigración. Sin embargo, esa revelación sólo sirvió para agravar mis problemas a la hora de conseguir una representación artística. Siempre me ha interesado la idea de la ilustración indirecta o, en otras palabras, el intento de encontrar un equivalente metafórico a un tema o experiencia, una representación más imaginaria que literal. Intenté aplicar esa estrategia a mis limitadas ideas sobre la emigración.

En mis primeros esbozos experimenté con cualquier cosa, desde personajes no humanos (a menudo pájaros o seres con aspecto de ave), a paisajes que surgían a partir de la combinación de objetos diversos. En un caso dibujé una ciudad compuesta por paquetes de comida repintados para que parecieran edificios; para ello me inspiré en una idea de «reciclaje cultural» y en los sueños de prosperidad de los emigrantes. Otra variación consistió en copiar viejas fotografías de archivo, recortarlas y elaborar con ellas composiciones menos previsibles, de un modo no muy distinto a lo que hacía Max Ernst con sus collages. También pasé varios meses dibujando figuras humanas simplificadas o muy estilizadas, inspirado por la obra del autor y artista británico Raymond Briggs, y también por el realismo oblicuo de novelistas gráficos como Chris Ware, David B. y Art Spiegelman. En ocasiones, mis personajes eran casi amorfos, con los rostros desdibujados; ¿sería eso una metáfora efectiva del anonimato del emigrante y de su atormentada sensación de pertenencia, o se trataba tan sólo de una engreída perogrullada? Mis ideas a menudo resultaban intelectualmente interesantes, pero al mismo tiempo me confundían o me distanciaban emocionalmente del tema en lugar de acercarme más a él. En este punto empecé a preguntarme cuáles eran mis intenciones como artista, y a reflexionar sobre mi fascinación por las historias ilustradas surrealistas. ¿Qué relación podía haber entre eso y mi preocupación por las imágenes de emigrantes? Pensé mucho en ello mientras estudiaba diversas fotos de archivo que colgué en las paredes de mi estudio: eran fotografías descoloridas de desconocidos que se aferraban ansiosamente a sus maletas y fardos, apiñados en el muelle, a la espera de un barco. Como suele ocurrir, el proceso de documentación acabó siendo crucial. Leyendo biografías, escuchando entrevistas grabadas e incluso realizando algunas yo mismo (sobre todo a mi padre) me di cuenta de que los problemas por los que pasaron muchos emigrantes guardaban ciertos paralelismos con lo que me preocupaba e interesaba a mí como artista visual. Existe la voluntad de encontrarle sentido a la ausencia de lenguaje hablado u oral, la tendencia a examinar la sensación que a veces tenemos de estar fuera de lugar, de observarlo todo con grandes dosis de atención e imaginación. Pero por encima de todo eso, existe un potente deseo de extraer algún tipo de memoria coherente de nuestra caótica y fragmentada experiencia vital, una historia elocuente que pueda transmitirse a otras personas.

Los artistas a menudo intentamos percibir el mundo a través de un «ojo inocente», mirar lo que conocemos bien como si fuera algo desconocido, ver lo extraordinario en lo más ordinario. Desde muchos puntos de vista, eso se parece a la experiencia del que emigra: viajar a un país extranjero puede ser algo parecido a entrar en una segunda infancia, en la que todo debe reinterpretarse en un contexto nuevo. De hecho, la experiencia de la emigración comprende todos los retos emocionales, intelectuales y espirituales con los que puede enfrentarse el ser humano, puesto que pone en entredicho tanto lo conocido como lo desconocido. Esa profunda sensación de estar desplazado despierta también el misterio esencial en la vida de cualquier persona, sea cual sea su edad, experiencia o nacionalidad: quienes somos, de donde venimos y cómo nos relacionamos con el mundo que nos rodea. Al final, resultó que Emigrantes tenía mucho que ver con esas preguntas fundamentales. Más allá de mis preocupaciones iniciales acerca del estilo o de la presentación, decidí que este proyecto constituiría un ensayo visual minuciosamente documentado, destilado a partir de numerosas anécdotas de personas que habían emigrado: un cuento universal que es a la vez real y abstracto, un género que navega entre dos aguas, entre la realidad y ficción.
Al cabo de los años, el libro terminó siendo muy distinto de como lo había imaginado originalmente, pero también mucho más interesante. Sus páginas poseen una profundidad y una simplicidad que siguen intrigándome a pesar de lo laborioso de su elaboración. A menudo me preocupaba que los lectores pudieran ver el libro como una obra obscura e idiosincrática, pero la respuesta ha sido increíblemente positiva: se ha traducido a varios idiomas (lo que implicó poco más que cambiar el título), ha hecho las delicias de niños y adultos de contextos muy diversos, y ha recibido numerosos galardones como novela gráfica, como álbum infantil, como obra de ciencia ficción, de ficción histórica y también como obra literaria en general. He recibido muchas cartas apasionadas de lectores emigrantes y refugiados que han visto reflejadas sus experiencias en las extrañas imágenes del libro, es como si la historia hubiera completado el círculo y hubiera vuelto al punto de partida.

A pesar de que no son en modo alguno imprescindibles para apreciar la obra final, espero que estas páginas brinden un punto de vista más íntimo de ese pequeño mundo que construí alrededor de Emigrantes, mis inspiraciones iniciales, la evolución de conceptos y la ejecución de las ilustraciones finales. El lector también puede disfrutar de los esbozos por sí mismos; aunque a veces puedan resultar extraños, siempre son sinceros en la medida que sirvieron para capturar ráfagas de ideas especulativas. Yo, por mi parte, disfruté revisándolos y recordando ese impulso creador esencial. En ese sentido, esos esbozos me parecen más reveladores que mis obras terminadas y elaboradas con más esmero; son la evidencia de una imaginación a la deriva, impulsada por una pregunta seductora, compleja y eternamente fascinante: Qué pasaría…

Octubre 2011 / Cartoné / 16 x 24 / 40 páginas / 15 €

Sinopsis

El Paraíso es una versión libre y personal de la historia de Adán y Eva en el Jardín del Edén relatada desde la perspectiva de Adán. La historia comienza donde acaba La Creación. Al principio, Adán y Eva se sienten felices. Nadan en la abundancia y la exuberancia. Se les ha confiado un jardín con cuatro ríos y un bosque y su única misión es limpiarlo y mantenerlo. El hombre, práctico y previsor, no duda en poner manos a la obra para evitar que el crecimiento descontrolado de la vegetación acabe invadiéndolo todo y termine por alterar el orden. La mujer le apoya y le ayuda. Todo es armonía y felicidad. Siempre es verano, el sol brilla en el cielo, no hay de qué preocuparse, al hombre y a la mujer no les falta de nada. La situación cambia cuando la mujer empieza a cansarse, a suspirar y a lamentarse. Pese a tenerlo todo, echa en falta algunas cosas. No se conforma con la supuesta perfección, aburrida e insulsa. Es partidaria de dejar crecer la vegetación. El hombre trata de quitarle esa idea de la cabeza, advirtiéndola de los peligros y riesgos: inseguridad, caos, malos olores, podredumbre, etcétera. Al ver a la mujer cada vez más triste y desganada, el hombre hace todo lo posible por animarla buscando desesperadamente la felicidad perdida. No logra su propósito y acaba cediendo a regañadientes. El hombre y la mujer dejan rienda suelta al bosque y se entregan al ocio, a pasear, a la pesca, a disfrutar. Poco después hacen su entrada la imperfección, la muerte, la ley del más fuerte, la lluvia, las catástrofes naturales, el hedor. Aun así la mujer reencuentra la felicidad al sentir, saborear y oler la vida y la muerte, la realidad diversa, con sus luces y sus sombras. Afirma que ahora tiene todo cuanto necesita. Y el hombre y la mujer terminan siendo tan felices como al principio o más.

El autor se caracteriza por un estilo extraordinariamente cuidado y sensorial cuyo tono raya en lo poético y por momentos en lo surrealista o lo mágico. Crea un mundo cargado de emociones, pero lo hace de forma implícita, de tal modo que las sensaciones y los sentimientos se perciban entre líneas. Su excepcional poder de evocación hace que el lector vibre con los personajes y se sienta rodeado de la exuberante vegetación del paraíso. A ello se suman una extraordinaria humanidad y leves toques humorísticos e irónicos. Los dibujos reflejan a la perfección los sentimientos y estados de ánimo de los protagonistas. Desde el punto de vista temático, el libro se presenta como un ejercicio de equilibrio entre la luz y la oscuridad, el sosiego y la proliferación, la felicidad y la insatisfacción. Como en el resto de la obra de Moeyaert, el amor desempeña un papel fundamental. En realidad estamos ante una reflexión sobre las relaciones entre el hombre y la mujer.

Septiembre 2011 / Cartoné / 12 x 17 / 64 páginas / 12 €

Sinopsis

¿Qué es esto? ¿Un abecedario? ¿Un libro para aprender a leer? Es un libro para aprender a leer, a pensar, a mirar… Un libro colmado de una poesía sencilla, de una filosofía concreta, de un viaje lleno de sensibilidad a través del alfabeto en 26 imágenes. Concebido en 1790 por Karl Philipp Moritz, Wolf Erlbruch lo ha ilustrado y reinterpretado, y del Abecedario de Moritz ha surgido un verdadero libro de poesía: el resultado es un libro lleno de imaginación y fantasía para personas de cualquier edad.

El Banco del Libro
Los mejores libros para niños y jóvenes 2007

El abecedario es uno de esos géneros expuestos a la relectura creativa de los autores contemporáneos, después de haber sido severamente cuestionado en el siglo XX como herramienta didáctica. Cuando creemos que ya no hay otra forma de apropiárselo y reinventarlo nos topamos con un extraño libro como éste, donde las 26 letras se convierten en la mejor excusa para descubrir los sentidos, vista, gusto, olfato y tacto, ya no sólo como temas sensibles sino filosóficos. Esta joya literaria es curiosa por su formato y su manera de invitar a reflexionar desde la poesía; también lo se porque fue originalmente concebida por su autor en 1790, mucho antes de que los abecedarios estuvieran entredicho, texto que ha sido magistralmente actualizado y reelaborado por su ilustrador.

Brenda Bellorín

ALIN
Amigos del Libro Infantil y Juvenil
Los diez principales

Novedosa, original y vistosa propuesta literaria con la que nos llegamos a preguntar ante qué estamos: ¿un libro para los primeros lectores?, ¿un auténtico abecedario ilustrado? En realidad, asistimos ante una nueva forma de iniciarse en la lectura, en la reflexión, en el análisis y en el pensamiento; un formato henchido de diáfana y bella poesía, que encierra filosóficas sentencias con las que poder viajar y volar por el mundo de la imaginación y fantasía; se trata, pues de una obra abierta a múltiples lecturas y visiones, una obra con la que apasionarse.
Con un esmerado diseño interior la obra aúna sugerentes trazos figurativos, collage, y retazos surrealistas, precedidos por un introductoria espacio rectangular, verde esperanza que nos aclara ciertos conceptos y nos hace divagar y reflexionar sobre otros; en definitiva, obra para ser contemplada, leída, releída y amada.

Bloc
revista internacional de arte y literatura infantil
0-07

Desde hace en 1658 Comenius publicara el Orbis Sensalium Pictus, muchos otros libros siguieron sus pasos atraídos por su difusión, por sus numerosas y rápidas traducciones y por su impato en la didáctica: un libro ilustrado contando, en dos idiomas (alemán y latín), “todo” lo que había en el mundo en aquella época ( que considerasen de interés infantil), con imágenes, con pequeñas frases o palabras en formas de vocabulario.
En una corriente parecida se instala El nuevo libro del abecedario, con autor amante de los abecés y una época, segunda mitad del XVIII, en la pensar en un niño es pensar en un educando, y por todo ello un compromiso formativo preside el planteamiento de este libro.
La edición que comentamos aquí es el resultado de que Barbara Fiore Editora se traiga el original, publicado en Munich por Antje Kunstmann, atraída por la obra plástica resultante y por un texto que, a pesar del tiempo, mantiene una vigencia absoluta.

En un apéndice muy completo del libro, encontramos una interesante reseña biográfica, así como detallamos aspectos del pensamientos del escritor, en buena medida a través de su alter ego Antón Reiser, personaje de su novela del mismo título, para quien” el abecedario es la llave que abre las puertas del mundo”.
Su pasión pedagógica aparece en esta novela y en muchas publicaciones de todo tipo y temática.
El nuevo libro del abecedario es una confirmación de este sentir y su estructura, su planteamiento y la composición gráfica resultante tras la actuación de la ilustración, lo mantienen completamente vigente: ideas muy sencillas, mensajes muy claros, una prosa con una fuerte carga lírica, un reto a la imaginación, una propuesta, a la vez, provocadora.
Al abrir el libro por cualquier lugar, nos encontramos que la doble página está compuesta de la siguiente manera: la página (izquierda) está dividida en dos columnas
( prácticamente por la mitad), siendo la de la izquierda la que, sobre un fondo de color verde, lleva el texto, mientras la columna de la derecha se hace un todo con la página impar donde la ilustración (iniciada en esa columna derecha) continúa. Además hay un reglón de texto bajo cada página impar. Además hay un reglón de texto bajo cada página impar. Es donde aparece una palabra que empieza por la letra del abecedario correspondiente , destacada con rojo del resto de letras negras. Pero además, estos reglones, página a página, riman formando pareados. Y aquí es donde hay que elogiar la labor denla traducción que mantiene la misma tónica y riza el rizo para solucionar el problema de la W(una M que se ha girado y queda al revés).
Pero si la composición es magnifica y los textos son desde deliciosos excelentes, el remate lo pone Wolf Erlbruch con una creación en la que presenta una armoniosa amalgama de técnicas plásticas en diseños y materiales, que aglutina como resumen en las páginas correspondiente a la letra P y que llevan por comentario “Lujo y exceso”. Tal vez el flamante ganador del Premio Andersen de Ilustración se hace su propio homenaje.

Pepe García Oliva

Noticia de llibres Infantil y Juvenil

Num.34, Hivern 2005.
Aquest abecedari va ser escrit a Alemanya el 1870. El seu autor, Motriz, va ser un home de la il·lustració que va morir als 37 anys, después de dedicar-se a la pedagogía i arribar al cárrec de Conseller Real de Prusia. Les imatges han sigue renovades per l´il·lustrador Erlbruch (1948), Premi de Literatura Infantil al 1993.
Es un llibre savi, el seu txt es clar en la descipció i suggeridor en la manera dexplicar-se. Cada escit tramet a la següent página il·lustrada i traspua una mirada pensant en cada desprició.
Son 26 il·lustracions que acompanyen un text, ens parlen dels cinc sentits, de reflexions sobre el nostre cos, de les relacions entre persones i animals, de lúnivers, la natura i l´home civilitzat, de l´éxcés i de la sobrietat, de la vida i de la mort.
Un llibre pera totes les edats, que té humor, fa pensar, pren partit pel progrés i la dignitat de les persones i té la forma dún abecedari il·lustrat.

Revista Sol

Nacido en 1756, Kart Philipp Moritz fue artista, un psicólogo dedicado a resaltar la importancia de la infancia en el desarrollo posterior de la persona, un poeta. En El nuevo libro del abecedario, reseña mágicamente el imaginario infantil del siglo XVIII, en que muchos casos es también actual.

Biblioteca Pública Municipal de Cocentaina

Estem davant d’un llibre que ben bé no sé com classificar: llibre de poemes juvenils? llibre de filosofia? llibre de crítica social? surrealisme textual i visual? abecedari il·lustrat? ... Karl Philipp Moritz (Hameln, 1756-Berlín, 1793) escriu una obra clàssica, d’aquestes que sempre estan d’actualitat, pels temes que tracta i com els tracta.

Una proposta poètica original, interessant, acompanyada d’unes suggerents il·lustracions i una molt bona traducció de Carles Andreu y Albert Vitó. Una proposta reflexiva sobre la condició humana, molt adient per a joves lectors, tan poc acostumats a l’intimisme reflexiu i crític, a rumiar allò que lligen, a transferir idees, a apropiar-se del text. Un poemari diferent i la seua lectura ens deixa inquiets, a joves i adults. Cada poema és com una píndola d’intel·ligència.

Una proposta poètica interessant i diferent d’aquesta xicoteta editorial, Bárbara Fiore, amb un fons bibliogràfic original per a totes les edats, lluny dels típics llibres infantils i juvenils, “políticament correctes”, que omplin les llibreries.

La revistas dels súpers

El nuevo libro del abecedario és un viatge mágic a través de lálfabet i de les fabuloses illustracions creades por Wolf Erbruch. Fantasia i imaginació en un llibre molt especial i ple de poesia per disfrutar llegint, mirant, pensant. Submergeix-te en un món ple se sorpreses.

El Cultural

Todo conocimiento es susceptible de ser dividido en elementos claros y distintos para todos comprensibles. Las imágenes recogidas en este libro tienen la capacidad de plasmar de una forma sencilla e impactante una idea, una noción abstracta o una experiencia. De la relación secuencial entre unas y otras, Kart Philipp Moritz (1976-1793) consiguió construir un sucinto andamiaje teórico que, además de transmitirle al niño el irrenunciable legado de la instrucción, le invita a pensar y a adiestrar la lógica.

Aunque sin lugar a dudas nos encontramos con un texto de extraordinario valor en sí mismo, las ilustraciones de Wolf Erlbruch le imprimen un registro nuevo: potenciando su significado, brindándole un matiz lúdico, imprimiéndole modernidad y acercando la obra clásica al lector actual. La edición no puede ser más hermosa y la traducción de Carlos Andreu y Albert Vitó realiza los malabarismos necesarios para verter el texto al español de forma impecable y respetar el original en alemán.

Gustavo Puerta Lesisse

Sol

Los sentidos, el cuerpo humano, la idea del tiempo y de la muerte son abordados aquí de manera tan poética como fascinante, tan profunda como misteriosa.

En este maravilloso libro encontrarás arte y poesía, pensamiento y erudición. El autor, nacido en el siglo XVIII, narra en forma tan poética como intensa y profunda una serie de pensamientos sobre los cinco sentidos, la relatividad de las cosas zanjadas siempre por el tiempo, el pensamiento de los hombres, la muerte y el miedo a la muerte… Las ilustraciones que acompañan estas consideraciones son también bellísimas, por lo que este libro cumple una bonita doble función: la de ser a la vez contenido y continente, al tiempo firme pensamiento y precioso objeto para tener entre las manos.

Revista Lazarillo

Nos encontramos ante un gran libro, publicado en 1790. Debemos tener en cuenta que si bien este abecedario estuvo dirigido a los niños y su función fue enseñar a leer, en la actualidad a estos destinatarios les resultaría difícil su lectura, debido a las reflexiones intelectuales que propone y a que ahora la metodología para aprender a leer es otra. Por ello, creo que el receptor de la edición que la editorial Barbara Fiore realiza de El Nuevo Libro del Abecedario será un lector adolescente o adulto del siglo XXI.

Kart Phillipp Moritz concibió el arte como crítica a la alienación social y defendió una educación que incluyese a los excluidos de la alfabetización en aquel periodo: los niños, las mujeres y la población rural. El ilustrado Phillipp Moritz, cercano a la filosofía de Rousseau, colocó al lector como protagonista de su vida. Así, los argumentos que desarrolla en esta obra huyen del cosmos creado por el Antiguo y Nuevo Testamento, postulados pedagógicos, en otros abecedarios y silabarios, en el periodo que a él le tocó vivir.

Aunque el libro vio la luz a fines del siglo XVIII, los temas tratados por Philipp Moritz, totalmente renovadores en su época, continúan vigentes. Este abecedario supuso una revelación pedagógica, ya que el pequeño lector disfrutaría de la conjunción de palabras e imágenes que Philipp Moritz introdujo mediante la técnica del grabado. Las seis imágenes iniciales abordan los sentidos, las dos siguientes, la reflexión y el cuerpo. A partir de la novena, las cuestiones expuestas plantean dicotomías como las relaciones entre personas y animales, la naturaleza pura frente al hombre civilizado, el lujo y el exceso en contraposición a la frugalidad. Desde la decimoctava imagen hasta el final del álbum, aparecen asuntos universales tanto en Filosofía como en Poesía: la vida, la muerte, lo efímero, el orgullo y la desigualdad.

Wolf Erlbruch, ilustrador de El taller de las mariposas, La gran pregunta, El Milagro del Oso, El topo que quería saber quién había hecho aquello encima de su cabeza o El águila que no quería volar, elige para este álbum la combinación de collages con grafito y una cromática en la que los colores tierra contrastan con los marcos verdes de cada una de las páginas, en las que se insertan los textos, configurando un mundo vanguardista y gélido, que magnifica los instrumentos pedagógicos (imágenes + palabras) que Philipp Moritz legó al pensamiento moderno. Concluiré con una de las clarividentes frases, utilizada en la última imagen: «Aplicarse en aprender es una recompensa en sí misma.»

Sara Vicente Mendo

Educación y Biblioteca
Año 19 N 162 noviembre/diciembre 07

Filosofía e infancia

¿Cómo surge la idea de rescatar El nuevo libro de abecedario?
Existe una edición de 1980, un facsímil del libro original. Es un libro pequeño con ilustraciones hechas con plancha de cobre, de la época. Al leerlo me di cuenta de que se trata de texto fundamentalmente importante. Está un poco pasado de moda, por supuesto. Pero aún así, sigo encontrando vigente su postulado fundamental: se trata de que los niños abran sus ojos y miren con cuidado a su alrededor, para que descubran otras posibilidades de hacer las cosas y para que piensen cosas nuevas; para que desarrollen y transformen el mundo. Pensé que sería una buena idea hacer nuevas ilustraciones. Darle una imagen renovada, de tal modo que el lector de hoy en día se sienta más interesado por el libro que si tuvieran frente a sí la edición antigua.

Moritz es discípulo de Descates. Descartes partía de un método y perseguía unos principios que resulatarn simples, claros y comprensibles para cualquiera. Creo que esta característica también está presente en los libros de usted.Trata ideas complejas y profundas de formas muy sencilla para que los niños las entiendan. ¿Por qué hablarle a los niños de asuntos filosóficos?
La filosofía es una técnica para comprender qué estamos haciendo aquí, qué somos, qué posibilidades tenemos. la influencia de la filosofía en la sociedad no ha llegado muy lejos. Algunos de la filosofía de la sociedad han sido muy famosos y han escrito libros famosos, pero sus ideas no se han extendido a la sociedad en general. La filosofía no tiene mayor alacance porque la mayoría de la gente no conoce el pensamiento filosófico. Claro que existe una filosofía popular pero, obviamente, esta es mucho más simple. Yo no sé cual es la verdad. Pero si sé que hay que pensar, buscar tratar de que las cosas te hablen. Y así, acumulas muchas informaciones. vas uniendo cabos. Y disponiendo de este saber quizás el mundo sea un poco más rico para ti.

Comparto su visión. ¿Pero la pueden compartir los niños?
La literatura infantil en general considera a los niños, con un nivel más bien bajo y trata asuntos estúpidos. Mis libros te pueden confrontar con asuntos que normalmente no están en los libros para niños. Yo los ideo de forma que también puedan motivar a los padres. Mi interesa propiciar un diálogo entre hijos y padres; con preguntas, como es normal. Pero no es fácil. hay muchos prejuicios, hay mucha basura. aún así creo en el diálogo. creo que el diálogo entre padres y hijos es buenos para ambos. Por un lado, los padres se dan cuenta de que, a menudo, los pensamientos de los niños son profundos, extraídos de sus experiencias del mundo. Por otro, los adultos han vivido más tiempo y pueden darle una explicación más satisfactoria a algunas cosas gracias a su experiencia.

El proceso y la muerte.

Hay otro aspecto muy filosófico que creo hallar en sus libros. tengo la impresión de que cada uno de ellos es el resultado de un proceso y no un medio para transmitir un concepto preexistente o para enseñar algo que sabe de antemano. ¿Es así?
Si, es cierto. Te doy el ejemplo de El pato y la muerte. empezó por algo muy sencillo, por un marcapáginas que pinté para un amigo. En él puse tres figuras juntas: dos patos y la muerte. me pareció que era una bonita imagen, así que hice una copia para mí. le di el marcapaginas a mi amigo, le gustó y me olvidé. eso fue hace muchos años, alrededor de 1994. hará unos 6 años, encontré mi copia en un cajón. Entonces pensé que sería una buena idea hacer un libro con estos tres personajes, pero no sabía exactamente qué. Lo devolví al cajón y nuevamente pasó el tiempo. Dos años más tarde volví a ello, intenté escrbir algunas historias pero todas terminaron siendo muy complicadas, muy largas; las imágenes estaban llenas de detalles y no conseguía llegar a la esencia de la historia. Intenté simplificar el argumento lo más posibleal mismo tiempo, las ilustraciones se hicieron más y más simples. también busqué la máxima concisión en las cosas nímias, como en los adjetivos… De este modo, saqué todo de los dibujos, excepto al pato, la muerte y el tulipán. Em versiones anteriores el tulipán había sido tan grande como el pato y la muerte, pero en la versión definitiva es pequeño. 

También plantea la muerte como algo simple. 
El pato y la muerte es una historia simple, sin un final. No soy alguien que diga que sepa qué es la muerte, que sepa que pasará  después. Más bien, quería mostrar cómo la gente maneja sus creencias. Como sucede con otras cosas, la muerte también tiene sus imágenes (por ejemplo, la de ir al cielo), pero nadie sabe si realmente es así. Yo tampoco. No cuestiono las imágenes existentes, sino que manifiesto que no lo sé. Personalmente
creo que nos vamos y volvemos de alguna forma, pero no sé en qué forma:si es en forma de trompa de elefante o como un árbol o de algún otro modo. Lo que he querido mostrar con este libro es que, para empezar, tenemos que morir. es una pena, pero no hay otro remedio. esta muerte es simpática pero, finalmente, es la muerte y se lleva a ese pato con con el que nos identificamos. No quise poner seres humanos porque podía recordarles a alguien a su padre o a sua buelo y tampoco lo puse en un contexto humano para tener una figura neutral. Es un pato, no sabemos si femenino o masculino, y nos representa.

Me sorprendió mucho encontrar al mismo pato y a la misma muerte en La gran pregunta.
Cuando pensé en ese libro, decidí probar primero la figura de la muerte en otro libro. No sé si le parece mal…

No, no, al contrario. Pensé que quizás estaba jugando con los símbolos. ¿Intenta usar las mismas imágenes?
Hay muchas cosas que vuelven en diferentes libros.

También me pregunto, ¿porqué el tulipán?
Podemos ver en él un símbolo de la vanidad. en la pintura flamenca del siglo XVI y XVII, el tulipán venía a ser un símbolo de la decadencia de la belleza: la belleza está ahí por un minuto y luego desaparece. Aunque yo no pensara así cuando los hice, créame. Sin embargo, cualquiera podría interpretarlo de esa forma.

Un libro que a mí me ha resultado muy extraño es La Creación…
[Risas] Es verdad, es un texto extraño.

Es un relato que se inspira en una versión teatral contemporánea de una pieza musical de Hadyn que a su vez se inspira en el texto bíblico. La interpretación que usted hace con su ilustración es muy peculiar.
El texto es muy moral. Bart Moeyaert es un escritor belga, flamenco, no católico. Es un pietista, que es una religión muy estricta. Moeyaert aborda en La creación la lucha entre Dios y el hombre.. “No sé quién soy”, “Tengo miedo”, dice el protagonista. Pero también dice: “Soy alguien”, “Sé bueno conmigo y no me olvides”, “Soy algo especial, en comparación con el resto de la creación”. En éste texto se ve muy bien lo que somos: pequeños hombres haciendo preguntas difíciles sobre nuestra pequeña existencia. Es un texto con un claro significado moral pero, en otro sentido, también es una historia irónica.

Y usted es muy irónico.
Si, lo intento.

Es difícil encontrar juntos la ironía y la religión o el humor y la filosofía. Tampoco es habitual su estilo, escribir de estos temas con humor.
Empleo el humor porque si no sería insoportable. Pensar en nuestra importancia es tan ridículo que tengo que usar el humor. Al reflejar la banalidad de mi propia existencia reflejo la de los demás.
Algunos asumen su existencia de forma modesta y otros se crecen mucho. Hombres ricos, políticos, incluso artistas, creen que son muy importantes, más importantes que un árbol, y no es así. 

Editores y premios

¿Cómo es su relación con sus editores?
Tengo varios editores. No me he quedado sólo con uno porque creo que diferentes libros requieren diferentes editores. Tengo la sensación de que este editor es el mejor para este libro, y suelo estar ,contento con la decisión.

¿Trabajó con Hermann Schuz?
Sí. Fue mi primer editor. Hay una forma de pensar en Peter Hammer que entonces consideré que iría bien para mis libros. Publiqué muchos libros en esta editorial. Pero en determinado momento no avancé más. Tenía la sensación de que debía probar con otros editores; así que busqué alguien que entendiera mejor mi sentido del humor.
A veces con Hermann Schulz fue difícil, a veces fue fácil. No protesto, es un buen editor, es una buena editorial y hacen un buen trabajo. He hecho unos calendarios para ellos, quizás algún día repita con los libros, ya veremos… No quiero sentirme muy presionado, me gusta saber que puedo decidir no hacer un libro en los próximos dos años o que no quiero hacer libros para niños ahora, sino otras cosas. Con ellos me siento bien.

Con usted sucede algo muy interesante: sus libros son poco concesivos, difíciles, originales y, sin embargo, ha sido reconocido tanto con premios, como el Andersen, como por la impronta que ha marcado a jóvenes ilustradores. No es habitual que esto suceda.
Si, es verdad. Quizás se deba a algo que ha sido apuntado por algún crítico: lo que digo es original, son cosas que vienen de mi vida. Realmente mis historias tienen que ver con mi pensamiento y no con llegarle a un segmento de lectores especifico.
No pienso en el mercado. Los editores a veces tienen discusiones del tipo: este libro es para niños de tres años?  de seis años? A mi me importa un comino, creo que niños de cualquier edad podrán encontrar algo en el libro… quizás… o quizás no…

Qué ha significado para usted ganar el premio Andersen?
Puf! No lo sé. Todo el mundo dice que es un honor. Vale, es un honor. Pero si una persona le da un premio a otra, uno siempre debe preguntarse cómo se ha llegado a esta elección: qué asuntos políticos habrán mediado, quién lo otorga, cuál es el perfil de los miembros del jurado y si ellos son de verdad los más apropiados para juzgar lo que se hace.
Con un premio nunca se sabe, así que no significan mucho para mi. Para mi es más gratificante cuando siento que mis libros circulan y que la gente los lee. Que lleguen a los niños y los adultos, eso es lo que me parece más importante.
Está muy bien ganar el Andersen, claro, es un horror. Somos los únicos animales de la tierra que nos damos premios. Lo dije en mi discurso. Ningún conejo le dará a otro conejo un premio por saltar más alto. Los humanos nos damos premios los unos a los otros para enseñar a los demás lo importante que somos. Es algo muy nuestro, pero no son tan importantes. Es más importante aquello que hacemos. Será bueno no darle los premios a hombres mayores que ya son famosos. Los premios deberán darse a los jóvenes, para motivarlos.

Empezar

¿Cuál es su consejo para un ilustrador de libros para niños que esté empezando?
Que no empiecen demasiado pronto, que esperen. Tienen que ser maduros, lo cual no es tan fácil. Tener el asentamiento del adulto. Ser un niño tampoco es tan fácil. Ellos ven el mundo como es, ellos lo entienden como nosotros también lo entendemos, es decir, no mucho. Todos entendemos algunos datos, claro. Pero no sabemos por qué estarnos aquí, no lo tenemos claro y quizás nunca lo tengamos. Para tomar conciencia de cuánto nos parecemos al niño, para pensar que el niño no vive en un mundo de algodón rodeado de ositos todo el rato, hace falta crecer.

Porqué su interés por el libro álbum como medio para expresarse?
Porque tengo la sensación de que puedo hacer algo en este campo. Creo que con el libro álbum puedo usar un lenguaje humorístico, irónico, será, cambiante… que me da libertad en lo que digo. Es muy bueno hacer libros para niños que no sólo sean para los niños. También pueden ser para padres, como habíamos dicho. También pueden estimular el diálogo. Cuando hice con Werner Holzwarth El topo que quería saber quién se había hecho aquello en su cabeza, que hoy en día se considera un libro para niños, nadie consideraba oportuno publicarlo y no les parecía apto para los pequeños. Su éxito a sido retardado.

Hay maestros que consideran que El topo que quería saber quién se había hecho aquello en su cabeza era un libro que enseña la venganza a los niños.
Bah! Tienes que ser un maestro para, después de mirar todo ese catálogo de cacas, concluir que el mensaje del libro es la venganza…

Es muy difícil llevar la filosofía a los niños y admiro mucho su trabajo. Pero lo que me parece más dificil de todo es ser tierno. Y usted es realmente bueno en esto.
Simplemente que me gustan las .criaturas. Los niños, pero también los adultos, los animales… Tengo hijos. Tengo sentimientos. Tengo interés por lo que está detrás de la fachada de la.gente. No puedo odiar a la gente adulta porque los veo de niños. Incluso el ser más extraño ha.sido niño. Lo hacía en mi infancia con mis profesores cuando iban en contra de mí, los imaginaba de niños y podía entenderlos mejor, con sus problemas y sus reacciones injustas.

Se nos acaba el tiempo. Por favor recomiéndenos un libro.
Abecedario de la escritora danesa Inger Christensen. Es un poema-muy largo donde hace una lista de todo lo que hay en la Tierra. Tenemos la sensación de un milagro, de la maravilla.

Gustavo Puerta Leisse                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                     

Septiembre 2011 / Cartoné / 12 x 17 / 32 páginas + guardas / 10 €

Sinopsis

“Siempre llega un momento en que el niño se pregunta sobre la muerte. Ingenuamente, con toda la naturalidad del mundo. Los padres lo saben, pero pocas veces tienen preparada una respuesta simple y convincente. El personaje de la muerte en este libro de Erlbruch es una acompañante silenciosa y leve como una pluma, siempre presente aunque no la percibamos: Desde hacía tiempo, el pato notaba algo extraño. -¿Quién eres? ¿Por qué me sigues tan de cerca y sin hacer ruido? La muerte le contestó: -Me alegro de que por fin me hayas visto. Soy la muerte. El pato se asustó. Quién no lo habría hecho. -¿Ya vienes a buscarme? -He estado cerca de ti desde el día en que naciste… por si acaso. -¿Por si acaso? -preguntó el pato. -Sí, por si te pasaba algo. Un resfriado serio, un accidente… ¡nunca se sabe! - Sí, nunca se sabe… pero si de algo podemos estar seguros es que Wolf Erlbruch responde con sencillez las grandes preguntas con la poesía de sus ilustraciones y de sus historias. Para niños y adultos.“

Un libro para mecerse entre las plumas de la muerte. Una muerte simpática que siempre nos acompaña para que no quedemos solos. Una muerte silenciosa que nos despide acariciándonos con un tulipán. El tulipán que nos guiará en nuestra marcha. Un libro para mecerse en los silencios, en las palabras, en las ilustraciones.
Wolf Ehrlbruch consigue que nazca un tulipán en algún lugar de nuestro desordenado corazón. Un tulipán sin edad para niños, para nosotros y para los que ya piensan en marchar.

El Diario de Jerez

Un nuevo libro de Barbara Fiore que, como siempre, hace raya: ¿un libro para niños? ¿Y por qué no? ¿Por qué no? ¿Por qué habla de la muerte, porque sale la muerte? Es un libro emocionante, poético hasta en el diseño de los personajes, aunque esté contado en prosa. Si el pato no deja de ser un pato, aunque eso sí muy estilizado. La muerte parece muy familiar: parece que lleva un babi y una alpargatas o sandalias: ¿cómo consigue Wolf Erlbruch hacer de este personaje, siempre tan siniestro en la literatura, un ser próximo y entrañable?
La conversación que tiene con el pato es sosegada, amistosa, y cuando este llega su fin, es deforma aceptada, casi cariñosa. De hecho, la muerte lo, coloca en el río del viaje a la nada y le regala un tulipán que le pone encima.

Todas las ilustraciones se suceden sin fondos, sobre un blanco hueso, menos la escena en la muere el pato que reposa sobre un fondo azulado ligeramente en blanco, como una noche estrellada, tranquila, elegante. Como el libro.

José García Oliva

CLIJ
número 205
junio 2007

Escalofríos y sonrisas, a partes iguales, nos produce este álbum necesario, este cuento sobre la muerte que Wolf Erlbruch ha realizado con un humor, una delicadeza y una inteligencia remarcables. Un cuento aparentemente sencillo, pero de enorme calado, en el pato y la muerte pasan unos días juntos, manteniendo una conversaciones “iluminadoras”, sobre el tema. El esterilizado pato y la “simpática” muerte, encarnada en una figura que no esconde su calavera sonriente con capucha negra ni porta guadaña, sino un tulipán rojo y viste informal, comparten unos días: van al estanque,  a bañarse, se suben a un árbol…y, mientras, hablan. El pato le hace preguntas sobre lo qué ocurre cuando uno deja de estar vivo, que la muerte no sabe o no puede contestar. Lo que sí le queda claro al pato es que la muerte lo ha acompañado desde que nació, aunque nunca hasta ese momento lo había notado.

Entre los personajes, que deambulan solos por las paginas de este álbum, sin escenario más allá de una mancha de color para el río o un árbol, nace una amistad. Con enorme delicadeza y cariño, la muerte se hará cargo del pato, no sin sentirse un poco triste. Así, pues, el lector queda triste pero reconfortado al cierra el libro que afronta un tema inevitable de la mejor manera posible, con ternura y humor que se desprende de los sabios dialogadas y de las etéreas y elegantes composiciones de Erlbruch, realmente un maestro indagando en temas filosóficos y presentándolos a los niños de un modo cercano e inteligible, sin perder de vista la apuesta estética.

Alin

Nuestro protagonista es un pato que últimamente notaba algo extraño a su alrededor; hasta que por fin descubrió quien lo seguía de cerca: se trataba de la muerte; el pato se asustó al verla y le preguntó si venía a por él, ya; la muerte le contestó que lo divisaba desde que nació, por si acaso, un accidente, un resfriado serio, pero sobre todo por la terrible amenaza: el zorro.

A partir de aquí surge una alianza entre ambos; van al estanque, se zambullen en él incluso el pato arropa a la muerte para que no se enfríe tras su experiencia acuática; durante las semanas siguientes sus visitas al estanque eran menos frecuentes, sino que se quedaban donde hubiera hierba y casi no hablaban… hasta que un día… ¿qué sucederá ese día?

Sobrecogedora historia sobre el futuro y devenir, que nos hace reflexionar desde la infancia sobre un tema, en tantas ocasiones, tildado de macabro o maldito.

La propuesta sobre la página vainilla recrea, tan sólo, las siluetas de los dos protagonistas con gran sobriedad, lo que carga de mayor intensidad y fuerza la historia; la muerte nos recuerda por su aspecto a personajes sacados de la factoría de Tim Burton, otro especialista en temas un tanto delicados para la infancia; por último, la página final vuelve a incidir en una nueva historia que aún no ha comenzado: la protagonista la muerte, la coprotagonista la liebre, y el antagonista, de nuevo: el zorro.

Marisa Zapata

Revista Babar

Este cuarto álbum de Wolf Erlbruch publicado por la cuidadosa editora Barbara Fiore, El pato y la muerte, es, a nuestro juicio, el mejor de ellos.

Wolf Erlbruch, premio Andersen de ilustración en 2006, ya había demostrado, sobre todo en dos de sus trabajos anteriores: La Creación (2003), con texto de Bart Moeyaert, publicado en esta misma editorial el año pasado, y La gran pregunta (2004), con texto suyo, publicado en España al año siguiente, en la Editorial Kókinos, un enorme proceso formal de síntesis, tanto en la construcción de los escenarios como en la definición de los personajes. En ambos libros, es el fondo neutro y plano de las páginas el que acoge sus escuetas figuras sostenidas en el vacío o sobre una mínima superficie de color. Pero es en El pato y la muerte —una muerte amable que ya nos decía en La gran pregunta que estamos aquí para amar la vida— donde su mundo estético se muestra en toda su madurez, en unas composiciones tan leves, como los personajes que escenifican la historia. Una hermosa historia sobre la vida y la muerte.

Ya decía José Bergamín que la muerte es la razón de la vida. Aquí Erlbruch —el mejor Erlbruch es el que ilumina sus propios sueños—, nos lo representa a través de un breve diálogo entre un pato y la muerte. Un diálogo lleno de interrogantes, a las que el creador no da respuesta, pues quizá no existen o sólo es el lector el que concluye en las que pueda.
Una historia eficaz, contada a través de un texto cuidadosamente traducido (algo poco frecuente, sobre en los álbumes ilustrados), y unas imágenes que bien podrían proceder de un libro de arte, cuya cubierta, si la hubiera realizado Constantin Brancusi, se titularía Pájaro en el espacio.

Un libro, de una cuidadísima edición, obligatorio en toda biblioteca infantil y adulta.

Antonio Ventura

Protexta
o6-Primavera 08
Especial LIX

Esoutra caea da vida que é a morte un lugar que, erróneamente, insistimos en lles ocultar aos nenos num absurdo intento de protexelos de algo que só aso adultos nos pom medo. Wolf Erlbruch preséntanos aquí un diálogo que manteñen un parrulo e a morte. Un diálogo cheo de inteligencia e que contén todas as preguntas, mesmo as que non teñen desposta, e moitas das despostas que no facemos todos diante da idea da morte. Preguntas que conteñen a unexenuidade e a inocencia dos nenos cuando inquiren porque queren saber que é aquilo do que non lles queremos falar, aquí a morte, noutras horas a sexo.
A fermosa historia está contada coa mestrá gráfica de Wolf Erlbruch, o importante ilustrador alemán que obtivo o premio Andersen en 2006, desde a belísima portada que nos fai lembrar o Paxaro no espazo ou a Maiastra de Brancusi até páxinas interiores ocupadas coa unica presenza de ambos protagonistas sobre fondos brancos, só de cando en vez rotos por algún detalle vexetal e moi pouco máis. Será no final onde un ceo estrelado e o río introducen a mancha azul que os fai destino e camiños. As figuras, case monocromas, toman vidapor medio dos lapis de cores que contornan os corpos e danlles volume.
Ningún pai o mai debe perder a oportunidade de falar deste álbum co seu fill ou filla pequeños, será para todos un momento inesquecíbel.

Xavier P. Docampo

El Cultural
22-03-07

Los protagonistas de esta alegoría ya habían aparecido en otros libros de Erlbruch. En La gran pregunta (Kókinos), la muerte respondía a ese interrogante vital con las siguientes palabras: «Estás aquí para amar la vida» mientras que, ante esta misma cuestión, el pato confesaba: «no tengo ni idea». Más allá de un cambio de vestuario, en ambas obras la muerte tiene un rostro amable, una presencia que refleja humildad y una sabiduría reposada que se expresa en el aprecio por las pequeñas cosas. El pato sí ha cambiado, no físicamente (aunque los niños más observadores puedan hallarlo más viejo y flaco); su cambio no es explícito. Sin embargo, al terminar de leer este maravilloso álbum descubrimos que ya encontró su propia respuesta a aquella gran pregunta.
Es probable que esta continuidad no haya sido desarrollada conscientemente por el autor. No obstante, es preciso señalar que sus últimos trabajos revelan una aproximación sistemática a la hora de afrontar temas filosóficos que trasciende el mero interés por la divulgación entre el público infantil y se enraíza en una reflexión muy personal que busca alcanzar y transmitir un conocimiento “claro y distinto”.

Desde aquel topo que deseaba saber quien le había hecho eso en su cabeza (publicado por Alfaguara), pasando por ese niño que desea conocer qué sucede cuando todos duermen (Por la noche, SM) y, con mayor relevancia en la reinterpretación que emprende de El nuevo libro del abecedario del filósofo Karl Phllipp Moritz, la búsqueda de conocimiento alimenta las ilustraciones de Erlbruch y encuentra en el pequeño lector un interlocutor ideal que, a su vez , agradece que se lo tomen en serio.

Gustavo Puerta Leisse

Educación y Biblioteca
n°159, Mayo-Junio

Sobre un fondo claro y despejado como el pensamiento inocente, un pato se encuentra con la muerte. Su primera reacción es de miedo y sorpresa pero tras el susto inicial, el protagonista bombardea a la vieja Parca con preguntas sobre su destino. La convivencia entre ambos facilita la aceptación del fallecimiento del ave, mientras la muerte, a pesar de su apariencia siniestra, se trasforma en un personaje cercano y comprensivo; alguien que sólo hace su trabajo de la mejor manera posible. La dialéctica surgida entre ambos facilita la comprensión del pato y su descanso en paz, mientras el lector adulto se pregunta si es necesario ser tan explicito en un cuento para niños…

Erlbruch, como Bergman en su película El séptimo sello, construye un diálogo claro y contundente entre la muerte y su próxima victima. Ambos discurso son reflexivos y, aunque el lector implícito difiere en cuanto a la edad, los dos concluyen con la idea de que el fin de la vida es irreversible y común a todos, por lo que afrontarla con miedo no es más que una angustiosa pérdida de tiempo. La superación de la ansiedad y el disfrute de las pequeñas cosas del día a día harán el viaje más placentero. Y así, el pato se desliza por el gran río tras haber vivido feliz, sin importar su edad; porque la muerte llega sin avisar y a nadie le viene mal una buena historia que recuerde el final del camino.

Olalla Hernández

Educación y Biblioteca
Año 19 N 162 noviembre/diciembre 07

Filosofía e infancia

¿Cómo surge la idea de rescatar El nuevo libro de abecedario?
Existe una edición de 1980, un facsímil del libro original. Es un libro pequeño con ilustraciones hechas con plancha de cobre, de la época. Al leerlo me di cuenta de que se trata de texto fundamentalmente importante. Está un poco pasado de moda, por supuesto. Pero aún así, sigo encontrando vigente su postulado fundamental: se trata de que los niños abran sus ojos y miren con cuidado a su alrededor, para que descubran otras posibilidades de hacer las cosas y para que piensen cosas nuevas; para que desarrollen y transformen el mundo. Pensé que sería una buena idea hacer nuevas ilustraciones. Darle una imagen renovada, de tal modo que el lector de hoy en día se sienta más interesado por el libro que si tuvieran frente a sí la edición antigua.

Moritz es discípulo de Descates. Descartes partía de un método y perseguía unos principios que resulatarn simples, claros y comprensibles para cualquiera. Creo que esta característica también está presente en los libros de usted.Trata ideas complejas y profundas de formas muy sencilla para que los niños las entiendan. ¿Por qué hablarle a los niños de asuntos filosóficos?
La filosofía es una técnica para comprender qué estamos haciendo aquí, qué somos, qué posibilidades tenemos. la influencia de la filosofía en la sociedad no ha llegado muy lejos. Algunos de la filosofía de la sociedad han sido muy famosos y han escrito libros famosos, pero sus ideas no se han extendido a la sociedad en general. La filosofía no tiene mayor alacance porque la mayoría de la gente no conoce el pensamiento filosófico. Claro que existe una filosofía popular pero, obviamente, esta es mucho más simple. Yo no sé cual es la verdad. Pero si sé que hay que pensar, buscar tratar de que las cosas te hablen. Y así, acumulas muchas informaciones. vas uniendo cabos. Y disponiendo de este saber quizás el mundo sea un poco más rico para ti.

Comparto su visión. ¿Pero la pueden compartir los niños?
La literatura infantil en general considera a los niños, con un nivel más bien bajo y trata asuntos estúpidos. Mis libros te pueden confrontar con asuntos que normalmente no están en los libros para niños. Yo los ideo de forma que también puedan motivar a los padres. Mi interesa propiciar un diálogo entre hijos y padres; con preguntas, como es normal. Pero no es fácil. hay muchos prejuicios, hay mucha basura. aún así creo en el diálogo. creo que el diálogo entre padres y hijos es buenos para ambos. Por un lado, los padres se dan cuenta de que, a menudo, los pensamientos de los niños son profundos, extraídos de sus experiencias del mundo. Por otro, los adultos han vivido más tiempo y pueden darle una explicación más satisfactoria a algunas cosas gracias a su experiencia.

El proceso y la muerte.

Hay otro aspecto muy filosófico que creo hallar en sus libros. tengo la impresión de que cada uno de ellos es el resultado de un proceso y no un medio para transmitir un concepto preexistente o para enseñar algo que sabe de antemano. ¿Es así?
Si, es cierto. Te doy el ejemplo de El pato y la muerte. empezó por algo muy sencillo, por un marcapáginas que pinté para un amigo. En él puse tres figuras juntas: dos patos y la muerte. me pareció que era una bonita imagen, así que hice una copia para mí. le di el marcapaginas a mi amigo, le gustó y me olvidé. eso fue hace muchos años, alrededor de 1994. hará unos 6 años, encontré mi copia en un cajón. Entonces pensé que sería una buena idea hacer un libro con estos tres personajes, pero no sabía exactamente qué. Lo devolví al cajón y nuevamente pasó el tiempo. Dos años más tarde volví a ello, intenté escrbir algunas historias pero todas terminaron siendo muy complicadas, muy largas; las imágenes estaban llenas de detalles y no conseguía llegar a la esencia de la historia. Intenté simplificar el argumento lo más posibleal mismo tiempo, las ilustraciones se hicieron más y más simples. también busqué la máxima concisión en las cosas nímias, como en los adjetivos… De este modo, saqué todo de los dibujos, excepto al pato, la muerte y el tulipán. Em versiones anteriores el tulipán había sido tan grande como el pato y la muerte, pero en la versión definitiva es pequeño. 

También plantea la muerte como algo simple. 
El pato y la muerte es una historia simple, sin un final. No soy alguien que diga que sepa qué es la muerte, que sepa que pasará  después. Más bien, quería mostrar cómo la gente maneja sus creencias. Como sucede con otras cosas, la muerte también tiene sus imágenes (por ejemplo, la de ir al cielo), pero nadie sabe si realmente es así. Yo tampoco. No cuestiono las imágenes existentes, sino que manifiesto que no lo sé. Personalmente
creo que nos vamos y volvemos de alguna forma, pero no sé en qué forma:si es en forma de trompa de elefante o como un árbol o de algún otro modo. Lo que he querido mostrar con este libro es que, para empezar, tenemos que morir. es una pena, pero no hay otro remedio. esta muerte es simpática pero, finalmente, es la muerte y se lleva a ese pato con con el que nos identificamos. No quise poner seres humanos porque podía recordarles a alguien a su padre o a sua buelo y tampoco lo puse en un contexto humano para tener una figura neutral. Es un pato, no sabemos si femenino o masculino, y nos representa.

Me sorprendió mucho encontrar al mismo pato y a la misma muerte en La gran pregunta.
Cuando pensé en ese libro, decidí probar primero la figura de la muerte en otro libro. No sé si le parece mal…

No, no, al contrario. Pensé que quizás estaba jugando con los símbolos. ¿Intenta usar las mismas imágenes?
Hay muchas cosas que vuelven en diferentes libros.

También me pregunto, ¿porqué el tulipán?
Podemos ver en él un símbolo de la vanidad. en la pintura flamenca del siglo XVI y XVII, el tulipán venía a ser un símbolo de la decadencia de la belleza: la belleza está ahí por un minuto y luego desaparece. Aunque yo no pensara así cuando los hice, créame. Sin embargo, cualquiera podría interpretarlo de esa forma.

Un libro que a mí me ha resultado muy extraño es La Creación…
[Risas] Es verdad, es un texto extraño.

Es un relato que se inspira en una versión teatral contemporánea de una pieza musical de Hadyn que a su vez se inspira en el texto bíblico. La interpretación que usted hace con su ilustración es muy peculiar.
El texto es muy moral. Bart Moeyaert es un escritor belga, flamenco, no católico. Es un pietista, que es una religión muy estricta. Moeyaert aborda en La creación la lucha entre Dios y el hombre.. “No sé quién soy”, “Tengo miedo”, dice el protagonista. Pero también dice: “Soy alguien”, “Sé bueno conmigo y no me olvides”, “Soy algo especial, en comparación con el resto de la creación”. En éste texto se ve muy bien lo que somos: pequeños hombres haciendo preguntas difíciles sobre nuestra pequeña existencia. Es un texto con un claro significado moral pero, en otro sentido, también es una historia irónica.

Y usted es muy irónico.
Si, lo intento.

Es difícil encontrar juntos la ironía y la religión o el humor y la filosofía. Tampoco es habitual su estilo, escribir de estos temas con humor.
Empleo el humor porque si no sería insoportable. Pensar en nuestra importancia es tan ridículo que tengo que usar el humor. Al reflejar la banalidad de mi propia existencia reflejo la de los demás.
Algunos asumen su existencia de forma modesta y otros se crecen mucho. Hombres ricos, políticos, incluso artistas, creen que son muy importantes, más importantes que un árbol, y no es así. 

Editores y premios

¿Cómo es su relación con sus editores?
Tengo varios editores. No me he quedado sólo con uno porque creo que diferentes libros requieren diferentes editores. Tengo la sensación de que este editor es el mejor para este libro, y suelo estar ,contento con la decisión.

¿Trabajó con Hermann Schuz?
Sí. Fue mi primer editor. Hay una forma de pensar en Peter Hammer que entonces consideré que iría bien para mis libros. Publiqué muchos libros en esta editorial. Pero en determinado momento no avancé más. Tenía la sensación de que debía probar con otros editores; así que busqué alguien que entendiera mejor mi sentido del humor.
A veces con Hermann Schulz fue difícil, a veces fue fácil. No protesto, es un buen editor, es una buena editorial y hacen un buen trabajo. He hecho unos calendarios para ellos, quizás algún día repita con los libros, ya veremos… No quiero sentirme muy presionado, me gusta saber que puedo decidir no hacer un libro en los próximos dos años o que no quiero hacer libros para niños ahora, sino otras cosas. Con ellos me siento bien.

Con usted sucede algo muy interesante: sus libros son poco concesivos, difíciles, originales y, sin embargo, ha sido reconocido tanto con premios, como el Andersen, como por la impronta que ha marcado a jóvenes ilustradores. No es habitual que esto suceda.
Si, es verdad. Quizás se deba a algo que ha sido apuntado por algún crítico: lo que digo es original, son cosas que vienen de mi vida. Realmente mis historias tienen que ver con mi pensamiento y no con llegarle a un segmento de lectores especifico.
No pienso en el mercado. Los editores a veces tienen discusiones del tipo: este libro es para niños de tres años?  de seis años? A mi me importa un comino, creo que niños de cualquier edad podrán encontrar algo en el libro… quizás… o quizás no…

Qué ha significado para usted ganar el premio Andersen?
Puf! No lo sé. Todo el mundo dice que es un honor. Vale, es un honor. Pero si una persona le da un premio a otra, uno siempre debe preguntarse cómo se ha llegado a esta elección: qué asuntos políticos habrán mediado, quién lo otorga, cuál es el perfil de los miembros del jurado y si ellos son de verdad los más apropiados para juzgar lo que se hace.
Con un premio nunca se sabe, así que no significan mucho para mi. Para mi es más gratificante cuando siento que mis libros circulan y que la gente los lee. Que lleguen a los niños y los adultos, eso es lo que me parece más importante.
Está muy bien ganar el Andersen, claro, es un horror. Somos los únicos animales de la tierra que nos damos premios. Lo dije en mi discurso. Ningún conejo le dará a otro conejo un premio por saltar más alto. Los humanos nos damos premios los unos a los otros para enseñar a los demás lo importante que somos. Es algo muy nuestro, pero no son tan importantes. Es más importante aquello que hacemos. Será bueno no darle los premios a hombres mayores que ya son famosos. Los premios deberán darse a los jóvenes, para motivarlos.

Empezar

¿Cuál es su consejo para un ilustrador de libros para niños que esté empezando?
Que no empiecen demasiado pronto, que esperen. Tienen que ser maduros, lo cual no es tan fácil. Tener el asentamiento del adulto. Ser un niño tampoco es tan fácil. Ellos ven el mundo como es, ellos lo entienden como nosotros también lo entendemos, es decir, no mucho. Todos entendemos algunos datos, claro. Pero no sabemos por qué estarnos aquí, no lo tenemos claro y quizás nunca lo tengamos. Para tomar conciencia de cuánto nos parecemos al niño, para pensar que el niño no vive en un mundo de algodón rodeado de ositos todo el rato, hace falta crecer.

Porqué su interés por el libro álbum como medio para expresarse?
Porque tengo la sensación de que puedo hacer algo en este campo. Creo que con el libro álbum puedo usar un lenguaje humorístico, irónico, será, cambiante… que me da libertad en lo que digo. Es muy bueno hacer libros para niños que no sólo sean para los niños. También pueden ser para padres, como habíamos dicho. También pueden estimular el diálogo. Cuando hice con Werner Holzwarth El topo que quería saber quién se había hecho aquello en su cabeza, que hoy en día se considera un libro para niños, nadie consideraba oportuno publicarlo y no les parecía apto para los pequeños. Su éxito a sido retardado.

Hay maestros que consideran que El topo que quería saber quién se había hecho aquello en su cabeza era un libro que enseña la venganza a los niños.
Bah! Tienes que ser un maestro para, después de mirar todo ese catálogo de cacas, concluir que el mensaje del libro es la venganza…

Es muy difícil llevar la filosofía a los niños y admiro mucho su trabajo. Pero lo que me parece más dificil de todo es ser tierno. Y usted es realmente bueno en esto.
Simplemente que me gustan las .criaturas. Los niños, pero también los adultos, los animales… Tengo hijos. Tengo sentimientos. Tengo interés por lo que está detrás de la fachada de la.gente. No puedo odiar a la gente adulta porque los veo de niños. Incluso el ser más extraño ha.sido niño. Lo hacía en mi infancia con mis profesores cuando iban en contra de mí, los imaginaba de niños y podía entenderlos mejor, con sus problemas y sus reacciones injustas.

Se nos acaba el tiempo. Por favor recomiéndenos un libro.
Abecedario de la escritora danesa Inger Christensen. Es un poema-muy largo donde hace una lista de todo lo que hay en la Tierra. Tenemos la sensación de un milagro, de la maravilla.

Gustavo Puerta Leisse                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                     

Exitexpress

Del 13 al 16 de este mes se celebra en Bolonia la Feria del Libro Iinfantil, en la que España es en esta ocasión el país invitado, y donde unos desdichados criterios ministeriales respecto a la selección se han acabado traduciendo en que los visitantes a este encuentro no verán exactamente a los mejores de nuestros ilustradores, aunque alguno ha quedado en la criba, sino a un plantel en el que nuestras editoriales tienen depositadas actualmente sus esperanzas comerciales.

Pero allí, en Bolonia, ahora hace un año, se premiaba en el apartado Ficción 2004 como el mejor libro a La gran pregunta de Wolf Erlbruch, seguramente uno de los pocos auténticamente grandes de la ilustración que hoy existen en el mundo, y del que quisiera comentarles algunas cosas

Erlbruch nació en Wuppertat en 1948, y lo único que le quedó de su paso infantil por las escuelas fue un odio hacia las mismas, hasta que, a punto de entrar en la veintena, se encontró con el dibujo en la Folkwanscbule filr Gestaltung de Essen-Werden. A la salida de aquel centro volcaría sus esfuerzos en el diseño y en la ilustración, en la última de las cuales fue haciendo un recorrido por Play Boy, Esquire o Stern. Hasta que la casualidad le puso en contacto con la literatura infantil en 1985, fecha en la que le encargaron ilustrar la obra del ghanés James Aggrey El águila que no quería volar.

Y fue, a partir de ese instante, en que, paulatinamente, y con una audacia creciente, fue encontrando su voz y su línea en este ámbito hasta llegar a ser uno de los dos o tres auténticamente grandes.

¿Qué es lo que le ha hecho singular? por un lado, su altísima capacidad como dibujante vinculado a la mejor tradición (el noruego Olaf Gulbransson, a la cabeza), destreza que parece últimamente arrinconada por la creciente moda de que los libros ilustrados deben regirse mas por las tendencias que por la generosidad de habilidades. Pueden ver, al respecto, dentro de su pobre representación en el mercado español, títulos como El topo que quería saber quién había hecho aquello en su cabeza en Alfaguara, Los cinco horribles en Juventud, El milagro del oso en lóguez, o El taller de las mariposas en Barbara Fiore Editora, que les confirmaran que hacia tiempo que no veían dibujar con esa sabiduría.

Por otro lado, cuando ha decidido ser el autor de sus textos ha demostrado la coherencia con una brillante línea ideológica en la que el conocimiento nace siempre de la duda continua: el oso que sabe cómo hablar y comer, pero pregunta a todo el mundo acerca de su comportamiento para ser padre, u, otro ejemplo, el conjunto de personajes -un piloto, un niño, la muerte, un boxeador…- que, en la obra galardonada en bolonia, se interrogan sobre su papel en la tierra, todo lo cual está tan ingeniosamente expuesto que es una de esas pocas ocasiones en las que los libros hacen de intermediarios para que los adultos sepamos más de los niños y ellos más de nosotros (cuán brillante es esa por la noche, en sm, en la que pedro recorre la ciudad de la mano de un padre somnoliento incapaz de ver todas las maravillas que hay en la oscuridad).

Pero el gran, el grandísimo Erlbruch, hoy catedrático de dibujo en la universidad de su ciudad natal, es el que apoya su visión del mundo con apelaciones gráficas a la memoria individual y colectiva: fondos de papeles cuadriculados de los viejos cuadernos, mapas, sellos de goma, imágenes de antiguas enciclopedias ilustradas, paneles de estampados caseros que, en collage con sus poderosos dibujos, sirven para recordar que los grandes sentimientos tienen también su propia topografía. Y en este punto nos toca esperar a que las editoriales españolas se animen con Die grobe frage, Das hexen-enma-eins (sobre texto de Goethe), Zehn grüne heringe…, o Neues abc-buch de Karl Philipp Moritz, el último de los cuales Barbara Fiore Editora publicara dentro de unos meses.

Felipe Cava

Septiembre 2011 / Cartoné / 19 x 25 / 98 páginas / 18 €

Sinopsis

La aparente monotonía de un barrio residencial en las afueras de una ciudad cualquiera es el escenario perfecto para que sucedan los hechos más extraordinarios: un búfalo enorme nos indicará el camino, el estudiante extranjero nos dejará un recuerdo imborrable y podremos seguir a un buzo misterioso que ha aparecido de golpe a quilómetros de distancia de la costa…
15 historias formidables nos ofrecen una muestra más del inagotable imaginario de Shaun Tan, que despliega sus recursos gráficos y narrativos para llevarnos hasta la periferia de lo razonable, hasta los límites de lo corriente. Para que podamos ver qué hay más allá.

Rincón Literario

Álbumes para jóvenes y adultos

En estas páginas vengo defendiendo el álbum ilustrado como libro completo para todas las edades. En el caso de los libros que presentamos hoy más que nunca, es más, si me apuran serían libros a los que se llegaría mejor con unos años ya cumplidos. Esto es: libros para jóvenes y adultos. El que sean principalmente libros apoyados en sus ilustraciones, de pocas páginas y tamaño algo más que un folio, no desmerecen, como después veremos, para las inquietudes lectoras de quienes tengan mucho leído y vivido.

Son los dos últimos libros publicados por Barbara Fiore Editora que, recordamos, tiene su sede en Jerez de la Frontera y, además, ambos libros han sido impresos en la Provincia. Ambos tienen la firma de Shaun Tan, escritor y dibujante de poco más de 30 años, australiano, y que su afición por la lectura de la ciencia ficción le llevó a unos inicios de ilustraciones fantásticas. Estas ilustraciones han ido tomando forma y calidad de tal manera que libro que publica (bien escrito por él mismo o por otro autor), premio que recibe o, mejor dicho, premios.

También el hecho de tener el gran formato, no tener la capa dura, y encajar todas las ilustraciones en recuadros les da a ambas publicaciones un aire de cómic que, no obstante, no lo son ya que la participación de los fondos de las páginas, los tamaños de los recuadros y su distribución en las páginas, y la ausencia de bocadillos hacen que difieran de esa otra forma de narración gráfica. Sin embargo sería unos libros igualmente admirados por los amantes del noveno arte.

En El árbol rojo, Shaun Tan nos hace recorrer un día en la vida de una chica que lo inicia “vacío de esperanzas”. As¡ nos irá ofreciendo todo lo que ello conlleva: oscuridad. incomprensión, falta de lógica, de comunicación, ver cómo pasa ante si lo bello como inasequible, incluso perderse de uno mismo… pero al final había un motivo para todo, un respiro, una ilusión, un árbol rojo tal y como “lo imaginaste”.

La situación del personaje es tan dolorosa que hace creíbles las metáforas plásticas para representar su abatimiento. Son especialmente impresionantes el zoom de alejamiento del caracol y la espiral para representar la desesperanza, y el caos de grandes buques que rodean la pequeña barca en la que sitúa a la chica para representar esos momentos en los que todos los problemas llegan de golpe.

La cosa perdida tiene, en principio, menos pretensiones respecto a qué contar pero mucho más en cómo contarlo. Aquí se muestran las influencias a las que el autor alude cuando habla de sus favoritos: personajes irreales de El Bosco se mueven por espacios que parecen concebidos por Edward Tufte. La difícil tarea del chico para llevar a “la cosa perdida” que se ha encontrado hasta un lugar con sentido, van a dejar también que el autor eche mano de alguna pintura de Hopper sobre la que montar su escena. No en balde hay mucho de soledad tanto en los cuadros de uno como en el personaje y la tarea del otro.

Un trabajo de edición concienzudo y arduo (para repetir toda la atmósfera original pero esta vez en castellano) que se ve compensado con la calidad final lograda.

Pepe García Oliva

Bienvenidos a la fiesta

La niña narradora explica que hay días en que todo empieza mal y va de mal en peor, crecen los problemas, no sabes qué hacer… y parece que el día va a terminar igual que comenzó pero…

El acercamiento al mundo de los álbumes del autor es distinto a lo habitual, tanto gráficamente como en contenidos: en ambas cosas se nota su procedencia de la ciencia-ficción. Sus poderosas ilustraciones, bien compuestas con colages y técnica mixta, son abigarradas e intensas, tienen claras influencias surrealistas y presentan un mundo amenazador y opresivo.
La cosa perdida es su primer álbum propio, y en él confiesa influencias de pintores como El Bosco y Hooper, y de ilustradores como Raymond Briggs y Edward Gofrey.
El árbol rojo es también un álbum especial, cuyas características harán que guste mucho a unos y poco a muchos. Es magnífica la ilustración introductoria: atractiva e inquietante a la vez, mete dentro del lector el interés por acompañar a la protagonista en su recorrido. Tanto el tono de las escasas líneas de texto, como el mismo hecho de que vaya en tipos de letra de máquina de escribir clásica, contribuye a que aumente la tensión entre texto e ilustraciones, y transmiten la impresión como de mensaje de socorro. En ambos el autor consigue su intención de presentar una visión inusual de la vida cotidiana, de avivar en sus lectores «la conciencia de que estamos vivos en un planeta muy extraño».

ABCD
Semana del 1 al 7 de diciembre.

Shau Tan nació en Australia en 1974. Es un ilustrador notable, que maneja como pocos el lenguaje visual; sus trazos trasmiten emociones y sentimientos a través de su gran calidad artística. Estimulado desde niño por las lecturas de su madre antes de ir dormir, hoy trabaja como ilustrador freelance, además de pintar y colaborar en cien y teatro.

¿Como comenzó con los “libros ilustrados para lectores adultos”?
Empecé ilustrando libros de ciencia ficción y fantasía para adultos; con lo cual cuando me ofrecieron trabajar para un autor muy conocido aquí en Australia, Gary Crew, fue una transición bastante fácil. El libro se llamaba The Viewer y trataba de un niño que descubre una máquina siniestra, que revela varios horrores y desastres de la historia. Es decir, se trata de un relato de horror/ciencia ficción, dirigido a lectores jóvenes a partir de 10 años, y no a niños pequeños por supuesto.

¿Considera que es difícil para el público mayoritario leer y entender este tipo de libros, debido al prejuicio de que los dibujos e ilustraciones son para niños?
Si, aunque eso varía de cultura en cultura. En lugares como Francia o Japón, parece que la literatura ilustrada no es vista como algo exclusiva para los niños, mientras que en Australia suele existir esa suposición. Realmente, sólo tiene que ver con la tradición y las convenciones: la mayoría de los libros ilustrados son para niños, un 99 por ciento o más. Sin embargo, creo que esto está cambiando, especialmente con el interés masivo por la “novela gráfica”, que yo veo como otro término para “libro ilustrado”, que se vuelve popular y además es anunciada por las editoriales como algo diferente de la literatura juvenil.Y, de todos modos, una vez que los lectores comienzan a mirar en detalle un libro ilustrado, suele resultar obvio qué nivel de sofisticación o metáfora puede llegar a tener. Varía de lector a lector: algunos pueden no verlo en absoluto. Los libros ilustrados pueden ser casi un test para comprobar lo cuidadosas que son las personas como lectores.

Sus libros se venden en muchos países diferentes. ¿Como se imagina a sus lectores?
Es una muy buena pregunta. Realmente, no pienso en ello. Pero cuando lo hago los veo como personas que probablemente sean muy similares a mí mismo, con un buen sentido del humor, además de estar interesadas en los sueños y el surrealismo. Con frecuencia imagino que a las personas a las que les gustan mis libros les gusta también dibujar o tienen algún interés en ello.

Su libro Emigrantes se refiere a un tema que se produce nuevamente en neutros días, en un sentido inverso: la inmigración desde América del Sur y África hacia Europa. Se ha sentido influido por estos hechos recientes para la realización del libro?
La historia reciente no tuvo tanta influencia en mi idea del libro como la del pasado. Es decir, Emigrantes se inspira en la experiencia de la inmigración del siglo XIX y principios del XX. Al comienzo, mi principal punto de referencia fue la influencia de los inmigrantes europeos en Australia en los años 50 y 60. Probablemente estoy más interesado en el pasad que en el presente, ya que como artista hay que tomar una cierta “distancia” del tema, para poder apartarse de él y reflejarlo. Con una experiencia más contemporánea, suele dudar de cómo leerla, ya que aún está sucediendo. De todos modos, la historia tampoco es diferente del presente, los seres humanos son los mismos, con los mismos problemas, así que sigue sendo relevante. Creo que Emigrantes capturar sólo algunos aspectos de la inmigración, pero permite al lector generalizar y aplicar sus principios a cosas que están sucediendo a nuestro alrededor en la actualidad.

Usted también es pintor.¿En qué se parece o diferencia esta experiencia de la de ilustrar libros?
Esta es otra pregunta muy interesante, y sobre todo la que tampoco pienso mucho. La diferencia principal entre las dos es que mis pinturas suelen ser sobre cosas que veo todo los días y conozco bien, mi familia y mis amigos, mi patio trasero, el desierto australiano, y mis libros son acerca de cosas que no conozco para nada; cómo es ser un inmigrante, por ejemplo, o animales extraños y mundos que no existen. La experiencia de pintar alimenta el trabajo de los libros, en realidad todo mi trabajo proviene de una observación directa de la vida diaria, y uso esto como un conjunto de herramientas para construir un mundo imaginario. No creo que pudiese producir un buen libro trabajando sólo desde mi cabeza, o sin la experiencia de pintar sobre la vida.

Algunas de sus películas favoritas son “La guerra de las galaxias” y “ Cristal oscuro”. ¿Algún filme más reciente le ha gustado tanto como ellas?
Sí, especialmente esas películas que crean un universo que parece estar ubicado en un mundo alternativo, o en un pasado diferente. Por ejemplo, Brazil de Ferry Giliam, que tuvo una gran influencia en mi libro La cosa perdida, o Bienvenidos a Belleville, debido a su comunicación visual sin diálogo y a sus magnificas ilustraciones. En término de estilo, me atraen las películas que evitan los efectos especiales sofisticados a favor de otros más simples, soluciones teatrales como las de trabajo de Michel Gondry, por ejemplo ¡Olvídate de mi!, o el manejo de marionetas que vemos en El Laberinto del Fauno. Sin embargo, creo que hay una escasez de buenas creaciones originales de mundos fantásticos en las películas, comparado con algo como las novelas graficas, donde quizas haya mas libertad logística: no hay que lidiar con tanta gente y con tanto dinero.

¿Tiene alguna exposición planeada en el futuro?
Hay una en la Galería de Arte de Vancouver en mayo de 2008, donde contribuiré con algunos de mis trabajos para una exhibición sobre novelas graficas, animación, juegos y animación. La muestra se llama Krazy! Y los comisarios son Art Spiegalman y Seth. Tambén es probable que exponga trabajos en la Feria del Libro de Bolonia, un libro en una feria de libro de Tapei, posiblemente también en Argentina y en Japón, además de varios sitios en Autralia.

Gabriela Pedranti

CLIJ - Editorial Torre de Papel
año 22
num. 224
marzo 2009

El mundo de Shaun Tan nos es cada vez más conocido, pero no por ellos sus nuevas obras dejan de sorprendernos. Cuentos de la periferia reúne 15 relatos ilustrados del autor australiano, fusión perfecta de realidad y fantasía.
El escenario es único: las afueras de una cuidad, pero de ahí surgen las historias muy distintas, con desarrollos argumentales diversos, y también con soluciones visuales que abarcan muchas técnicas, del cómics al fresco renacentista, pasando por el grabado japonés o el collage, todo para crear atmósferas de encantamiento.
Se supone que las periferias, los suburbios, son lugares sin personalidad, aburridos, en los que nunca pasa nada; Tan creció en los aledañas de Perth, una cuidad de por sí muy aislada, pero para él era lugar para la imaginación, y siempre ha jugado con la idea de la periferia como generadora de fantasía. Estos 15 relatos son una concreción de este sentimiento nacido en la infancia y juventud de Tan, madurando a través de su arte.
Son historias maravillosas, inquietantes, inacabadas, sugerentes, absurdas, surreales…, breves pero de largo recorrido; después de leerlas una vez-en ejercicio que requiere la destreza de “leer” palabras e imágenes simultáneamente, generan la necesidad de volver sobre ellas. Puro encaje de bolillos con ideas provenientes tanto de la observación de la realidad como de la pura fantasía de este autor singular que ha sabido crear un universo propio y arrebatador.
 

Bienvenidos a la fiesta

Quien haya conectado ya con el peculiar universo mental y gráfico de Shaun Tan estará interesado en conocer Cuentos de la periferia. Son quince relatos cortos con sugerentes ilustraciones, la mayoría con el formato clásico de un texto y varias ilustraciones, y algunos con otro aspecto más comiquero como Una lluvia lejana o Crea tu propia mascota. Todos ellos pueden ser calificados como surrealistas y se desarrollan en ciudades o lugares cienciaficcionescos. No todos son igual de buenos. A mí me ha gustado especialmente La expedición, un relato con escenas a lo Hooper, que trata de dos hermanos que discuten y apuestan, al ver que la guía de calles de su padre termina en el cuadro 268, si la ciudad termina de golpe allí o no, y deciden comprobarlo por sí mismos. También tiene gracia y hace pensar Alerta pero sin alarmarse: un tiempo futuro en el cual, en el jardín cada casa hay un misil balístico intercontinenal que, con el paso del tiempo, han ido usándose para más cosas.

Septiembre 2011 / Cartoné / 21 x 25 / 128 páginas / 22 €

Sinopsis

A todos los poetas

Es una gran suerte no saber del todo en qué mundo se vive.

W. Szymborska Fin y principio

El año en que el ángel se despidió de mí en la boca del metro, poco a poco, yo había ido perdiendo la vista.
Una mañana de otoño, el día en que cumplía quince años, mientras fuera lloviznaba y después de haberle dado de comer al gato, a las seis y cinco, me encaminé hacia el metro.
Jimmy Liao El sonido de los colores.

Ahora ya no tengo que pasar sin ello: todos los colores se traducen en sonidos y olores. Y resuenan como melodías de belleza infinita. ¿Para qué quiero un libro? El viento hojea los árboles y sé lo que allí son palabras y las repito a veces en voz baja. Y la muerte, que arranca ojos como si fueran flores, no encuentra ya los míos.
Ich muss nichts mehr entbehren jetzt, alle Farben sind übersetzt in Geräusch und Geruch. Und sie klingen unendlich schön als Töne. Was soll mir ein Buch? In den Bäumen blättert der Wind; und ich weiß, was dorten für Worte sind, und wiederhole sie manchmal leis. Und der Tod, der Augen wie Blumen bricht, findet meine Augen nicht…..

Rainer Maria Rilke, “La ciega”, Libro de las imágenes

Bienvenidos a la fiesta

Autor taiwanés. Nació en Taipei. Licenciado en diseño. Ha firmado más de 18 libros, algunos de los cuales han vendido millones de ejemplares y han sido traducidos a muchos idiomas.

El sonido de los colores (Sound of Colors, 2001)
Cádiz: Bárbara Fiore, 2008; 80 pp.; trad. de Jordi Ainaud i Escudero; ISBN: 978-84-935591-8-2.
15 años: lectores jóvenes. Álbumes ilustrados.

La chica que narra, y que vemos en la primera ilustración entrando en el metro, se presenta diciendo que ha perdido la vista y que «el día que cumplía quince años (...) me encaminé hacia el metro». A partir de ahí el lector la verá, vestida siempre de blanco, con bastón blanco y gafas oscuras, entrar y salir del metro por distintas bocas, y compartirá con ella sus encuentros con personajes reales e imaginarios y su mundo interior de fantasías y ensueños.

La piedra azul (2006)
México: Fondo de Cultura Económica, 2006; 152 pp.; col. Los especiales de A la Orilla del Viento; trad. de Tatiana Svakhina; verción de Laura Emilia Pacheco; ISBN: 968-16-8123-1.
15 años: lectores jóvenes. Álbumes ilustrados.

Una enorme piedra azul está en un bosque. Un día la rompen en dos mitades: una queda en su lugar, la otra es transformada en una escultura y colocada en un museo. A partir de ahí, la piedra convertida en escultura irá rompiéndose una y otra vez, cuando sufre un fuerte ataque de nostalgia de su otra mitad, y reconvertida en esculturas cada vez más pequeñas…

Desencuentros (Turn left, turn right, 2006)
Cádiz: Bárbara Fiore, 2008; 128 pp.; trad. de Jordi Ainaud i Escudero; ISBN: 978-84-935591-9-9.
15 años: lectores jóvenes. Álbumes ilustrados.

Historia que arranca un 6 de octubre y que se cierra un 6 de marzo, año y medio después. Un joven músico y una joven traductora viven en el mismo bloque de pisos pero mientras ella, siempre que sale, se dirige a la izquierda, él lo hace siempre a la derecha. Sus caminos por la ciudad son siempre divergentes hasta que, un día, en una plaza circular del surtidor del parque, se conocen e intercambian los teléfonos. Al regreso a sus casas llueve de modo inclemente y se mojan los papeles en los que los anotaron, por lo que ambos pierden los números. La vida sigue y no logran encontrarse de nuevo a pesar de sus deseos y sus esfuerzos hasta que…

Extraordinarios álbumes, o novelas gráficas, que tienen gran riqueza visual, una concepción ambiciosa, y una realización detallista. Los tres comparten ideas de fondo en los argumentos —la soledad, la necesidad de comunicación, la nostalgia…—, así como el modo poético y evocador de abordarlas gráficamente. Los tres presentan personajes humanos con un parecido gráfico a los de Jean Sempé, tanto en el dibujo individual como en los momentos donde se ven grupos o multitudes. Argumentalmente son más poderosos El sonido de los colores y Desencuentros, relatos que arrancan con poemas de Wislawa Szymborska.
La primera historia está dedicada a los poetas. El poema con el que se abre habla de que es una gran suerte no saber del todo en qué mundo se vive. Se cierra con otro poema de Rilke titulado La ciega en el que se dice que, para la protagonista, todos los colores se traducen en sonidos y olores. Las imágenes van acompañadas de textos en primera persona que son preguntas que se hace a sí misma la protagonista, un poco como la de Noche de tormenta, o comentarios sobre su percepción del mundo.
La piedra azul, que el autor dedica a sus padres, habla del desarraigo y de la nostalgia insaciable del hogar al que uno pertenece. También se presenta como una búsqueda, con frecuencia infructuosa, de quien nos complementa; y como un subrayado de que con el paso del tiempo seguimos siendo los mismos, no importa qué transformaciones suframos.
El poema del comienzo de Desencuentros menciona lo hermosa que es la seguridad pero que la inseguridad es más hermosa todavía, y toda la historia es como una reflexión sobre la belleza poética de la búsqueda. Con tipos de letra distintos, las ilustraciones llevan una fecha e indicaciones del tiempo atmosférico por un lado y, no siempre, van acompañadas de textos mínimos que dicen algo de lo que hacen o sienten los protagonistas. Los protagonistas aparecieron en Los sonidos de los separados por la misma piedra azul del segundo álbum

Mundos imaginativos ricos

El comentario a estos álbumes podría ser muy extenso. Sin que falten detalles simpáticos y guiños humorísticos, en general se puede decir que el autor tiene querencia tanto por mostrar la soledad en medio de la ciudad como por mostrar la belleza de algunos momentos de felicidad interior o de paisajes de alrededor. Hay escenas que acentúan lo primero: las estaciones de trenes vacías, las de trenes que pasan con personajes al otro lado de las ventanillas, las multitudes ruidosas y festivas donde sin embargo algo falta… Y otras lo segundo: la chica ciega tomando el sol en el lomo de una ballena, los protagonistas de Desencuentros charlando felices mientras se acerca la tormenta, entre muchas otras.
En El sonido de los colores se puede hacer notar la contraposición entre una de las primeras imágenes, en la que la protagonista está entrando en una boca de metro contra un fondo de colores difusos, con una del final cuando sale de otra boca y se ve rodeada por una especie de gran vidriera colorista de perfiles netos. También, además de que seguramente la historia contiene referencias visuales y culturales al mundo oriental, hay alusiones a pintores como Matisse, a obras como El Mago de Oz, a ilustradores como Chris Van Allsburg... Al final, el lector acaba fascinado por la chica protagonista, por su descubrimiento del mundo y su rico mundo imaginativo en continua expansión.
Casi al principio de Desencuentros hay una doble página con ilustraciones de las habitaciones de los protagonistas, que dan idea de sus modos de ser, de sus vidas, y en las que aparecen elementos que veremos y que evolucionarán coherentemente a lo largo del relato. Es sensacional cómo las ilustraciones representan sus ansiedades, sus mundos imaginativos y sus sueños; algunas con cada uno de los protagonistas, otras con los dos al tiempo cuando se nos muestra cómo se cruzan pero no se encuentran. Resultan magistrales la doble página donde se ven los números de teléfono emborronados, las distintas representaciones de la soledad en medio de la ciudad, las escenas que muestran la transformación de los lugares de los encuentros anteriores de los protagonistas…

Luis Daniel González

Cine y Letras
Revista de cultura y tendencias

El ilustrador Jimmy Liao es uno de los más populares de Asia. Nació en Taipei, Taiwán, en 1958. Tras licenciarse en Bellas Artes, se adentró en el mundo de la publicidad, y a lo largo de doce años consolidó su prestigio en dicho sector. Pero todo cambió cuando, a la edad de cuarenta años, los médicos le diagnosticaron una leucemia. La enfermedad le causó una crisis existencial, que varió el rumbo artístico de Liao. De ilustrar campañas publicitarias pasó a dibujar sus propias historias. Pero atención, porque hablamos de auténticas obras de arte, editadas en forma de libros.
Con dieciocho títulos en su haber, se ha convertido en todo un fenómeno editorial. Lo confirman las cifras comerciales: más de tres millones de ejemplares vendidos en China y Taiwán son una cifra más que respetable.
En este sentido, no debe sorprender que algunos libros de Liao hayan sido adaptados al teatro, al musical e incluso al cine. Así, el bello cortometraje A Fish With a Smile, inspirado en la obra A Fish that Smiled at Me, ganó un premio en la LVI edición del Festival de Cine de Berlín. El propio Liao ejerció como productor ejecutivo y creador del storyboard.
La cinta narra la emotiva relación de un hombre con un pez que acaba de comprar como mascota. El protagonista adora a su nuevo compañero porque éste le sonríe, o al menos así lo cree. De hecho, quiere tanto a su pez que siente la necesidad de dejarlo libre, fuera de su pequeña pecera redonda. El desenlace presenta al pequeño ser volviendo al que es su hogar natural, el mar. Se trata, como ven, de un cuento sobre la generosidad, en cuyo mensaje descubrimos que la renuncia es finalmente recompensada.

Hasta hace bien poco, en el mercado hispanohablante sólo disponíamos de tres libros de Jimmy Liao: El sonido de los colores (Barbara Fiore, 2008), La piedra azul (Fondo de Cultura Económica, 2006) y Desencuentros (Barbara Fiore, 2008), que por cierto fue adaptado al cine por Johnnie To y Wai Ka-Fai en 2003.

Por fortuna, a estos títulos podemos sumar dos nuevas ediciones de ese estupendo sello que es Barbara Fiore: Hermosa soledad y Secretos en el bosque. Ambos reúnen trabajos muy tempranos en la carrera del artista. Destaca, por su hondura emocional, La piedra azul: una historia que Liao dedica a sus padres, y en la que narra la profunda nostalgia que implica la pérdida de nuestro hogar. También nos habla de la eterna necesidad de encontrar nuestra otra mitad. Esto es, el amor verdadero. En definitiva, se trata de un precioso tesoro que sabrán apreciar aquellos que no pierden jamás la esperanza. A todo esto, la piedra que da título al libro es la que se muestra vencedora. Su inmutabilidad contrasta con la vida de los humanos, casi siempre condenados al desamor, a la soledad (aun poseyendo riquezas materiales) o al olvido.

En Desencuentros también aparece el tema de la búsqueda amorosa. Con una dulce nostalgia, no exenta de optimismo, el libro nos presenta dos almas que están destinadas a unir sus destinos. Como escenario, la gran ciudad, fría y gris, acaba convertida en un laberinto, en una trampa, donde lo cercano se hace lejano. Dos personas pueden vivir en un mismo edificio de una ciudad atestada sin llegar a conocerse. Justamente eso es lo que les sucede a los protagonistas de esta historia. Siempre que ella sale de su casa, camina hacia la izquierda. Él, hacia la derecha. Parecen condenados a no encontrase nunca, y sin embargo, un día, por pura coincidencia, coinciden en la rotonda de una fuente. El romanticismo del encuentro es sublime.

Tiene una mayor carga lírica El sonido de los colores (2008), dedicado por Liao “a todos los poetas”. Aquí la protagonista es una niña ciega que también vive en una populosa metrópoli. El entorno urbano es como un monstruo que engulle la identidad de sus pobladores.
No obstante, esa niña invidente aprovecha el gentío para perderse e imaginar su propio universo, como si fuera la única habitante de toda la ciudad. El suyo es un mundo sin límites, donde puede volar o nadar libremente, sin necesidad de vivir encerrada en un minúsculo apartamento. Mientras recorre los túneles del metro, conserva la esperanza y trata siempre de encontrar lo bello, por imposible que parezca.
Este objetivo optimista se representa como la “hoja caída de oro” y “la más jugosa manzana roja”, que anda buscando la protagonista. Como bien dice la muchacha: “Tal vez pido demasiado. La vida es imprevisible, de modo que… ¡Vamos a cantar! ¡Vamos a bailar!”. Cuando olvida los momentos tristes, su reflexión es igual de tonificante: “Todo lo que puede olvidarse carece de importancia”.
El sonido de los colores culmina con un hermoso poema de Rainer Maria Rilke. Por su hermosura, no me extraña que este relato haya sido convertido en un popular teledrama de la televisión taiwanesa.
Las maravillosas ilustraciones de Jimmy Liao dotan a sus relatos de una fuerza poética de rango superior. Su estilo responde a un trazo sencillo y delicado, lleno de expresividad y elegancia, sin perder cierto aire infantil.
Puestos a buscar referencias, podemos relacionar los dibujos de Liao con los del genial Sempé, famoso por ilustrar ese clásico de la literatura infantil que es la serie del pequeño Nicolás.

Ciertos elementos se repiten en distintas obras del taiwanés. Por ejemplo, el conejo gigante que vigila los sueños de los enamorados en Desencuentros y las fantasías de la niña en El sonido de los colores, ya está presente en ese libro hermosísimo que es Secretos en el bosque, con el que Liao debutó en este campo literario.También retorna el niño que se ha perdido y desea regresar a su hogar, y que pregunta infructuosamente por éste, primero a la roca con forma de elefante de La piedra azul y luego a la niña ciega en El sonido de los colores. Otro cruce significativo: cuando la pequeña invidente sueña que nada libremente en el mar, se encuentra con peces parlantes, similares al protagonista de A Fish With a Smile.
Esta recurrencia de ciertos ingredientes me trae a la memoria los fantásticos libros infantiles de Anthony Browne, especialmente los de la serie del chimpancé Willy. En cualquier caso, es indiscutible que a Jimmy Liao le gusta dibujar animales: grandes o pequeños, vivos o simples peluches.

Aunque están recomendados para niños mayores de seis años, los libros de Jimmy Liao agradan por igual a los lectores adultos. No desaprovechen la oportunidad de conocerlo. La edición de Hermosa soledad y Secretos en el bosque por parte de Barbara Fiore es la disculpa perfecta para adentrarse en el universo sentimental de este soberbio artista oriental.

Begoña Pérez Ruiz

Minuto Digital
26 de abril de 2008

Creemos no equivocarnos al decir que Barbara Fiore, es una de las editoras españolas, que mejor sabe tratar el género infantil. Efectivamente, tiene dos virtudes que convierten sus libros infantiles en insustituibles. La primera, es el amor a la infancia que destilan sus libros. La segunda, es el amor a los libros que transmiten sus ediciones.

El sonido de los colores, es una de esos libros que el buen hacer editorial convierte su lectura en placentera, no sólo para pequeños, sino también para mayores. Sus páginas son el peregrinar de una pequeña invidente, que es capaz de percibir los colores a través de sus sensaciones.

El libro se configura a través de un apasionante viaje en metro, donde cada parada es una sensación nueva, es una sorpresa, y se convierte en una esperanza para su joven protagonista.

Cabe destacar sus fabulosas ilustraciones y el equilibrio entre el texto y el dibujo. En suma un placer.

CLIJ - Año 21, Número 215, Mayo 2008

Jimmy Liao es un autor muy famoso en Taiwan y China, que ha sido traducido al francés, inglés y alemán, entre otros idiomas. En español, hasta la fecha, había aparecido solo La piedra azul, sin embargo es El sonido de los colores la obra perfecta para empezar a conocer y dejarse atrapar por su universo. Se encuentran integradas en ellas algunas de las obsesiones típicas de este autor(empezando por la presencia de los conejos y su ojo inquisidor) y naturalmente su vertiente más poética:  el libro en sí es una sinestesia. Los referentes literario de Jimmy Liao merecen por sí solos la mayor atención. Su pericia para integrarlos en el monólogo de la protagonista de la historia, expandiéndolos en su tan compleja como amigable estética, convierte este libro en una lectura potencialmente inacabable.
Se podría hablar de la composición, de la geometría, del ritmo de las páginas, de las metáforas visuales y de la compenetración entre el universo personal del autor y un bagaje cultural en el que se unen tradiciones orientales y occidentales. Sin embargo, lo mejor en este caso, es disfrutar una y otra vez El sonido de los colores, presentado en una edición impecable, dejándose llevar por su joven protagonista, que convierte la ceguera en un motor incansable de su apego por la vida: el más (agri-) dulce e imprevisible de los regalos.

Arianna Squilloni

Septiembre 2011 / caja / 9,7 x 14,3 / 100 tarjetas / 22 €

Sinopsis

100 postales con el icónico diseño de las fichas Pantone en 100 vibrantes colores.
© Pantone LLC, 2011. Todos los derechos reservados.
Éste es un producto autorizado por PANTONE UNIVERSE, publicado bajo licencia por Barbara Fiore Editora. La identificación de colores PANTONE tiene un mero propósito artístico y no está indicado para ser utilizado como referencia. Consulte las publicaciones de colores PANTONE actuales para muestras de color precisas. PANTONE y los Diseños de Fichas Pantone son marcas registradas de Pantone LLC en los Estados Unidos de América y/u otros países.

Marzo 2011 / Cartoné / 21 x 15 / 128 páginas / 18 €

Sinopsis

El rey pajaro, los antropologos, la cosa del cuarto de baño, el koala de aceite de parafina…¿qué tienen en común? Nada! Excepto que todos viven en el singular mundo de Shaun Tan. En este volumen se recopilan por primera vez las ilustraciones de “historias no contadas”, estsudios del natural, dibujos preliminares para libros, cine y teatro, y muchos garabatos más procedentes de sus cuadernos de bocetos. Junto con los comentarios del autor, nos ofrecen una aproximación especial en la imaginación de uno de los narradores contemporaneous de más éxito en todo el mundo, el creador de Los Conejos, La cosa perdida, El árbol rojo, Emigrantes y Cuentos de la periferia.

Marzo 2011 (NE) / Cartoné / 23 x 31 / 132 páginas / 24 €

Sinopsis

¿Qué es lo que lleva a tanta gente a dejarlo todo atrás para viajar hacia un país desconocido, un lugar en el que no tienen familia ni amigos, donde nada tiene nombre y el futuro es una incógnita? Esta novela gráfica sin palabras es la historia de cualquier emigrante, refugiado, desplazado, y un homenaje a todos los que han realizado el viaje.

SHAUN TAN es autor e ilustrador de “La cosa perdida” y “El árbol rojo”, ambos galardonados con numerosos premios internacionales y con una mención de honor en el premio Bologna Ragazzi, ambos publicados también por Barbara Fiore Editora. Entre los libros ilustrados por Shaun anteriores a éstos se incluyen “The Rabbits”, de John Marsden (Libro ilustrado del año de la CBCA), y dos más con Gary Crew: “Memorial” (un libro de honor de la CBCA) y “The Viewer” (ganador del premio Crichton de ilustración). En 2001, Shaun  recibió el World Fantasy Best Artist Award por el conjunto de su obra.

SHAUN TAN, JUNIO 2006

EMIGRANTES es un libro ilustrado sin palabras, una novela gráfica silenciosa. A través de una serie de imágenes conectadas, cuenta la historia de un emigrante anónimo que deja su país natal en penosas circunstancias, cruza un océano hasta una nueva ciudad y aprende cómo vivir en ella.

La historia podría haber ocurrido en torno al año 1900, coincidiendo con las grandes corrientes migratorias de Europa hacia países como Australia y Estados Unidos. La mayor parte de mi investigación inicial se basó en historias autobiográficas recogidas por emigrantes tanto en este periodo como más recientemente; sin embargo, el mundo del libro surge, en última instancia, de referencias directas: mi interés como artista ha sido desplazar al lector con el fin de explorar mejor la idea de ser un inmigrante dentro de una cultura ajena. La ciudad donde se ilustran la mayoría de los sucesos es imaginaria; en ella, aspectos fundamentales como el idioma, el transporte, la comida, la vivienda y el trabajo son bastante extraños y, a menudo, surrealistas.

Una de las razones fundamentales por las que decidí prescindir del texto fue destacar este principio: el protagonista no puede leer ni comprender nada, así que el lector tampoco debería poder. Además, hay una lógica interna en la que todos los detalles que pueden apreciarse a medida que la historia progresa (cómo funcionan las cosas, etc.) y la ausencia de narrativa escrita parecen invitar a una lectura visual más cercana y mucho más pausada. El misterio de ese mundo se mantiene también por la ausencia de explicaciones y sugiere un viaje irreal, que es lo que he tratado de encontrar: un equivalente ficticio a la realidad a la que se enfrentan muchos inmigrantes, tanto los de otra época como nuestros contemporáneos.

La creación de lo que es, en realidad, una fantasía “social-realista” también resulta valiosa al aprovechar la naturaleza universal de todas las historias sobre migraciones, que comparten hilos comunes en los que no importan ni los lugares ni las épocas concretas, donde los individuos son de donde vienen y adonde van. Además de no necesitar traducción, considero que el material gráfico debería ser igualmente comprensible para lectores de diferentes procedencias, careciendo por sí mismo de cualquier referencia cultural. Esto fue probablemente mi mayor desafío al diseñar el libro, que tiene un sencillo formato de novela gráfica: cómo hacer que las cosas estén claras y llenas de significado, pero sean reconocibles sólo marginalmente y estén abiertas a múltiples interpretaciones.

El estilo de las ilustraciones surge sobre todo de esas viejas fotografías color sepia, auténticos documentos de la vida social de los siglos xix y principios del xx, y de algún modo el libro se comporta como una película muda, silenciosa. Mis dibujos están hechos todos a lápiz y son bastante “fotorrealistas”; intentan crear un mundo convincente de personas, animales, edificios, objetos domésticos, vehículos y paisajes naturales, todos ellos imaginarios. Una de mis primeras ideas fue hacer que el libro se pareciera a un extraño álbum de fotografías, pues me parecía que ese tipo de álbumes eran como libros ilustrados y silenciosos.

Confío en que mi libro se “lea” en parte, como una novela sobre inmigración, pero también que vaya más allá de cualquier cuestión social: que se entienda cómo las circunstancias pueden cambiar inevitablemente en la vida de todos nosotros, y cómo las personas aprenden a adaptarse y a aceptar las nuevas situaciones, sin importarles lo extraño o desconcertante que parecen al principio.

ABCD
Las Artes y las Letras
ABC 806, Semana del 14 al 20 de Julio

WINSOR MCCAY NOS ENSEÑÓ A VER LO QUE NOS RODEA DE UN MODO MÁS IMAGINATIVO. CIEN AÑOS DESPUÉS DE «LITTLE NEMO», LA FANTASÍA SIGUE VIVA EN CÓMICS TAN ALEJADOS DE LO COMERCIAL COMO DEL «UNDERGROUND» DE RAÍZ REALISTA.

Si no lo creo, no lo veo. Por eso hay autores que no permiten que la realidad les estropee un buen sueño. Por eso los hay que cruzan su ansia de realidad con la alucinación, para evitar quedarse atrapados en ella. En la anécdota. En el tópico. En los lugares comunes. En lo que todos conocemos. Concretamente, hay tres que emprenden una lucha contra la realidad, cada uno a su modo, para hablar de ella con otras palabras.

La fantasía de Shaun Tan (Australia, 1974) es la más ortodoxa, en la que las referencias a la realidad están completamente camufladas en el delirio fabuloso y todo exhala ingenuidad. La de Lorenzo Mattotti (Italia, 1954) es la fantasía generada desde el dibujo, los recursos plásticos y la expresión surreal y fauvista; muy íntima y habitualmente onírica. Por su parte Nicolas de Crécy (Francia, 1963) cuenta con lamás apegada al mundo real, de hecho parte de él y sorprende a la cotidianeidad con los seresmás inesperados, entresacados C. CÓMIC del subconsciente y capaces de varear vehementemente las conductas más humanas.

A saber, un perro. Tiene gafas. Y olfato historiológico. Es fruto de la transgenética. Le encantan las salchichas, eso sí. No soporta que le traten como a un perro. Y así se lo hace saber a los humanos que le acompañan en esta expedición. Olfateando un intenso olor a antiguo ha caído por un pozo. Llega a un extraño lugar… En un viejo cartel lee «Louvre». Lamemoria ha quedado enterrada. El museo es lo único que sobrevivió a la catástrofe. «Hubo un recalentamiento. El fenómeno que habían previsto llegó mucho antes de lo esperado», dice la voz que narra este encuentro con la civilización perdida. La nuestra. La fantasía de Nicolas de Crécy es abiertamente irónica y vehemente.

REALISMO PROFUNDO. De Crécy no pierde ocasión para poner a las virtudes del humano contra las cuerdas. Ahí su fijación en la realidad. En su último trabajo publicado en España, Período glaciar (Ponent Mon) muestra cómo la voz de unos pocos, y sus ridículas elucubraciones, condicionan todo el sentido histórico de la humanidad. En el álbum, hace que vuelvan las expediciones y los exploradores. Que el hombre tenga una nueva oportunidad de descubrirse, de reinterpretarse. De inventarse. De Crécy tiene un fondo cáustico, que junto a ese arañazo con el que traza su dibujo vibrante, sucio y a medio rematar, alcanza las más certeras especulaciones sobre la crueldad del individuo (ver también León la Came, su documento más real, y Prosopopus).

Tan, Mattotti y De Crécy son profundamente realistas. Parten de referentes cercanos para alterar la visión de lo que nos rodea y consiguen que lo normal parezca increíble. En Emigrantes (Barbara Fiore Editora), Shaun Tan (galardonado en 2001 con el World Fantasy Best Artist Award) ha acudido a fotografías que documentan la migración de principios de siglo XX hacia los Estados Unidos, para entonar un documento en sepia y silencio sobre el sentido de pertenencia. Compuesto como un viejo álbum fotográfico familiar, desde las viñetas a las cubiertas, Tan logra una maravillosa novela gráfica muda. Porque no hay ni una palabra. Es el propio autor, que hasta el momento estaba etiquetado como autor de ilustración y que en Emigrantes toca por primera vez las claves de un arte secuencial como el cómic, quien asegura que una imagen muda invita a recrearse en la estampa, en la multitud de rasgos del dibujo, y permite que el lector sea el que ponga límite a su imaginación. No las palabras.

UNA BUENA ESTRATEGIA. Todas las referencias reales (como los documentos fotográficos, las costumbres y los objetos) a las que acude Tan para evitar caer en un universo impermeable, son camufladas con un brillo de fantasía inocente. Es una buena estrategia para salvaguardar el relato de las sensaciones de todo aquel que abandona su hogar en busca de una nueva vida en un país desconocido.

El más onírico de los tres autores registrados es el gran LorenzoMattotti. Asombroso, creativo e inquietante. Lo último que se ha publicado en España de él es Quimera (Sins Entido), pero Glénat tiene un catálogo muy amplio de su obra (como Cartas de una época remota y Doctor Jeckyll y Mr. Hyde), en el que se puede confirmar su talante experimental. Tiene en sus manos la nueva presencia de lo fantástico, conencuadres imposibles, perspectivas forzadas hasta la deformación, colores extravagantes hasta el grito, seres robustos y redondos como esculturas, figuras rotundas, secuencias irrepetibles e imborrables. Su desenfrenada experimentación, entre delirios y divagaciones, arranca en una postura manifiestamente onírica que le hace ver las cosas no como son, sino como quiere verlas. Siempre insólitas y deliciosas.

PEIO H. RIAÑO

Revista Calle 20
LECTURAS

SHAUN TAN SORPRENDE CON ‘EMIGRANTES’

SIN UNA PALABRA. ÉSTE ES UN RELATO DE GESTOS EN EL QUE SE BEBE DE LA ILUSTRACIÓN Y EL CÓMIC AL TIEMPO

Sus tres libros que hay publicados en España (El árbol rojo, La cosa perdida y ahora Emigrantes) tienen el valor del prodigio y la capacidad de la sorpresa. Hasta el momento, Shaun Tan era un maravilloso ilustrador dedicado a la fantasía, galardonado en 2001 con el World Fantasy Best Artist Award y con una marcada obsesión por elaborar desde la viñeta hasta el embalaje del libro. Tras Emigrantes mantiene esa obsesión, pero habrá que crearle una nueva etiqueta, porque esto no es un libro ilustrado (aunque haya rastros de ilustrador). Es un autor con el experimento siempre a punto: antes no había hecho algo parecido, antes no se planteó las cuestiones más básicas de un arte secuencial como el cómic.

Shaun Tan tiene una teoría que dice que la presencia de las palabras ejerce un especial influjo sobre nuestra lectura, al quedarse con toda nuestra atención y relegar el dibujo a un segundo plano. Un plano decorativo. Sin embargo, una imagen muda invita, dice el autor, a recrearse en la estampa, en los objetos que la componen, y atender la multitud de rasgos del dibujo, que ayudan a dejar volar la imaginación del lector.

EN SILENCIO Emigrantes es una novela gráfica muda. Sin un solo bocadillo, ni una sola palabra explicativa, el poder del silencio nos obliga a mediar con cada objeto que se cruza ante nosotros, con cada circunstancia y acción. La palabra se hace gesto y la complicidad con el lector es absoluta.

El lector es quien remata las imágenes metafóricas con las que trabaja Tan, como ésa en la que aparecen colas de reptiles sobre la ciudad como símbolo de un ambiente opresivo. Al lector le corresponde decidir a qué se debe esa angustia del ciudadano, si a lo político, a lo económico o a cualquier otra cosa.

El relato: historias corrientes sobre personas que deben abandonar sus hogares para encontrar una nueva vida en un país desconocido. Preocupaciones sobre extranjeros en tierras extrañas, sobre el sentido de la palabra «pertenencia». Su padre es chino, y su madre, australiana, su noción de identidad, según reconoce, es un tanto ambigua, conoce el sentido de la separación.

Dibuja cómo debe ser para el recién llegado una ciudad extraña. Tiene la libertad que le permite su lapicero y recrea esas sensaciones en fantásticos mundos imaginarios. Siempre con referencias reales. Metamorfea objetos cotidianos (con finalidades similares a las de nuestra realidad) o acude entre sus muchas referencias a las imágenes tomadas en los primeros años de 1900, con la llegada masiva de los emigrantes europeos a Nueva York.

Esto es el viejo álbum fotográfico de la familia. Un documento, un enigma, entonado en sepia y silencio, con el que Tan encuentra una vía por la que llevar un trabajo narrativo limpio y visualmente económico a través de largos silencios, en los que todos los sentidos se ponen en alerta ante la viñeta.

Peio H. Riaño

ABCD
Las Artes y las Letras
ABC 794, Semana del 21 al 27 de Abril

El álbum y el libro ilustrado está enviando una señal resplandeciente, distintiva, desde hace años. No es que toda la producción sea tan luminosa, pero las editoriales especializadas –Kókinos, OQO, Kalandraka, Serres, Ekaré y otras- ofrecen obras magníficas, dirigidas a los menores de edad y de interés general. Barbara Fiore se halla entre las última llegadas al sector, pero los álbumes que publica ya la hacen sobresalir, son marcas especiales, tal lo es esta historia sin palabras elaborada por un gran artista, del cual se encuentra dos bellas y singulares obras (castellano y catalán) en la misma editorial.
El australiano Shaun Tan ofrece ahora una novela gráfica silenciosa, en acertada expresión del editor, con la que conmueve, pues penetra en las capas profundas de un ser humano que emigra a un país lejano, lugar del que desconoce incluso los detalles y referencias culturales más inmediatas, más normales. A comienzos del siglo XX, un hombre fija la mirada en los objetos -reloj, cazuela, tetera, maleta, foto de familia- mientras prepara el viaje y une sus manos a las de su mujer, y luego despiertan a la hija y salen los tres a la calle, en una ciudad dormida, solitaria, sobre la que se cierne un extraño dragón. Son viñetas planos cortos y amplias perspectivas, de atmósfera grises y oscuras, técnica fotográfica y tonalidades que no varía en el recorrido argumental, a no ser los colores en los pocos momentos que hay algo de luz azulina, de expansión y alegría. Tras larga travesía el emigrante alcanza el nuevo mundo, y allí se encuentra muy solo, sin afectos o relaciones, incapaz de interpretar el entorno, sean el puerto marítimo y salas de control y aduanas, o sean las calles y los espacios que sean, por los cuales deambula una vez se siente inmerso en su peripecia. Nada comprende, le asombran las nubes de humo saliendo por las enormes chimeneas, son formas de vida impenetrables para él los gigantescos edificios y fábricas y desconoce el idioma, los signos elementales que le dirige la gente, y hasta los animales doméstico le resultan raros.

Entonces, si ni él sabe descifrar esos misterios, que puede pensar quien le está observando? Quien mira atento las imágenes apenas entiende, desvela el sentido de ciertos objetos, construcciones y figures, todo ello surrealista, simbólico pero reconstruye en su mente el relato de esas vivencias, de las ya descritas y de las siguientes: el pasado doloroso de una jovencita oriental, la búsqueda de trabajo, los primeros amigos y relaciones, la charla con un anciano veterano de una guerra, las fatigas, esfuerzos y sinsabores que, al fin, conducen a la esperanza y el reencuentro familiar.

Pablo Barrena

Bienvenidos a la fiesta

Novela gráfica sin texto dividida en seis partes. En la primera se cuenta la partida del padre de familia, dejando atrás a su mujer y a su hija. En la segunda, su viaje en barco hasta el destino. En la tercera, la búsqueda de trabajo y el contacto con personas que, a su vez, le cuentan a él más historias de emigrantes. En la cuarta, el trabajo en la cadena de una fábrica y nuevas historias. La quinta contiene la carta a su familia para que se reúnan con él, el paso del tiempo a la espera de que lleguen, el reencuentro. En la sexta, la familia ya está instalada en el nuevo país y el relato termina con la niña que ayuda en la calle a una mujer emigrante recién llegada.
El acercamiento al mundo de los álbumes del autor es distinto a lo habitual, tanto gráficamente como en contenidos: en ambas cosas se nota su procedencia de la ciencia-ficción. En los dos que se mencionan, sus poderosas ilustraciones, bien compuestas con colages y técnica mixta, son abigarradas e intensas, tienen claras influencias surrealistas y presentan un mundo amenazador y opresivo. También en los dos el autor consigue su intención de presentar una visión inusual de la vida cotidiana, de avivar en sus lectores «la conciencia de que estamos vivos en un planeta muy extraño».

La cosa perdida es su primer álbum propio, y en él confiesa influencias de pintores como El Bosco y Hooper, y de ilustradores como Raymond Briggs y Edward Gorey.

El árbol rojo es también especial pero tal vez será menos popular debido a su tema y sus características, que harán que guste mucho a unos y poco a muchos. Es magnífica la ilustración introductoria: atractiva e inquietante a la vez, mete dentro del lector el interés por acompañar a la protagonista en su recorrido. Tanto el tono de las escasas líneas de texto, como el mismo hecho de que vaya en tipos de letra de máquina de escribir clásica, contribuye a que aumente la tensión entre texto e ilustraciones, y transmiten la impresión como de mensaje de socorro.

Emigrantes merece una consideración aparte pues no es un álbum sino una poderosa y singular novela gráfica. El autor dedicó cuatro años a recoger recuerdos y documentación, de su propia familia y de gente que pasó por circunstancias parecidas, y a confeccionar las ilustraciones de la historia. Estas aparecen en dibujos como de carboncillo pero fueron realizados después de un largo proceso de documentación, montaje y tratamiento por ordenador, a partir de antiguas fotografías de gente, otras de paisajes urbanos como el del puerto de Nueva York a comienzos del siglo XX, otras de escenas montadas y fotografiadas expresamente.
La historia se puede seguir con facilidad: la ausencia de texto, que sugiere las dificultades de comunicación propias de un recién llegado a un nuevo país, carga el relato en la continuidad de las imágenes —para las que se inspiró en El muñeco de nieve, de Raymond Briggs— y reclama del lector una observación y reflexión atentas. Se combinan ilustraciones grandes para los momentos claves, con otras páginas repletas de viñetas en las que se cuentan distintos momentos de la historia: el padre que confecciona una pajarita para su hija, la sucesión de las nubes para sugerir estados anímicos y el paso del tiempo cuando viaja en barco, los esfuerzos para comunicarse por escrito con otras personas, etc.
Como en La cosa perdida y El árbol rojo, también en este caso los escenarios son oprimentes y surrealistas: es un acierto ese modo de sugerir la extrañeza y el sentido de amenaza que invaden al protagonista. La historia, sin embargo, es positiva: hay cercanía familiar a pesar de la separación, hay un ansia patente de vivir arraigado en un lugar, hay calor en las relaciones humanas pues hay gente con deseos de ayudar, se muestran detalles que recogen la tendencia natural a buscar refugio en objetos y costumbres para combatir la soledad y la inseguridad. Es un detalle magnífico el recurso a una especie de animal de compañía extraño que acaba estando afectivamente muy próximo al protagonista, algo que al autor se le ocurrió, con motivo de sus viajes, al ver qué diferentes son las costumbres al respecto en unos y otros países.
El autor hace rendir al máximo los recursos del cómic y de los álbumes ilustrados y obtiene un libro de gran poder emocional. Aunque manifiesta que su intención al componerlo era provocar resonancias intuitivas en los lectores y que no le movió una intención documental, lo cierto es que ha logrado una obra que, si no recoge datos históricos, sí captura sentimientos humanos permanentes.

El Cultural

La ilustración tiene la capacidad de recoger en una sola imagen una gama de situaciones que suceden en paralelo, además de construir metáforas y ambientes que de ser plasmados de forma escrita sacrificarían la inmediatez y ligereza conseguida, pues requerirían de varias páginas para transmitir algo parecido. A diferencia del cine, los libros ilustrados no imponen un ritmo de lectura. En un libro ilustrado sin palabras la tentación de verbalizar, de trasladar al lenguaje oral lo que narran las imágenes es una empresa destinada al naufragio que traiciona el sentido de este medio de creación.

Emigrantes es, en su género, el mejor libro que ha pasado por mis manos. Una primera lectura nos sumerge en la perspectiva del anónimo y universal protagonista de la migración, captando con especial maestría la tensión entre la novedad y la pérdida, la incomunicación y la necesidad de comprender aquella realidad que viene a ser su nuevo hogar. En lecturas posteriores, el libro participa de esa permanencia en el cambio que caracteriza al recuerdo. La misma tonalidad sepia de viejas fotografías, recreada con lápices, imprime un registro realista al imaginario universo construido. Tras varias incursiones, ahora podemos detenernos a descubrir cómo Shaun Tan ha construido la historia, en la pericia y sutileza con la cual dispone de los recursos narrativos, en el telón documental y la reflexión que subyace o en las peculiaridades que tiene el género del cual es el mayor exponente: la fantasía social-realista. Emigrantes no se agota en sus lecturas. Su mutismo es afín al silencio del inmigrante, pero también el rasgo que lo hace universal.

Gustavo Puerta Leisse

La cárcel de papel
Diarios de Tebeos

Suelo tener muchos prejuicios ante los ilustradores que se pasan a la historieta. Pese a todas sus evidentes relaciones, ilustración y tebeos tienen lenguajes muy diferenciados, que utilizan recursos en muchos casos muy alejados, que pueden llegar a interferir negativamente entre sí. La concepción narrativa de la ilustración puede ser, en ocasiones, una rémora para la secuencia de la historieta, aunque en muchos casos el mayor problema estriba en que la traslación de uno a otro campo transforma la historieta en un seguido de ilustraciones, donde el aspecto estético-compositivo prima sobre la narración.
Unos prejuicios que el ilustrador Shaun Tan me ha destrozado en Emigrantes, que acaba de editar, primorosamente, Barbara Fiore Editora. El australiano es un dotado artista, con una impresionante habilidad camaleónica, que le permite variar su estilo en cada nuevo trabajo, pero siempre desde una magistralidad y profundo dominio de la técnica. Obras como La cosa perdida o El árbol rojo, publicados por la misma editorial, son buenos ejemplos.

Sin embargo, con esta nueva obra Tan rompe radicalmente con sus anteriores trabajos, afrontando una historia propia con un estilo espectacular hiperrealista, penetrando en el mundo de la historieta para contar la dificultad del emigrante, el impacto que le supone la inmersión en una cultura que no es la suya. A priori, un argumento en el que es difícil evitar los tópicos manidos, pero que multiplica su complejidad cuando lo que se quiere es transmitir este mensaje a un niño. Una dificultad que Tan sabe salvar con exquisita elegancia, evitando las palabras y plasmando en imágenes la sensación de soledad del emigrante a través del contraste entre una realidad presentada de forma casi fotográfica y una fantasía desbordante. El emigrante sale de una existencia gris para entrar en una ciudad mágica, donde la imaginación se desborda visualmente, pero que supone una serie de códigos indescifrables para él. El hiperrealismo fotográfico, con esos tonos sepia que recuerdan las antiguas fotografías de aquellos que llegaban a América a principios de siglo, se opone así a arquitecturas imposibles que beben directamente del universo de las Ciudades Oscuras de Schuiten y Peeters, o a criaturas imposibles que recuerdan a las faunas fantásticas de Miyazaki o Dave McKean. Un estilo cuidado en el que la narración gráfica y la ilustración se van alternando en un equilibrio casi perfecto.
Tan consigue una historia universal, perfecta para un niño, pero tremendamente evocadora para el lector adulto, que disfrutará igualmente de ella.
Una obra de una belleza exuberante, recomendabilísima.

Álvaro Pons

CLIJ
Número 20
Mayo 2007

Una novela gráfica sin palabras. Así define Shaun Tan, el dibujante y guionista de este Emigrantes , su propia obra. Y, sin duda, es el mejor resumen que puede hacerse de este magnífico volumen que narra una historia atemporal: la emigración en penosas circunstancias económicas. Tan prescinde del taxto porque entiende que el personaje viaja a un lugar en el desconoce el idioma y el lector puede identificarse mejor con su circunstancia. También incorpora elementos extraños (máquinas imposibles, animales desconocidos, comida rara, etc.) que hace que el relato se acerque a la ciencia ficción de un Philipp K. Dick o la terrible sociedad de Orwell por ejemplo, pero sin perder la originalidad y la capacidad de sorprender en cada página.

Un album ilustrado de edición de lujosa que, aunque no es un cómic al uso, sí utiliza elementos narrativos característicos de ste género que hacen que el libro pueda interesar a los lectores habituales de historietas aparte de, claro está, a todos aquellos que disfruten con uno de los más sobresalientes ilustradores del momento, premiado en varias ocasiones y cuya obras han sido traducidas a numerosas idiomas.

Gabriel Abril

ABCD
Semana del 1 al 7 de diciembre.

Shau Tan nació en Australia en 1974. Es un ilustrador notable, que maneja como pocos el lenguaje visual; sus trazos trasmiten emociones y sentimientos a través de su gran calidad artística. Estimulado desde niño por las lecturas de su madre antes de ir dormir, hoy trabaja como ilustrador freelance, además de pintar y colaborar en cien y teatro.

¿Como comenzó con los “libros ilustrados para lectores adultos”?
Empecé ilustrando libros de ciencia ficción y fantasía para adultos; con lo cual cuando me ofrecieron trabajar para un autor muy conocido aquí en Australia, Gary Crew, fue una transición bastante fácil. El libro se llamaba The Viewer y trataba de un niño que descubre una máquina siniestra, que revela varios horrores y desastres de la historia. Es decir, se trata de un relato de horror/ciencia ficción, dirigido a lectores jóvenes a partir de 10 años, y no a niños pequeños por supuesto.

¿Considera que es difícil para el público mayoritario leer y entender este tipo de libros, debido al prejuicio de que los dibujos e ilustraciones son para niños?
Si, aunque eso varía de cultura en cultura. En lugares como Francia o Japón, parece que la literatura ilustrada no es vista como algo exclusiva para los niños, mientras que en Australia suele existir esa suposición. Realmente, sólo tiene que ver con la tradición y las convenciones: la mayoría de los libros ilustrados son para niños, un 99 por ciento o más. Sin embargo, creo que esto está cambiando, especialmente con el interés masivo por la “novela gráfica”, que yo veo como otro término para “libro ilustrado”, que se vuelve popular y además es anunciada por las editoriales como algo diferente de la literatura juvenil.Y, de todos modos, una vez que los lectores comienzan a mirar en detalle un libro ilustrado, suele resultar obvio qué nivel de sofisticación o metáfora puede llegar a tener. Varía de lector a lector: algunos pueden no verlo en absoluto. Los libros ilustrados pueden ser casi un test para comprobar lo cuidadosas que son las personas como lectores.

Sus libros se venden en muchos países diferentes. ¿Como se imagina a sus lectores?
Es una muy buena pregunta. Realmente, no pienso en ello. Pero cuando lo hago los veo como personas que probablemente sean muy similares a mí mismo, con un buen sentido del humor, además de estar interesadas en los sueños y el surrealismo. Con frecuencia imagino que a las personas a las que les gustan mis libros les gusta también dibujar o tienen algún interés en ello.

Su libro Emigrantes se refiere a un tema que se produce nuevamente en neutros días, en un sentido inverso: la inmigración desde América del Sur y África hacia Europa. Se ha sentido influido por estos hechos recientes para la realización del libro?
La historia reciente no tuvo tanta influencia en mi idea del libro como la del pasado. Es decir, Emigrantes se inspira en la experiencia de la inmigración del siglo XIX y principios del XX. Al comienzo, mi principal punto de referencia fue la influencia de los inmigrantes europeos en Australia en los años 50 y 60. Probablemente estoy más interesado en el pasad que en el presente, ya que como artista hay que tomar una cierta “distancia” del tema, para poder apartarse de él y reflejarlo. Con una experiencia más contemporánea, suele dudar de cómo leerla, ya que aún está sucediendo. De todos modos, la historia tampoco es diferente del presente, los seres humanos son los mismos, con los mismos problemas, así que sigue sendo relevante. Creo que Emigrantes capturar sólo algunos aspectos de la inmigración, pero permite al lector generalizar y aplicar sus principios a cosas que están sucediendo a nuestro alrededor en la actualidad.

Usted también es pintor.¿En qué se parece o diferencia esta experiencia de la de ilustrar libros?
Esta es otra pregunta muy interesante, y sobre todo la que tampoco pienso mucho. La diferencia principal entre las dos es que mis pinturas suelen ser sobre cosas que veo todo los días y conozco bien, mi familia y mis amigos, mi patio trasero, el desierto australiano, y mis libros son acerca de cosas que no conozco para nada; cómo es ser un inmigrante, por ejemplo, o animales extraños y mundos que no existen. La experiencia de pintar alimenta el trabajo de los libros, en realidad todo mi trabajo proviene de una observación directa de la vida diaria, y uso esto como un conjunto de herramientas para construir un mundo imaginario. No creo que pudiese producir un buen libro trabajando sólo desde mi cabeza, o sin la experiencia de pintar sobre la vida.

Algunas de sus películas favoritas son “La guerra de las galaxias” y “ Cristal oscuro”. ¿Algún filme más reciente le ha gustado tanto como ellas?
Sí, especialmente esas películas que crean un universo que parece estar ubicado en un mundo alternativo, o en un pasado diferente. Por ejemplo, Brazil de Ferry Giliam, que tuvo una gran influencia en mi libro La cosa perdida, o Bienvenidos a Belleville, debido a su comunicación visual sin diálogo y a sus magnificas ilustraciones. En término de estilo, me atraen las películas que evitan los efectos especiales sofisticados a favor de otros más simples, soluciones teatrales como las de trabajo de Michel Gondry, por ejemplo ¡Olvídate de mi!, o el manejo de marionetas que vemos en El Laberinto del Fauno. Sin embargo, creo que hay una escasez de buenas creaciones originales de mundos fantásticos en las películas, comparado con algo como las novelas graficas, donde quizas haya mas libertad logística: no hay que lidiar con tanta gente y con tanto dinero.

¿Tiene alguna exposición planeada en el futuro?
Hay una en la Galería de Arte de Vancouver en mayo de 2008, donde contribuiré con algunos de mis trabajos para una exhibición sobre novelas graficas, animación, juegos y animación. La muestra se llama Krazy! Y los comisarios son Art Spiegalman y Seth. Tambén es probable que exponga trabajos en la Feria del Libro de Bolonia, un libro en una feria de libro de Tapei, posiblemente también en Argentina y en Japón, además de varios sitios en Autralia.

Gabriela Pedranti

Diciembre 2010 (NE) / Cartoné / 21 x 30 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

Un día, mientras pasea por la playa en busca de tapones de botellas para su colección, un joven se encuentra con una criatura extraña, de aire triste, desamparada y solitaria, la cosa perdida. Mientras espera en vano que alguien venga a recogerla se establece una relación intima entre ellos. En la playa nadie sabe nada sobre la criatura, ni siquiera la han notado. Entonces decide llevarla a su casa donde la cosa perdida pasa desapercibida para sus padres, tan atentos a las noticias oficiales de desgracias ajenas que, sin embargo, cuando finalmente la notan gracias a las observaciones del joven, la menosprecian, la excluyen y se desentienden. El joven no sabe que hacer hasta que encuentra en el periódico un anuncio del Departamento Federal de Objetos Inútiles. Una vez llegados al dfoi la cosa hace un ruidito de infelicidad, mientras él busca un bolígrafo con el que rellenar los interminables modelos burocráticos, un empleado de la limpieza le aconseja que si en algo aprecia a la cosa perdida no la deje allí y le entrega una tarjeta con un símbolo esperanzador. Después de haber dado muchas vueltas por la cuidad consigue encontrar la dirección de la tarjeta en un escondido y oscuro portal de una callejuela anónima. Detrás de la puerta descubre un inventario de extraños e inusuales objetos perdidos.

Asociación ALIN
Amigos del Libro Infantil y Juvenil
Los diez principales

Se trata de una creativa, intimista y simbólica propuesta, que partiendo de una presentación, cercana al cómic en cuanto a su formato de imagen e ilustración, nos acerca, en gran medida, al surrealismo conceptual; todo ello, guiados por unas sorprendentes imágenes oníricas, representadas por magníficas ilustraciones ricas en detalles y matices,  envueltas en óleo y acrílico.

Obra de múltiples lecturas y perspectivas, o sea, caleidoscópica; que en principio, nos cuenta como un joven encuentra un extraño objeto abandonado y, no obstante, persevera hasta encontrar el lugar más adecuado para ubicarlo;  pero, si profundizamos un poco más, quizá descubramos que la reflexión sería cuestionarnos si acaso no estamos demasiado absortos en nuestras propias vidas, impidiéndonos nuestra actitud percibir lo que nos circunscribe en nuestra más inmediata realidad. Filosófica reflexión envuelta en un cambiante juego tipográfico de sumo interés.

Guía de lectura- Diputación de Almería

Estamos ante un libro intimista, simbólico cercano al comic en su formato de imagen e ilustración.

Estamos ante un libro intimista, simbólico cercano al comic en su formato de imagen e ilustración. A nivel gráfico resulta de un gran surrealismo, con
unas ilustraciones ricas en detalles pintadas con óleo y acrílico la obra ofrece varias lecturas, la que leemos a simple vista nos cuenta que un joven
encuentra un extraño objeto abandonado y que persevera hasta encontrar el lugar más adecuado para ese objeto. Otra lectura más compleja sería preguntarnos si no estamos demasiado absortos en nosotros mismos y somos incapaces de ver lo que tenemos ante nuestros ojos, de percibir lo que
sucede en la realidad más cotidiana.

El Cultural

La distopía es la imagen contrapuesta de la utopía. Mientras que el mundo utópico es representado como un orden racional y armónico, ubicado “afuera” y donde la realización del hombre es el ideal conseguido, la sociedad distópica es el resultado indeseable del progreso tecno-científico, la alienación y la consolidación de regímenes totalitarios. Este álbum juega con los motivos de la ficción distópica. Pero, a diferencia de lo habitual, la historia narrada es de una sincera y conmovedora ternura.

El australiano Shaun Tan ofrece un libro fascinante, cuidado hasta el detalle, en el que todo elemento tiene un sentido. Cada página es una hoja amarillenta con gráficos de maquinas o tablas, en la que se introduce el texto como un recorte escrito a máquina y donde las ilustraciones entremezclan la imagen hiperrealista con la representación caricaturesca de los personajes.

Así, la atmósfera futurista creada da muestra de la originalidad frente a la uniformidad, ofrece esperanzas en el entorno sombrío y gris.

Gustavo Puerta Leisse

Bienvenidos a la fiesta

La niña narradora explica que hay días en que todo empieza mal y va de mal en peor, crecen los problemas, no sabes qué hacer… y parece que el día va a terminar igual que comenzó pero…

El acercamiento al mundo de los álbumes del autor es distinto a lo habitual, tanto gráficamente como en contenidos: en ambas cosas se nota su procedencia de la ciencia-ficción. Sus poderosas ilustraciones, bien compuestas con colages y técnica mixta, son abigarradas e intensas, tienen claras influencias surrealistas y presentan un mundo amenazador y opresivo.
La cosa perdida es su primer álbum propio, y en él confiesa influencias de pintores como El Bosco y Hooper, y de ilustradores como Raymond Briggs y Edward Gofrey.
El árbol rojo es también un álbum especial, cuyas características harán que guste mucho a unos y poco a muchos. Es magnífica la ilustración introductoria: atractiva e inquietante a la vez, mete dentro del lector el interés por acompañar a la protagonista en su recorrido. Tanto el tono de las escasas líneas de texto, como el mismo hecho de que vaya en tipos de letra de máquina de escribir clásica, contribuye a que aumente la tensión entre texto e ilustraciones, y transmiten la impresión como de mensaje de socorro. En ambos el autor consigue su intención de presentar una visión inusual de la vida cotidiana, de avivar en sus lectores «la conciencia de que estamos vivos en un planeta muy extraño».

Rincón Literario

Álbumes para jóvenes y adultos

En estas páginas vengo defendiendo el álbum ilustrado como libro completo para todas las edades. En el caso de los libros que presentamos hoy más que nunca, es más, si me apuran serían libros a los que se llegaría mejor con unos años ya cumplidos. Esto es: libros para jóvenes y adultos. El que sean principalmente libros apoyados en sus ilustraciones, de pocas páginas y tamaño algo más que un folio, no desmerecen, como después veremos, para las inquietudes lectoras de quienes tengan mucho leído y vivido.

Son los dos últimos libros publicados por Barbara Fiore Editora que, recordamos, tiene su sede en Jerez de la Frontera y, además, ambos libros han sido impresos en la Provincia. Ambos tienen la firma de Shaun Tan, escritor y dibujante de poco más de 30 años, australiano, y que su afición por la lectura de la ciencia ficción le llevó a unos inicios de ilustraciones fantásticas. Estas ilustraciones han ido tomando forma y calidad de tal manera que libro que publica (bien escrito por él mismo o por otro autor), premio que recibe o, mejor dicho, premios.

También el hecho de tener el gran formato, no tener la capa dura, y encajar todas las ilustraciones en recuadros les da a ambas publicaciones un aire de cómic que, no obstante, no lo son ya que la participación de los fondos de las páginas, los tamaños de los recuadros y su distribución en las páginas, y la ausencia de bocadillos hacen que difieran de esa otra forma de narración gráfica. Sin embargo sería unos libros igualmente admirados por los amantes del noveno arte.

En El árbol rojo, Shaun Tan nos hace recorrer un día en la vida de una chica que lo inicia “vacío de esperanzas”. As¡ nos irá ofreciendo todo lo que ello conlleva: oscuridad. incomprensión, falta de lógica, de comunicación, ver cómo pasa ante si lo bello como inasequible, incluso perderse de uno mismo… pero al final había un motivo para todo, un respiro, una ilusión, un árbol rojo tal y como “lo imaginaste”.

La situación del personaje es tan dolorosa que hace creíbles las metáforas plásticas para representar su abatimiento. Son especialmente impresionantes el zoom de alejamiento del caracol y la espiral para representar la desesperanza, y el caos de grandes buques que rodean la pequeña barca en la que sitúa a la chica para representar esos momentos en los que todos los problemas llegan de golpe.

La cosa perdida tiene, en principio, menos pretensiones respecto a qué contar pero mucho más en cómo contarlo. Aquí se muestran las influencias a las que el autor alude cuando habla de sus favoritos: personajes irreales de El Bosco se mueven por espacios que parecen concebidos por Edward Tufte. La difícil tarea del chico para llevar a “la cosa perdida” que se ha encontrado hasta un lugar con sentido, van a dejar también que el autor eche mano de alguna pintura de Hopper sobre la que montar su escena. No en balde hay mucho de soledad tanto en los cuadros de uno como en el personaje y la tarea del otro.

Un trabajo de edición concienzudo y arduo (para repetir toda la atmósfera original pero esta vez en castellano) que se ve compensado con la calidad final lograda.

Pepe García Oliva

Diciembre 2010 (NE) / Cartoné / 21 x 30 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

A veces el día empieza vacío de esperanzas. Shaun Tan nos describe el día de la joven, retratando un mundo de sueños en el que lo fantástico se transforma en realidad, un viaje desde la desesperación a la esperanza. La joven camina cabizbaja por las calles de un mundo surreal, nadie entiende nada, el mundo es una máquina sorda sin sentido ni lógica. Los problemas llegan todos de golpe y las experiencias maravillosas se escapan. El futuro se percibe como una amenaza y la soledad se suma a la confusión. Sin embargo cuando parece haber perdido toda ilusión aparece inesperadamente, misteriosa y luminosa, la esperanza. Un álbum poético y esperanzador.

Revista Peonza

Este hermoso Álbum plantea un tema poco frecuente entre los libros para los más pequeños como es el de un estado de ánimo no muy positivo. En este caso, la desesperanza. La protagonista se levanta de la cama con una sensación de tristeza que se va acrecentando a lo largo del día acercándose a la depresión No entiende nada y parece que tampoco nadie entiende nada. El mundo es una máquina sorda sin sentido ni lógica Los problemas llegan todos de golpe y las experien-cias maravillosas se escapan. El futuro se percibe como una amenaza y la soledad se suma a la confusión y a la falta de identidad. Sin embargo, cuando todo parece abocado a la oscuridad más absoluta, aparece inesperadamente, misteriosa y luminosa, la esperanza.

En este Álbum el texto y las imágenes se complementan perfectamente. Las ilustraciones, que tienen un carácter pictórico se adaptan a la narración haciéndose, agresivas, delicadas, barrocas, matericas…, pero siempre con un color expresivo. El aspecto visual del libro amplifica los estados de ánimo de la protagonista, visualiza sus sentimientos recurriendo a diferentes recursos plásticos que van desde la pintura abstracta al expresionismo, pasando por el surrealismo o el simbolismo; todo ello perfectamente armonizado. La lectura de este libro, dirigido a los pequeños, será gratificante a cualquier edad.

J.G.M.C

Revista Lazarillo

El árbol rojo es la quinta obra que publica este ilustrador, y las cuatro que la preceden desde 1995 han sido reconocidas con galardones internacionales. Es a la vez la segunda en la que el texto también es suyo y vio su primera edición en Australia, a cargo de Thomas C. Lothian.

Libro de gran tamaño aunque con pocas páginas; ilustraciones de todos los formatos,siempre encuadradas, a veces dejando grandes espacios para el texto y otras integrando las escasas frases en el propio dibujo. Esta escasez de texto permite mayor juego a la maquetación utilizando una fuente exageradamente funcional,como de antigua máquina de escribir,a la vez que recupera los errores típicos de este romántico artilugio,variando los tamaños de las letras, las sangrías de cada renglón, sobreimprimiendo letras e incluso inclinando los renglones. El color del texto se suaviza acercándose a los tonos oscurecidos de los fondos.Nos detenemos en este aspecto aparentemente técnico porque creemos que en este libro es uno más de los detalles que se cuidan en función de la expresividad total de la obra,y en este caso concreto, con la intención de evitar la rigidez de una técnica que hoy día es exageradamente perfecta buscando el romanticismo de todo lo retro y la ternura de lo manual e imperfecto.

Son varias las sorpresas que nos llegan de esta publicación,la primera el propio relato en sí que no guarda la habitual linealidad, no se desarrolla una acción específica ni hay interacción entre personajes,simplemente es la extraordinaria descripción de un sentimiento, la desesperanza,es la expresión de las sensaciones que lo acompañan y su sorprendente y esperanzadora resolución final.

Otra sorpresa es que la narración de estos sentimientos y sensaciones se hace prácticamente a través del lenguaje visual. El texto es mínimo y se limita a ejercer el papel de título para cada ilustración. Es la tremenda fuerza de estas imágenes y su inquietante dualidad, realidad–sueño, la que consigue la transmisión del sentimiento y su interiorización en los lectores.

También es nuevo y sorprendente el uso de recursos surrealistas en un libro pretendidamente infantil.La posible incapacidad de la mentalidad infantil para sentirse motivada por imágenes surrealistas es otra tesis que acabará por caer.Las irreales descontextualizaciones de estos dibujos son sobrecogedoras y la tensión creada ante la cotidianeidad de lo monstruoso se extiende indefinidamente con la creación de entornos obsesivos, abigarrados de objetos tan extraordinariamente bellos como inútiles. La ambigüedad del personaje único y principal facilita que cualquiera de nosotros,grandes o pequeños, se identifique sintiendo la incongruente soledad de su recorrido que hace más brillante el final.

Alberto Urdiales

Asociación ALIN
Amigos del Libro Infantil y Juvenil
Los diez principales

El árbol rojo es un álbum ilustrado que plantea esa cuestión que, en ocasiones, aflora en nuestro más profundo ser, que no es otra sino la ausencia de esperanza e ilusión al inicio de un nuevo día; y así la oscuridad lo inunda todo y te supera; nadie entiende nada y el mundo es una máquina sorda; todos los problemas llegan de golpe, sin avisar ni esperarlos; todo parece girar hacia lo desconocido e inquietante; el sinsentido se apodera de ti, pero, de repente, cuando ya no considerabas que algún atisbo radiante de luz aparecería, delante de ti, radiante de color y vida, se instala, de nuevo, la ilusión y la esperanza: tu árbol rojo.

Formato novedoso y oníricas ilustraciones, de técnica míxta, van dando vida a ese devenir de incertidumbre y desasosiego, en el que predomina la oscuridad y las tonalidades grisáceas; si bien, el color, aparece invitando a la esperanza, en explosión de pigmentos y matices, y en el frondoso y vital árbol rojo, que alberga nuestras futuras motivaciones.

Revista Primeras Noticias

Una joven se levanta por la mañana llena de desesperanza.

Un montña de hojas negras caen en su habitación. A lo largo del día su estado anímico va de mal en peor: la oscuridad, la incomprensión la soledad, la falta de sentido hacen que los problemas sean inevitables. Ante ellos, la joven sin nombre no sabe quién es ni qué hacer, pero al final del día encuentra un motivo, gracias al cual no pierde la esperanza: un árbol rojo. Una de sus hojas la ha acompañado en todos los momentos, sin que ella se diera cuenta.

Este un álbum de gran formato, muy elaborado, en el que la narración está estrechamente unida a la ilustraciòn. Los textos, breves y contundentes, están compuestos en distinta tipografía y estas pequeña variaciones gráficas junto a las imágenes oníricas, todas ellas recuadradas y dispuestas sobre cuidados fondos, otorgan mayor fuerza a la obra.

Elisabet Marco Escoda

ABCD
Semana del 1 al 7 de diciembre.

Shau Tan nació en Australia en 1974. Es un ilustrador notable, que maneja como pocos el lenguaje visual; sus trazos trasmiten emociones y sentimientos a través de su gran calidad artística. Estimulado desde niño por las lecturas de su madre antes de ir dormir, hoy trabaja como ilustrador freelance, además de pintar y colaborar en cien y teatro.

¿Como comenzó con los “libros ilustrados para lectores adultos”?
Empecé ilustrando libros de ciencia ficción y fantasía para adultos; con lo cual cuando me ofrecieron trabajar para un autor muy conocido aquí en Australia, Gary Crew, fue una transición bastante fácil. El libro se llamaba The Viewer y trataba de un niño que descubre una máquina siniestra, que revela varios horrores y desastres de la historia. Es decir, se trata de un relato de horror/ciencia ficción, dirigido a lectores jóvenes a partir de 10 años, y no a niños pequeños por supuesto.

¿Considera que es difícil para el público mayoritario leer y entender este tipo de libros, debido al prejuicio de que los dibujos e ilustraciones son para niños?
Si, aunque eso varía de cultura en cultura. En lugares como Francia o Japón, parece que la literatura ilustrada no es vista como algo exclusiva para los niños, mientras que en Australia suele existir esa suposición. Realmente, sólo tiene que ver con la tradición y las convenciones: la mayoría de los libros ilustrados son para niños, un 99 por ciento o más. Sin embargo, creo que esto está cambiando, especialmente con el interés masivo por la “novela gráfica”, que yo veo como otro término para “libro ilustrado”, que se vuelve popular y además es anunciada por las editoriales como algo diferente de la literatura juvenil.Y, de todos modos, una vez que los lectores comienzan a mirar en detalle un libro ilustrado, suele resultar obvio qué nivel de sofisticación o metáfora puede llegar a tener. Varía de lector a lector: algunos pueden no verlo en absoluto. Los libros ilustrados pueden ser casi un test para comprobar lo cuidadosas que son las personas como lectores.

Sus libros se venden en muchos países diferentes. ¿Como se imagina a sus lectores?
Es una muy buena pregunta. Realmente, no pienso en ello. Pero cuando lo hago los veo como personas que probablemente sean muy similares a mí mismo, con un buen sentido del humor, además de estar interesadas en los sueños y el surrealismo. Con frecuencia imagino que a las personas a las que les gustan mis libros les gusta también dibujar o tienen algún interés en ello.

Su libro Emigrantes se refiere a un tema que se produce nuevamente en neutros días, en un sentido inverso: la inmigración desde América del Sur y África hacia Europa. Se ha sentido influido por estos hechos recientes para la realización del libro?
La historia reciente no tuvo tanta influencia en mi idea del libro como la del pasado. Es decir, Emigrantes se inspira en la experiencia de la inmigración del siglo XIX y principios del XX. Al comienzo, mi principal punto de referencia fue la influencia de los inmigrantes europeos en Australia en los años 50 y 60. Probablemente estoy más interesado en el pasad que en el presente, ya que como artista hay que tomar una cierta “distancia” del tema, para poder apartarse de él y reflejarlo. Con una experiencia más contemporánea, suele dudar de cómo leerla, ya que aún está sucediendo. De todos modos, la historia tampoco es diferente del presente, los seres humanos son los mismos, con los mismos problemas, así que sigue sendo relevante. Creo que Emigrantes capturar sólo algunos aspectos de la inmigración, pero permite al lector generalizar y aplicar sus principios a cosas que están sucediendo a nuestro alrededor en la actualidad.

Usted también es pintor.¿En qué se parece o diferencia esta experiencia de la de ilustrar libros?
Esta es otra pregunta muy interesante, y sobre todo la que tampoco pienso mucho. La diferencia principal entre las dos es que mis pinturas suelen ser sobre cosas que veo todo los días y conozco bien, mi familia y mis amigos, mi patio trasero, el desierto australiano, y mis libros son acerca de cosas que no conozco para nada; cómo es ser un inmigrante, por ejemplo, o animales extraños y mundos que no existen. La experiencia de pintar alimenta el trabajo de los libros, en realidad todo mi trabajo proviene de una observación directa de la vida diaria, y uso esto como un conjunto de herramientas para construir un mundo imaginario. No creo que pudiese producir un buen libro trabajando sólo desde mi cabeza, o sin la experiencia de pintar sobre la vida.

Algunas de sus películas favoritas son “La guerra de las galaxias” y “ Cristal oscuro”. ¿Algún filme más reciente le ha gustado tanto como ellas?
Sí, especialmente esas películas que crean un universo que parece estar ubicado en un mundo alternativo, o en un pasado diferente. Por ejemplo, Brazil de Ferry Giliam, que tuvo una gran influencia en mi libro La cosa perdida, o Bienvenidos a Belleville, debido a su comunicación visual sin diálogo y a sus magnificas ilustraciones. En término de estilo, me atraen las películas que evitan los efectos especiales sofisticados a favor de otros más simples, soluciones teatrales como las de trabajo de Michel Gondry, por ejemplo ¡Olvídate de mi!, o el manejo de marionetas que vemos en El Laberinto del Fauno. Sin embargo, creo que hay una escasez de buenas creaciones originales de mundos fantásticos en las películas, comparado con algo como las novelas graficas, donde quizas haya mas libertad logística: no hay que lidiar con tanta gente y con tanto dinero.

¿Tiene alguna exposición planeada en el futuro?
Hay una en la Galería de Arte de Vancouver en mayo de 2008, donde contribuiré con algunos de mis trabajos para una exhibición sobre novelas graficas, animación, juegos y animación. La muestra se llama Krazy! Y los comisarios son Art Spiegalman y Seth. Tambén es probable que exponga trabajos en la Feria del Libro de Bolonia, un libro en una feria de libro de Tapei, posiblemente también en Argentina y en Japón, además de varios sitios en Autralia.

Gabriela Pedranti

En manos de los jóvenes muchas veces un poema o un cuento sirve para compartir una emoción o una vivencia que de otro modo sería muy difícil de expresar. Reconocerse en un libro, conseguir palabras o imágenes que le permitan identificar un sentimiento son algunas de las satisfacciones que la lectura le puede brindar a un adolescente. Aunque es poético, esperanzador y sus ilustraciones son sublimes, también es cierto que la tristeza es la protagonista de El árbol rojo. En ello radica el valor de este libro, su peculiaridad y su belleza. Por eso lo recomendamos especialmente para que sea compartido.

Aceprensa

Selección de libros infantiles y juveniles 2005

Una niña narradora explica que hay días en que todo empieza mal y va de mal en peor, crecen los problemas, no sabes qué hacer… y parece que el día va a terminar igual que comenzó pero… Álbum especial, cuyas características harán que guste mucho a unos y poco a muchos. El acercamiento al mundo de los álbumes del autor es distinto a lo habitual, tanto gráficamente como en contenidos. Su procedencia de la ciencia-ficción se nota en los acentos de sus poderosas ilustraciones, bien compuestas con colages y técnicas mixtas, que son abigarradas e intensas, tienen claras influencias surrealistas y presentan un mundo amenazador y opresivo. Es magnífica la ilustración introductoria: atractiva e inquietante a la vez, mete dentro del lector el interés por acompañar a la protagonista en su recorrido

Revista Peonza

Si se escucha un susurro piel adentro, posiblemente sean las palabras de este álbum que navegan por los recuerdos. El árbol rojo es una fotografía de la tristeza humana pero, también, de la predisposición para encontrar la esperanza. La cadencia y la economía del lenguaje configuran y potencian el tono melancólico del autor, que interpela a los lectores a los lectores desde la intimidad.

Las ilustraciones, en un juego de perspectivas y dimensiones, completan la identidad de la narración y la cargan de simbolismo. Quizás, porque la perspectiva fantástica y las dimensiones desproporcionadas de las imágenes acentúan los rasgos reales del relato para llenarlo de vida.

Carolina Lesa

Marzo 2011 / Rústica / 15 x 20 / 136 páginas / 12 €

Sinopsis

La fuga es un homenaje al jazz, al amor, a la dignidad, a los abuelos, y nos recuerda que ellos también han tenido treinta años y toda la vida por delante. Una historia magistralmente narrada… sin palabras.

La Cárcel de Papel
Sensaciones

Publicado el 5 Febrero 2008

A simple vista, La Fuga es un apresurado resumen de la vida. Un retrato de la brevedad de la existencia a través de las vivencias de un músico de jazz.

A simple vista.

Pero veamos este libro de otra forma. Nada más abrir la primera página, detengámonos en lo que vemos, hagamos que nuestra vista se comporte como la aguja de un antiguo gramófono y sigamos las elegantes líneas de Pascal Blanchet, convertidas en surcos en la página. ¿Lo oyen? Poco a poco lo vamos oyendo, ese rítmico compás de la batería Art Blakey que nos va marcando el paso de una línea a otra cuando, de repente, el piano de Oscar Peterson comienza a sonar y la voz de Sarah Vaughan se escucha de fondo, envolviéndolo todo y llevándonos por la página. Y a partir de aquí, dejémonos llevar por esa música que nos llega en forma de imágenes, que hablan de amor a la música y de amor a la vida, de los momentos que forman el álbum de fotos de nuestra vida. En poco más de un centenar de páginas, Blanchet logra una extraña unión de imposibles: imágenes que evocan música, ilustraciones que se animan y conforman secuencias de dinámica propia, bitonos que explotan en un arcoiris. Una especie de eclosión sinestésica donde los sentidos se confunden y entrelazan para conseguir una experiencia única. Lo que debería ser una seguido de ilustraciones a toda página, estáticas, toma vida y movimiento, quizás avivadas por el aliento del gran Al Hirschfeld, omnipresente, inspirador claro de esa línea refinada y delicada, que nos lleva entre algodones. La ausencia de palabras confirma tan sólo lo que estábamos viviendo: que La Fuga no es un libro para leer. Es un libro que se siente.

La preciosa y cuidada edición de Barbara Fiore sólo hace que acrecentar la experiencia sensitiva, incorporando a todo lo -cortamente-expresado el gozo del libro-fetiche.

Y no os perdáis la página web de Pascal Blanchet. Una preciosidad.

Álvaro Pons

Bienevenidos a la fiesta

La fuga, del canadiense Pascal Blanchet es una novela gráfica casi sin texto, compuesta con ilustraciones a doble página inspiradas en el cartelismo y el grafismo publicitario de los años treinta y cuarenta. Las sucesivas imágenes, todas en rojo y marrón, muestran los recuerdos de un hombre: su juventud, su afición por el jazz, su noviazgo, su trabajo como pianista, su ancianidad. Hay acierto en la correspondencia que se da entre las ilustraciones, desproporcionadas y elásticas, y el ritmo propio del jazz; así como en el modo sintético y contenido en que se transmiten ambientes y emociones. Supongo que no todos los lectores conectarán con este mundo tan particular y con el modo tan estilizado en que se presenta. En cualquier caso el libro pide un tiempo de lectura pausado y, seguramente, sea una buena idea escuchar al mismo tiempo las canciones de la época que se sugieren al final (si uno las tiene a su alcance…).

Y una cuestión de diseño. Yo valoro positivamente la coherencia del autor de pedir que su libro vaya en un tipo de papel pulposo y de color crudo que recuerde las viejas fundas de papel de los discos de jazz de 78 rpm, pero lo cierto es que tal decisión va en detrimento del atractivo del libro, no creo que le aporte algo verdaderamente significativo y, a estas alturas, quienes podrían sentir la evocación que se busca no leerán un libro como éste, salvo excepciones excepcionalísimas. En cualquier caso reitero que, para mí, tal elección merece un aplauso, más aún cuando ya se ve que no está guiada por motivos comerciales.

Luis Daniel González

El Cultural
13 de Noviembre 2007

En la imagen visual hay una especial tensión entre la inmediatez de nuestra percepción, la fugacidad con que remplazamos una imagen por otra y la persistencia e impacto que tienen en nosotros algunas representaciones. Estos rasgos nos llevan a contemplarla de un modo contradictorio y al mismo tiempo calificarla de ilusoria, fácil, superficial o perjudicial. En muchos aspectos la imagen visual y la musical comparten rasgos comunes. Desde su misma estructura La fuga, del joven artista francés Pascal Blanchet (1980), desarrolla paralelismos entre un lenguaje y otro.

Libro sonoro. Libro sin palabras. Una frase musical articula una pieza que se despliega a tres tintas por la vida de un músico que en un ritmo apresurado y conciso fluye ante nuestros ojos y oídos. Conjuga distintos tempos, la improvisación y la precisión, los solos y la articulación rítmica en una obra que carece de un destinatario específico, abunda en las relecturas posibles y mueve a su antojo nuestra emotividad. Obra para cualquier edad que posibilita muy variadas audiciones.

Gustavo Puerta Leisse

Educación y Biblioteca
año 20- n.163 enero/febrero 2008

Nuestro camino vital es como una extraña sinfonía, llenas de continuas improvisaciones, pero con una serie de movimientos predeterminados. Nacemos, crecemos, nos enamoramos, dejamos, nos dejan, y un día, abandonamos todo.
El protagonista de esta genialidad, encuentra su fuga una tarde de senectud, escondida en la nota de un solitario piano. Es entonces cuando el recuerdo, con todo su amargura, le hace volver a todos los lugares donde fue feliz, al bar donde la vio por primera vez, a sus primeros pasos en la gran cuidad; a las largas noches en el club de Jazz, a aquella madrugada de la actuación perfecta, del aplauso sincero. Al final de la guerra. Para terminar perdido entre sus pasos solitarios, confuso terriblemente a solas. Aquel poeta no se equivocaba cuando decía que le hubiera gustado ser piano expresar fielmente sus sentimientos, porque a través de este placentero experimento visual en rojo y marrón, queda claro que las palabras sobran en cuanto fluyen las notas.
Entre las ilustraciones, esterilizadas e impresas sobre un papel de gramaje similar al de los viejos envoltorios del vinilo, parecen esconderse guiños a carteles cinematográfico, como el de Vértigo o de alguna obras clásicas del cine francés.
Además la obra debe disfrutarse aderezada con una mas que recomendable banda sonora, sugerida en la hoja final. Este se compone de una exquisita selección discografía que aglutina diferentes maneras de entender el Jazz y que incluye desde el Solitude de Holiday hasta el Oh lawd, Im on my way de Armstrong & Russ García Orchestra.

Lorenzo Soto

Alin

Original, sorprendente, novedoso y vanguardista álbum sin palabras y musical, que se nos antoja sublime y de efectista empaque, en el que la historia y el decurso perfectamente hilvanados, nos sumergen en la secuencial vida de un músico y su devenir, desde su adolescencia hasta su senectud.
Se trata, en realidad, de una novela gráfica de narración fílmica en la que la ilustración, cercana al cartelismo, se convierte en la principal protagonista; mediante unas siluetas de marcado carácter evocador, que nos sitúa en la década de los años treinta; con decadentes colores, entre los que sobresalen las pinceladas ácidas de un vívido rojo; imágenes sumamente expresivas que van marcando con exactitud y precisión simbólica la diacronía de su protagonista.

Su genialidad radica en el hecho de crear una la historia de toda una vida a partir de imágenes ilustradas, que nos hacen sentir la pasión por la música y su magia; no obstante, resultará excesivamente posmoderno a quienes se acerquen a un libro infantil esperando un cuento de hadas. Evidentemente, no gustará a todos; pero, a otros, les encantará.

Al final el autor propone, a su vez, una selección discográfica para dejarse seducir por unos acordes al tiempo que te deleitas con su lectura.

13 millones de naves
Revista de comics

Les recomiendo que no caigan en mi error a la hora de leer esta obra magna. No se dejen llevar por el impulso y la avidez que provoca su preciosa portada y no se apresuren a devorarlo. Les propongo que empiecen por ir a la última página y traten de recopilar cuantas canciones les sea posible del “tracklist” que ahí aparece. Una vez conseguido escojan una buena butaca, pongan el play y disfruten, porque lo que tienen entre manos no es moco de pavo. 

La Fuga es algo así como una biografía musical hecha tebeo; así dicho parece sencillo pero trasladar el ambiente de un musical al formato de historieta es una difícil hazaña. No sé muy bien como -y ahí está la gracia- pero Pascal Blanchet ha conseguido trasladar el ritmo, el desenfreno y el alegre trotar de las primeras Big Bands a través de unas increíbles ilustraciones.

Me vienen a la cabeza muchas cosas, las portadas de discos de jazz de Jim Flora, las ilustraciones de los carteles de las películas de Jacques Tati, los títulos de crédito de Saul Bass, el episodio del Rapsody in Blue de Gershiwn que salía en Fantasía, los carteles publicitarios de los años 30, por citar algunas. Si nadie me le hubiera dicho situaría a La Fuga y a su autor justo en el contexto al que pertenece su protagonista: Un pianista de jazz que vive en primera persona la primera gran guerra y que en la cruda soledad de sus últimos días recuerda tiempos pretéritos como única vía de escapatoria.

Por si fuera poco la edición está cuidada hasta el último detalle, el papel es como el de los viejos discos de 78 rpms y tan solo se han utilizado rojos y marrones para los dibujos. Por suerte la edición española ha respetado todos y cada uno de estos detalles, cosa que se agradece y mucho.

La estructura narrativa es brutal: hay ilustraciones que ocupan dos páginas enteras y en cambio en otras Blanchet se permite el lujo de dejar una de las dos páginas vacías. El relato es casi mudo con lo cual se subraya el tono musical de la obra. Muchos de los dibujos juegan con la perspectiva e incluso con la geometría; la ilustración del protagonista haciéndose un huevo frito es una auténtica obra maestra.

Estamos ante uno de esos tebeos que provocan aquello que Juanjo Saez llamaba El Sentimiento Místico. Cito textualmente parte de la definición de Juanjo Saéz para que quede más claro:“hay determinadas cosas que nos tocan una extraña fibra, que nos hacen vibrar, una curiosa sensación muy común pero inexplicable…”.

Fernando Sagaz

Vectoralia

Siguiendo con nuestra serie de artículos dedicados a comics que se han creado íntegramente con programas de dibujo vectorial, queremos compartir aquí un comentario sobre el excelente La Fuga de Pascal Blanchet, el mismo autor de White Rapids.

La fuga, en versión española, ha sido ha editado por una pequeña editorial que tiene un catálogo de un gusto impecable: Barbara Fiore. La edición original fue publicada por Éditions de la Pastéque de Montréal, Québec. Es una historia aparentemente sencilla y contada con una gran economía de medios, pero que oculta una inmensidad de sentimientos y emociones que se abren paso a cada página. Un músico ya anciano y con el fin ya muy cerca, recuerda los momentos más significativos de su vida, con la música como esencia de lo que ha sido y en definitiva como elemento trascendente que quedará fluyendo siempre, más allá de su existencia terrena.

Cuando uno piensa en el estilo gráfico moderno y la música de Jazz es inevitable que venga a la cabeza Jim Flora. Buena parte de su obra más conocida era, al fin y al cabo, un puente entre el diseño y la música. Llevar la sensibilidad de un ámbito al otro, algo difícil en sí, Flora lo hacía con suma facilidad. Aquí, Pascal Blanchet ha salido airoso de la misma prueba. Como una prueba adicional de esta integración, al final tenemos un recortable con la discografía que nos aconseja para sumergirnos en la historia. Cada sección cuenta con su propia banda sonora, con una variedad de música de Big Bands como las de Duke Ellington, Benny Goodman o Louis Armstrong.
La fuga es un homenaje al jazz, al amor, a la dignidad, a los abuelos, y nos recuerda que ellos también han tenido treinta años y toda la vida por delante. Una historia magistralmente narrada… sin palabras.
En poco más de un centenar de páginas, Pascal Blanchet logra una extraña unión de imposibles: imágenes que evocan música, ilustraciones que se animan y conforman secuencias de dinámica propia, bitonos que explotan en un arcoiris. Una especie de eclosión sinestésica donde los sentidos se confunden y entrelazan para conseguir una experiencia única. Lo que debería ser una seguido de ilustraciones a toda página, estáticas, toma vida y movimiento, quizás avivadas por el aliento del gran Al Hirschfeld, omnipresente, inspirador claro de esa línea refinada y delicada, que nos lleva entre algodones. La ausencia de palabras confirma tan sólo lo que estábamos viviendo: que La Fuga no es un libro para leer. Es un libro que se siente. (del comentario sobre la Fuga en la web de la editorial).

La fuga, gráficamente, es un homenaje a todo el estilo gráfico moderno y elegante que se puede disfrutar en una parte de los diseñadores gráficos e ilustradores que trabajaron en especial a lo largo de los años 50… Lustig, Rand, Bass, Al Hirschfeld… Muchas de las ilustraciones del libro nos recuerdan ciertamente algunos de los momentos más inspirados de películas de animación, cortos comerciales o carteles. Por ejemplo, una de los guiños que nos hace Blanchet es una revisión del famoso cartel de Saul Bass para Vértigo.
Sucede con demasiada frecuencia que en las ediciones extranjeras de una obra no se respetan detalles que sí tienen su importancia, como el tipo de papel y la rotulación. Pienso, por ejemplo, en la edición española de Krazy & Ignatz de George Herriman que, aún teniendo sus aspectos positivos, ha descuidado aquello que redondearía la edición, en lo que se refiere al papel elegido y la rotulación. No es este el caso, por fortuna, de la edición que Barbara Fiore ha hecho de La Fuga. El papel es una parte integral del efecto global de la obra y se ha respetado la elección original. Un papel crema que recuerda la funda de los discos antiguos, como nos muestra la misma portada; es importante tanto su tacto y gramaje como su color. Un color de papel que sirve como tono unificador de la gama cromática limitada al rojo y el marrón de la historia de Blanchet. La rotulación es mínima y bien integrada en las imágenes, respetando el estilo que había utilizado el autor en la versión original, y nos guía entre largos pasajes mudos (o deberíamos decir acompañados por la música implícita), en los que la narrativa íntegramente corre a cargo del dibujo. No es, por tanto, un cómic al uso, con los típicos bocadillos para los diálogos, o una narración en off. El texto se ha reducido casi al mínimo y tiene más de exquisito cuento ilustrado que de historieta.
Técnicamente, para aquellos que disfrutamos de la técnica vectorial de dibujo, hojear La Fuga, como también sucede con Jazz Club y con White Rapids, es una lección continua de cómo sacar partido a un programa como Illustrator para resolver los retos narrativos y plásticos que tiene el dibujante de cómics. Es un libro que se disfruta, del que se aprende y que se quiere tener cerca como inspiración: cada página puede ser una propuesta o un reto para el ilustrador: ¿cómo harías para conseguir este efecto? ¿cómo resolverías esta ilustración en particular? Preguntas que el artista disfruta tanto de intentar responder como de contestar con una nueva pregunta.

Que lo disfrutéis.

Joan Mas

ABCD
Las Artes y las Letras
ABC 816, Semana del 22 al 28 de Septiembre de 2007

Toda una vida en imágenes y pocas, poquísimas palabras. Esta nueva propuesta de Barbara Fiore nos emociona hasta lo más profundo a través de un músico que fue joven hace mucho años. Un personaje que sabe que siempre se vuelve al primer amor. En su caso son dos, aunque quizás inseparables: el piano y el jazz.

Las ilustraciones de Pascal Blanchet golpean en La fuga con su sinceridad, casi feroz: dibujos que nos plantan frente a situaciones tristes, difíciles, pero que son ante todo grandes verdades. En este caso, la eterna verdad de la vida y la muerte, que a lo mejor se parecen bastante en la vivencia y el recuerdo del protagonista; en la hora final sólo añora lo que realmente lo hizo feliz y es lo que ayuda a dar el último paso…

Los libros de esta editorial tienen siempre una edición impecable, además de la cuidadosa elección de los autores e historias. Son verdaderos “libros-objeto” que hacen de la lectura una experiencia aún más rica.
Y este titulo en particular invita a seguir más allá del ejemplar en sí: contiene una discografía que bien puede acompañar a ésta y a otras muchas lecturas.

Gabriela Pedranti

Minuto digital

La fuga es una historia gráfica sin palabras, pero con música; por favor, no cometa el error de empezar este libro por el principio, inicie su lectura por el final, se lo recomiendo.
Pero también le recomiendo que no se arme sólo de una buena silla, de sus gafas y de una buena lámpara, por favor, le ruego encarecidamente que prepare su lectura con un buen equipo de sonido.
La Fuga, es un canto al Jazz y un canto al recuerdo, a la añoranza, a la juventud rememorada, a la vejez solitaria y a tantas y tantas cosas.
La fuga no es un libro que se lee, ni un libro que se ve, es un libro que se escucha. Hágase con alguna o todas las piezas musicales que figuran en su última hoja (le recomiendo alguna de Billie Holiday o la inolvidable Nightmare de Artie Shaw), y cuando empiecen a sonar los primeros acordes sumérjase en la lectura de esta aventura gráfica que le llevara a los prodigiosos años 40, al esplendor del jazz, de las grandes orquestas americanas, y recordará sus sueños y su juventud.
Un encanto de libro, no sólo para lectores empedernidos, sino también para musicólogos impenitentes.

El Periodico / DOMINICAL / TEBEO DE VERDAD
Iconotropia 18/03/08
Dejaboo 18/03/08

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La fuga es un acto de amor al jazz. A medio camino también entre el libro ilustrado y el cómic, Pascal Blanquet aborda de forma original su trabajo: no hay paneles y cada página es una ilustración completa. La fuga nos resume la vida de un pianista de jazz que pasa revista a sus años mozos poco antes de que llegue su hora: su niñez aprendiendo a tocar, las noches de clubbing, la tranquila senectud… Una meditación sobre el paso del tiempo pero también sobre la pasión que puede mover una vida: la música. Impreso en dos colores, rojo y marrón, persiste en las páginas una línea maleable, que recuerda a la estética de los discos de jazz de los años 40 y 50, y que aporta una sensación de dinamismo y viveza. Todo el álbum parece haberse escapado del arte de algún disco de Ella Fitzgerald. Hay que destacar por último, la exquisita labor de Barbara Fiore en la cuidadísima edición de ambos tomos.

Josep Oliver

Marzo 2011 / Cartoné / 12 x 9 / 32 páginas / 6 €

Sinopsis

Otar es un pájaro raro. Vuela, planea, cae en picado, cambia de plumaje, huye y aletea entre el Aquí y el Ahora, el Allá y el Más Allá... La gravedad lo mantiene con ambas patas en la tierra. La soberbia lo empuja a subir cada vez más alto… ¿Encontrará algún día sosiego durante su largo vuelo en V?

Marzo 2011 / Cartoné / 24 x 31 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

Suzy Lee vuelve a ofrecernos la posibilidad de ver la vida a través de los ojos de una niña. Si en La Ola y Espejo era la curiosidad la que daba paso a una pequeña aventura, en El pájaro negro sucede precisamente lo contrario: la protagonista se enfrenta al conflicto y a la soledad, y encuentra en el ensueño la evasión perfecta que le permite reencontrarse consigo misma. Un pájaro negro, enorme e inesperado, se convertirá en su compañero de viaje y en el confidente que tanto necesita para sentirse segura de nuevo.

El trazo fresco y vigoroso al que nos tiene acostumbrados la autora encuentra en esta historia la excusa perfecta para desarrollarse plenamente, con rotundidad y delicadeza por igual. El resultado es una breve historia narrada en primera persona que nos invita a volar, sin despegar los pies del suelo, para alcanzar una panorámica privilegiada ante las adversidades.

Noviembre 4, 2010 / Rústica / 15 x 20 / 100 páginas / 16 €

Sinopsis

Jimmy tenía un pez fiel como un perro, mimoso como un gato y amante como una esposa. El autor hace que el pez nos sonría y nos adentremos fascinados con éste en el relato, sonriendo con él y bailando con el narrador, en el camino de vuelta al mar… Sin que nos demos cuenta, el pez se cuela en nuestros corazones, y no alcanzamos a discernir si es el pez quien sonríe o el autor.
Es una historia encantadora, un libro fiel como un perro, mimoso como un gato y amante como una esposa.
La intensa y entusiasta creatividad de Jimmy dota de una gran poesía a la ilustración en su conjunto, que resulta emotiva y encantadora. Los textos están escritos en un estilo de cadencia simple y singular, de modo que cada nueva obra nos sorprende grata y constantemente. Sus obras han disfrutado de un gran éxito. Sus exploraciones han contado con el favor de los lectores y han gozado de gran popularidad tanto en Taiwán como en China, Estados Unidos, Francia, Alemania, España, Grecia, Corea, Japón, Tailandia, etcétera.
La adaptación en dibujos animados de El pez que sonreía obtuvo en el 2006 el Premio Especial al Mejor Cortometraje de Animación del Festival Internacional de Berlín. “En apariencia simple, la cinta nos invita a abrir los corazones hacia la verdad de que, si liberas algo, tú también eres libre”.

Octubre 2010 / Plastificado / 18 x 24 / 188 páginas / 24 €

Sinopsis

Libro ilustrado de cocina italiana vegetariana.
La cocina italiana es un verdadero paraíso para los amantes de la cocina vegetariana. Las exquisitas recetas creadas por Carlo Bernasconi, que a menudo tienen su origen en recuerdos de la tradición cocinera de su familia italiana, y las vistosas ilustraciones de Larissa Bertonascos nos ofrecen un placentero viaje por los huertos italianos.
En Italia, país hermano, mimado por el sol durante todo el año, como España, crecen innumerables variedades de hortalizas que se preparan de muy distintas maneras; desde Bolzano (en el norte) hasta Palermo (en el sur). De la alcachofa a la zanahoria, Carlo Bernasconi ha seleccionado doce hortalizas que suelen utilizarse en la cocinas mediterráneas.
Explica el significado y la utilización de cada hortaliza y menciona también de paso recuerdos personales de la cocina de su abuela y de su madre. Las sensuales imágenes de Larissa Bertonasco ilustran las explicaciones de cada hortaliza y evocan el ambiente italiano de manera sublime, consiguiendo que disfruten nuestros ojos anticipándonos los placeres de la cocina y de la mesa.

Septiembre 2010 / Cartoné / 31 x 18 / 40 páginas / 15 €

Sinopsis

Un desván oscuro. La luz de una bombilla. Una niña muy imaginativa. Suzy Lee usa estos simples elementos para crear una representación visual que capta perfectamente la alegría del juego creativo y celebra el poder de la imaginación. Con una impresionante simplicidad, las ilustraciones, en solo dos tonos de color, presentan una aventura de principio a fin con un click de una bombilla un final irónico y suspendido.

Kireei

Las sombras y la oscuridad han sido siempre territorio del miedo, del misterio, del terror. Brujas, monstruos y fantasmas se pasean amparados por las sombras; la oscuridad simboliza lo que no podemos acabar de conocer y, como todo lo desconocido, puede asustar un poco. ¿Pero qué sucede si la oscuridad es, por contraste, lo que da valor a la luz? ¿Qué pasa si descubrimos que las sombras dan pie a la fantasía, a la imaginación, a lo sorprendente?
Jimmy Liao (con texto de Joyce Dunbar) y http://barbara-fiore.com/index.php/ilustradores/suzy-lee/ abordan, cada uno por su cuenta, este tema. Toman un camino trillado por los cuentos de miedo y lo convierten en un sendero hacia el cariño, la ironía, la tristeza, la alegría, la ternura o del juego. Barbara Fiore, con su siempre acertada selección de títulos, nos trae estos dos álbumes ilustrados, de estilos muy diferentes, pero temáticas relacionadas.

El monstruo que se comió la oscuridad, de Joyce Dunbar y Jimmy Liao.
“Lorenzo no puede dormir, no le gusta la oscuridad, debajo de la cama podría estar escondiéndose un monstruo.
¡Así es! Se trata de diminuto monstruo con un enorme apetito, que le encanta comer la oscuridad, la engulle toda. Hasta que muy pronto todo es luz, pero el monstruo sigue teniendo una gran sensación de vacío, que solo el cariño de un niño puede llenar.”
El monstruo que se comió la oscuridad es una historia algo más plana que las poéticas historias a las que nos tiene acostumbrados Jimmy Liao (de las que ya os hablamos aquí) pero no deja por eso de ser un relato lleno de sensiblidad. Liao interpreta el texto de Joyce Dunbar con su habitual explosión de color, hábil contraste con la negrura del monstruo y de la propia oscuridad. Ese monstruo, que como tal es inicialmente algo que asusta, se convierte luego en benefactor (devorando la oscuridad) para convertirse finalmente en causa de una gran catástrofe. El desenlace reconcilia al niño con sus miedos e invierte los papeles entre él y el monstruo para acabar con mucha ternura. Un final tranquilizador para una historia que se presta a varias lecturas pese a la sencillez de su trama.

Sombras, de Suzy Lee.
“Un desván oscuro. La luz de una bombilla. Una niña muy imaginativa. Suzy Lee usa estos simples elementos para crear una representación visual que capta perfectamente la alegría del juego creativo y celebra el poder de la imaginación. Con una impresionante simplicidad, las ilustraciones, en solo dos tonos de color, presentan una aventura de principio a fin con un click de una bombilla un final irónico y suspendido.”
Sombras, para quien ya conozca a Suzy Lee, es un digno sucesor de álbumes como Espejo o La Ola, en los que Suzy Lee explica historias sin palabras jugando con un trazo expresivo, sencillo y de cromatismo limitado. La misma niña de siempre, esta vez frente a las sombras. Realidad y ficción interaccionando página a página, haciendo florecer la parte de la imaginación mientras que el mundo real parece desvanecerse alrededor de la niña y ser invadido por la fantasía de las sombras. La ilustradora juega con luz y las sombras, con lo que hay arriba (lo real) y lo que ha abajo (lo imaginado), en un crescendo en el que nos vamos introduciendo junto a la protagonista en un mundo imaginado que nos hace perder de vista la realidad, exactamente igual que le sucede a un niño cuando juega. Nunca había visto una metáfora visual tan sencilla y tan conseguida sobre este efecto.

Elena

Marzo 2010 / Rústica / 19 x 26 / 128 páginas / 18 €

Sinopsis

En aquella época, el futuro remoto era algo indefinido, no sabía qué nombre dar a mis vanas ilusiones. Solía estar sola, deambulaba por calles interminables, y cuando se levantaba el viento me sentía como la hojarasca. Contemplaba el cielo estrellado, deseando saber si habría alguien en algún lugar del mundo encaminándose hacia mí. Era como la luz, que va de una estrella a otra. Luego apareciste tú. Y después nos separamos. Esperábamos la juventud, pero nos equivocamos el uno con el otro.

Cine y Letras
Escrito por Guzmán Urrero
Sábado 08 de Mayo de 2010 17:41

La pasión por los sueños se contagia. Y no falta quien, como la protagonista de este hermoso libro, va siguiendo el camino de baldosas amarillas que conduce más allá de las frustraciones cotidianas.
La niña que narra La noche estrellada (The Starry, Starry Night, 2009) nos convence de que un buen recuerdo es una medicina inmejorable. ¿Sólo eso? No. Además de la nostalgia –imposible no añorar la casa de los abuelos en la montaña–, ella emplea otros sentimientos para afrontar una existencia fría, marcada por la mínima empatía de sus padres.
Con una inventiva desbocada, la niña entra en el mundo de la imaginación cada vez que dobla la esquina. Sin embargo, ese embrujo no sería el mismo sin el apoyo imprescindible de un aliado: un vecino, un alumno nuevo que, contra su voluntad, conoce demasiado bien la soledad y el rechazo. Juntos, se evaden del mundo real y empiezan a perseguir lo imposible. Viajan a la cabaña de los abuelos, contemplan el discurrir de las nubes y se dejan mecer por las olas del estanque. Se hacen fuertes por medio de la ilusión. Esa excursión hacia el pasado es un momento crucial, el punto de no retorno en sus vidas. Y así, en este territorio encantado, se abren paso las claves de lo que ha de ser un desenlace feliz.
Leer a Jimmy Liao depara este tipo de experiencias. De él se sabe lo suficiente como para justificar su singularidad. Esa hondura, como ahora verán, tiene razones biográficas. A este mago de la publicidad una vieja pitonisa le predijo el futuro: en 1995 sería millonario. Lo que parecía un buen augurio se convirtió en maldición. Llegó la fecha señalada, y Liao cayó fulminado en mitad de la calle. Le diagnosticaron leucemia. Sometido a quimioterapia, descubrió que su creatividad debía tomar otro rumbo. Abandonó la agencia publicitaria y comenzó a elaborar álbumes ilustrados. Al dar por terminado este amargo capítulo de su vida, ganó libertad, y gracias al mensaje presente en sus libros, también se convirtió en un autor célebre.
Traigo a colación la anécdota no sólo por su interés, que bastaría, sino además, y especialmente, como dato a tener en cuenta para acercarse a libros como La noche estrellada. Al hilo de la enfermedad y de sus secuelas, podemos hablar de temas y de sentimientos que ofrecen un tono reconocible en cada álbum de Liao. Me refiero a la melancolía, la sensibilidad, el vitalismo y el espíritu juguetón encarnado en esos conejos blancos que reaparecen en todas sus obras. Cuando presentó Esconderse en un rincón del mundo habló de estas criaturas: “A menudo me preguntan por mis conejos. No tengo una razón particular para ponerlos en mis libros. Sencillamente, son adorables. Y también resultan misteriosos. Mi primer libro, Secretos en el bosque, cuenta la historia de una niña y un conejo. A mis lectores les gustó mucho, y por eso hago que estos seres aparezcan en todos mis libros ilustrados”.
Si lo buscan, también encontrarán un conejo en La noche estrellada. Un detalle de complicidad que los incondicionales de Liao –por fortuna, cada vez más– sin duda agradecerán.

Marzo 2010 / Rústica / 19 x 26 / 104 páginas / 18 €

Sinopsis

¡Vale, vale!
¡No volveré a decir que no me gusta esta familia!
¡Tampoco diré que os odio! ¡Es sólo que a veces me gustaría que me dejarais tranquilo un rato!
¡Aquí todo está bien!
¡Todo menos yo, quizás! Vale, es mi problema.
Vale, de todos modos, los mayores nunca os equivocáis. Lo que pasa es que los pequeños somos unos desobedientes.
Vosotros no sois los únicos que tenéis preocupaciones, ¡yo también las tengo! Lo que pasa es que no os las cuento, y punto.
Por favor, ¡no estéis tan preocupados!, ¿de acuerdo?
Ya soy mayor, puedo cuidar de mí mismo. No voy a abandonaros, ¡pero también tengo cosas que hacer!
Tampoco soy un bicho raro, hay mucha gente así.
Bueno, ¡todos queremos escondernos en un rincón del mundo! De todos modos, diga lo que diga, ¡no me creeréis! ¡Chis!

En mi corazón vive una niña que siempre que tiene la sensación de que el mundo no funciona, se esconde en su rincón. En el rincón hay canciones que esperan a que ella las cante, acertijos que esperan a que ella los resuelva, recuerdos que esperan a que ella los evoque, sueños que, como la hojarasca, tiene que amontonar e ir examinando… Allí respira tranquila y camina despacio. El silencio entre notas da forma a la música, un silencio que transmite el mensaje de que existe un mundo nuevo y hermoso. En mi corazón vive un niña que siempre se esconde en el rincón, pero sólo por un rato. Es porque necesita un poco de tiempo para volver a encontrar su lugar en el mundo.

Bienvenidos a la fiesta

Esconderse en un rincón del mundo es otro libro singular de Jimmy Liao. Tiene un orden global pero, en realidad, tal como el texto de la contracubierta indica, se ve que la principal preocupación del autor es reflejar inquietudes pasadas o presentes de su propio mundo interior. De paso, también parece querer abrir las puertas a una mejor comprensión del mundo imaginativo de un niño y realizar una defensa del valor curativo de la fantasía o, dicho de otro modo, del poder transformador que puede tener la fantasía para enfrentarse a la vida cotidiana.
En la primera página vemos a un gato en una ventana. Las dos dobles páginas siguientes presentan sucesivos momentos de un niño vistiéndose como para ir al colegio mientras va dirigiéndose al lector. Una doble página en negro sirve de introducción al mundo imaginativo del niño, que luego se despliega en varias dobles páginas más. Cada nueva sección se abrirá de nuevo con una doble página que contiene varios momentos consecutivos del niño hablando al lector: yendo hacia el colegio, subiendo una escalera, encima o debajo de una especie de asteroides, en distintos momentos como volando; y, finalmente, como huyendo de una corriente de agua que casi lo alcanza —una evocación de «El héroe de Haarlem», la historia del niño holandés que taponó un dique con la mano, que se cuenta en Los patines de plata, de Mary Mapes Dodge—, escena seguida por otra doble página en negro que precede a la escena final del niño en la cama, con su gato. La página final muestra el mismo gato negro del comienzo en la ventana.
El objeto del libro es mostrar distintos lugares interiores en los que se refugia el protagonista o, también, una niña, tal vez dependiendo del tipo de escena. Así, al niño lo vemos en situaciones que sugieren o evocan El Principito o Charlie Brown; a la niña en un bosque saliendo de un armario como Lucy accediendo al bosque en las Crónicas de Narnia. Lo que más importa no es el desarrollo argumental, pues casi no hay tal cosa, sino cada una de las escenas, tan extraordinariamente sugerentes e imaginativas como acostumbra el autor, muchas con un conejito en algún lado, algunas con una enorme diferencia de escala entre la niña o el niño y otros seres u objetos de su entorno —como para subrayar los sentimientos de soledad y de pequeñez—.


Cine y Letras
Escrito por Guzmán Urrero
Sábado 08 de Mayo de 2010 17:39

Todos queremos escondernos en un rincón del mundo y dar esquinazo a la realidad. Jimmy Liao nos demuestra que ello es posible en este bellísimo relato, que nace y crece como los sueños de la infancia.
Cuando el pequeño protagonista siente que la auténtica felicidad queda al otro lado del cristal y fuera de su alcance, regresa jubiloso a ese mundo de la fantasía. Un mundo en el que aún es posible el sentimiento mágico de la existencia.
Estas páginas quieren ser un alegato contra el tedio. O aún mejor: un remedio para melancólicos tan eficaz como el que, hace ya demasiado tiempo, imaginó Ray Bradbury. Y conste –dicho sea para garantizar la calidad de esta lectura– que Esconderse en un rincón del mundo (How to Own a Corner) no sólo propone un viaje sentimental para los niños. Los adultos también tenemos donde elegir en esta obra poética, liberadora e inclasificable, que nos guía por un camino de sonrisas, de confidencias y de suspiros, sin un solo asomo de cursilería o de afectación. De hecho, si algo distingue al escritor e ilustrador taiwanés Jimmy Liao, es justamente su capacidad para desprenderse de etiquetas, y alcanzar el corazón de los lectores sin que importe su edad. Liao nació para contar historias. Nació con ese talento, y con otro don igual de raro: una habilidad artística sensacional, que en este libro salta a la vista. No hace falta insistir en las bondades de su estilo, tan expresivo y encantador como las sombras de un bosque o el brillo de una bengala.
Ahora bien, ¿a qué genero pertenece Esconderse en un rincón del mundo? ¿Bajo qué concepto inscribirlo? Instantes, revelaciones, recuerdos… Ya les dije que este libro posee el fermento de la imaginación, y también mucho más.
Liao demuestra intuición y gusto a la hora de elegir sus referencias –desde Saint-Exupéry hasta Windsor McCay–, y se entrega al realismo mágico como fórmula de ruptura de todo convencionalismo.
Así de sencillo. Así de inusual. Confiemos en que este volumen seduzca al mayor número posible de lectores, y que éstos se sumen a esa legión de admiradores que, a lo largo del mundo, ha ido convirtiendo a Jimmy Liao en un verdadero fenómeno editorial.

Marzo 2010 / Rústica / 21 x 25 / 128 páginas / 18 €

Sinopsis

A todos los poetas

Es una gran suerte no saber del todo en qué mundo se vive.

W. Szymborska Fin y principio

El año en que el ángel se despidió de mí en la boca del metro, poco a poco, yo había ido perdiendo la vista.
Una mañana de otoño, el día en que cumplía quince años, mientras fuera lloviznaba y después de haberle dado de comer al gato, a las seis y cinco, me encaminé hacia el metro.
Jimmy Liao El sonido de los colores.

Ahora ya no tengo que pasar sin ello: todos los colores se traducen en sonidos y olores. Y resuenan como melodías de belleza infinita. ¿Para qué quiero un libro? El viento hojea los árboles y sé lo que allí son palabras y las repito a veces en voz baja. Y la muerte, que arranca ojos como si fueran flores, no encuentra ya los míos.
Ich muss nichts mehr entbehren jetzt, alle Farben sind übersetzt in Geräusch und Geruch. Und sie klingen unendlich schön als Töne. Was soll mir ein Buch? In den Bäumen blättert der Wind; und ich weiß, was dorten für Worte sind, und wiederhole sie manchmal leis. Und der Tod, der Augen wie Blumen bricht, findet meine Augen nicht…..

Rainer Maria Rilke, “La ciega”, Libro de las imágenes

Marzo 2010 / Surbalin / 15 x 21 / 128 páginas / 12,95 €

Sinopsis

Edición revisada y mejorada

El Diario de libros es una agenda a largo plazo, sin fecha de caducidad. Es un tesoro de consulta, un precioso contenedor ilustrado por Rotraut Susanne Berner, en el que guardar valiosos recordatorios regidos por un ritmo distinto, más lento, más plácido: el de la lectura.

Tertulia Andaluza

El Diario de libros es una agenda a largo plazo, sin fecha de caducidad. Es un tesoro de consulta, un precioso contenedor ilustrado por Rotraut Susanne Berner, en el que guardar valiosos recordatorios regidos por un ritmo distinto, más lento, más plácido: el de la lectura.

A pesar de que lo edite una editorial -magnífica- dedicada a la publicación de libros para niños, el Diario de libros es un libro para todos los públicos. No en vano, son dos adultos los que ilustran su portada, obra de Rotraut Susanne Berner. La pareja baila mientras cada uno lee un libro que sostienen en sus manos, intentando plasmar así el placer de la lectura: la lectura como divertimento.
Así, entre las páginas numeradas de este diario, se sucederán otras ilustraciones que llevarán los libros al fondo del mar, a la montaña, sobre el tejado de una casa o en plena nevada. La marca de la casa es el ABC del libro que se incluye al final, un pequeño glosario acerca de los elementos que componen un libro, desde la anteportada hasta la línea viuda.
Lo que se consigue con esta edición no es otra cosa que estimular un hábito que poco a poco se va recuperando. La razón es sencilla: nos impulsa a querer rellenar una y otra página, renglón a renglón, con los títulos que hemos adquirido, hemos regalado, con los que nos han obsequiado y esos, los más especiales, que hemos tenido el placer de terminar y se esconden entre nuestros favoritos.

Marzo 2010 / Cartoné / 17 x 30 / 40 páginas / 14 €

Sinopsis

En este sugerente libro sin palabras Lee nos cuenta la historia de una niña en un día de playa. La impresionante simplicidad de las ilustraciones, en tan sólo dos tonos de acuarela, crean una vibrante e inolvidable historia llena de alegría y risas.


Ganador del primer premio en su primera convocatoria, al mejor libro ilustrado en el 2009, otorgado por el Gremio de libreros de Madrid.

CLIJ
Noviembre 2008

Dos obras minimalistas y una niña en diálogo (presidiendo de las palabras, cargando las tintas en la parte gráfica), primero frente a un espejo, luego delante de una ola. Si en Espejo la relación entre la niña y su reflejo se esconde y fluctúa en el conjunto de las dos partes tal como en el conocido test de Rorscach ( al que se refieren las guardas y la exposición rítmica a la mitad del libro), en La ola se rompe el dialogo ensimismando (pasaje intuido en el final del libro anterior donde la niña parece optar por el mundo real frente al imaginario) para enfrentarse a la naturaleza, un elemento que en definitiva no es controlable y por eso mismo está abierto a mayores sorpresas.
Juego La ola con contados elementos: los ágiles y expresivos trazos en carboncillo para la niña, típicos de la autora, Suzy Lee, la combinación con el azul del mar y una magistral distribución de pesos en una doble página que se antoja infinita. Respecto a Espejo se introduce un tercer agente: cinco gaviotas, espectadores participes al mismo tiempo que oráculos de las malas pasadas del mar, con cuya contribución la autora le confiere el libro un toque de humor y la fuerza de una big-band.
Nada más, lo aconsejable es dejarse llevar por la respiración de este ola, la titánica labor de una niña que pretende controlarla (quién no ha sido domador de olas al meno una vez?) y los inesperados regalos del mar, un mar cuyo azul va matizando y coloreando el día entero.

Arianna Squilloni

el cultural

Hay historias que sólo pueden ser contadas en un libro, pues otro medio no daría cuenta de su esencia. Hay historias que sólo pueden ser contadas en un libro ilustrado, pues sólo la imagen logra transmitir su tiempo y tono. Hay historias que sólo pueden ser contadas en un libro ilustrado sin palabras, pues sólo así consigue transmitir su propia intensidad narrativa. Estas son las historias de Suzy Lee. La primacía de la imagen en esta ilustradora coreana no es una carencia ni una limitación sino una forma muy personal de abordar la creación y conseguir álbumes que pocas personas pueden hacer.

Tertulia Andaluza

En este sugerente libro sin palabras Lee nos cuenta la historia de una niña en un día de playa. La impresionante simplicidad de las ilustraciones, en tan sólo dos tonos de acuarela, crean una vibrante e inolvidable historia llena de alegría y risas.

¿Cómo puede enternecer tanto un día de playa? Quizá sea que la ilustradora Suzy Lee conoce el uso del color, el secreto del movimiento en un papel estático o lo conmovedor de un recuerdo de la infancia. Lo que plasma en La ola tiene tintes de sueño solitario en blanco, en negro y en azul. Más que de un sueño, del momento del despertar, cuando uno se defiende ante el día cotidiano imaginándose con no más de cinco años de edad en la orilla de una playa desierta, con el sonido de las olas rompiéndose y de las gaviotas revoloteando -porque sí, la ilustradora coreana consigue que suenen sus dibujos-. Entonces todo parecía gigantesco y maravilloso. Ahora son nuestros pies los que son enormes y se salen de la cama.
Sus ilustraciones tienen algo de cine mudo, no sólo en su silencio, sino en su capacidad de comunicar desde la sencillez. También en esos pequeños personajes de los que se puede evocar toda una vida. Como en La Ola, en The Black Bird (El pájaro negro) la narración pictórica ya la llevaba a cabo con una reducida paleta de colores -en blanco y negro-, o en My Bright Atelier (Mi brillante atelier), cuando el amarillo y el azul eran sus herramientas. Junto a ellas, el característico trazo infantil -de ideas adultas- de Lee y sus niñas de melena morena.

Marzo 2010 / Cartoné / 22 x 24 / 144 páginas / 24 €

Sinopsis

Accesorios para la cuna: : Mantitas para bebé: :

Juguetes de tela: : Ropa para bebé: : Y ¡mucho más!

En Coser para los más pequeños es fácil, Lotta Jansdotter nos demuestra lo fácil que es confeccionar alegres regalos para los pequeños querubines. Ella también es madre desde hace poco, por eso incluye proyectos que encajan con su estilo sencillo pero dotado de un gran sentido práctico, con lo que consigue que algunos artículos esenciales sean a la vez bonitos y duraderos para cualquier bebé, por revoltoso que sea. En el interior encontrarás veinticuatro propuestas para gorritos, baberos, una bolsa para pañales para el cochecito, una mantita con cintas perfecta para sobrellevar la dentición y muchos pequeños proyectos más. Las bellas fotografías de los proyectos finalizados resultan inspiradoras, a la par que las claras instrucciones paso a paso y las ilustraciones garantizan la comprensión sea cual sea tu nivel. Con diez patrones listos para su uso y siete plantillas para stencil, todo incluido en el bolsillo frontal, Coser para los más pequeños es fácil te acercará a la confección de modernos accesorios que seguro que gustarán tanto al bebé como a su madre.

Marzo 2010 / Cartoné / 20 x 23 / 40 páginas / 14 €

Sinopsis

En la primavera, en un pequeño estanque, nacieron 999 renacuajos. Eran pequeñitos pero fuertes y llenos de energías. Los renacuajos empezaron a crecer y crecer hasta convertirse en 999 pequeñas ranas. Pronto el estanque se quedó pequeño para la numerosa familia. La decisión es tomada, papá rana, mama rana y las 999 hermanitas ranas parten a la búsqueda de una nueva charca…

Cine y Letras
Escrito por Guzmán Urrero
Sábado 08 de Mayo de 2010 17:35

Una parábola sencilla y encantadora sobre el poder de los lazos familiares. Escrito por Ken Kimura e ilustrado por Yasunari Murakami, 999 hermanas ranas se mudan de charca es un álbum que persuade por su buen humor y su ternura.
Japón es un paraíso para los amantes de la literatura infantil. Y no sólo por los elevados índices de lectura de ese país, que sostienen una saludable producción editorial.
A diferencia de lo que sucede en otras latitudes, allí los clásicos resisten el paso de las modas. De ahí que, en una librería japonesa, uno pueda darse el gusto de encontrar –por citar dos ejemplos– toda la serie que Margret y H.A. Rey dedicaron a Curious George junto a una reedición de My Father’s Dragon (1948), de Ruth S. Garnett.
Lo mismo vale si hablamos de autores locales.
Para un lector a la vieja usanza, no hay dificultades a la hora de adquirir antiguos álbumes de Satoshi Kako, de Rieko Nakagawa o de Akiko Hayashi –acaso la mejor ilustradora del archipiélago–, y ello pese a la presencia abrumadora de libros originados por franquicias televisivas.
En ese contexto hay que situar 999 hermanas ranas se mudan de charca, un relato tan simpático y convincente como sus personajes. Uno de esos álbumes modestos que deparan mayores sorpresas que libros infantiles mucho más pretenciosos.
Y hablando de encanto, buena parte del mérito se debe al ilustrador, Yasunari Murakami, que aquí demuestra por qué un estilo expresivo y vibrante no precisa rarezas o extravagancias.
La claridad, la apuesta por los colores planos y la gracia de un diseño limpio y personal bastan para que cada una de sus láminas esté llena de vida.
Con la levedad, ligereza y ritmo que un buen cuento exige, Ken Kimura conquista a los pequeños lectores, y logra que esa numerosísima familia de ranas que protagoniza el libro –todas ellas resueltas a encontrar un nuevo estanque– encarne sentimientos como la generosidad, la valentía y la solidaridad.
Para que no falte emoción, cada episodio incluye el presagio de una catástrofe –la víbora que arrastran las ranitas más forzudas, el milano hambriento que se cierne sobre ellas–, y sin embargo, la suerte premia a estos personajes tan emprendedores.
Al fin y al cabo, la unión hace la fuerza.

Noviembre 2009 / Rústica / 15 x 20 / 136 páginas / 9,95 €

Sinopsis

Un simple libro de notas responsable con el medio ambiente. Impreso a dos tintas Pantone™, PMS485U (rojo) y PMS477U (gris), recicladas de La Fuga, en 136 páginas (perforadas, para una perfecta extracción) de papel reciclado Domtar EarthChoice® Tradebook™ (Proterra), Antique Straw de 104 gms. Cubierta con solapas impresa con las mismas dos tintas, en Domtar EarthChoice® Tradebook™ (Proterra), Antique Straw de 216 gms.

Septiembre 2009 / Surbalin / 11,7 x 18 / 32 páginas / 11,95 €

Sinopsis

¿Hermosa juventud?
A lo largo de su vida, Wolf Elbruch no solo nos ha obsequiado con sus álbumes infantiles, sino que también ha ilustrado textos de autores clásicos, como Johann Wolfgang von Goethe o Karl Philipp Moritz, dándoles una voz plástica igual de valiosa. Con Gottfried Benn, también.
En esta ocasión, el poema expresionista Hermosa juventud de Gottfried Benn ha inspirado al artista, y no sin ironía, a una colorida tipología de ratas. La maestría compositiva con que se combinan el dibujo y el collage, hacen de este pequeño libro una obra de arte inusitada, tanto por su belleza singular como por su osadía.

Septiembre 2009 / Surbalin / 11,7 x 18 / 40 páginas / 11,95 €

Sinopsis

Las coloristas ilustraciones de Axel Scheffler aportan un toque de humor a unos antiguos consejos escritos hace cien años sobre la mejor manera de criar una ardilla en cautividad.

Septiembre 2009 / Desplegable/ 15 x 15 / 24 páginas / 9,95 €

Sinopsis

Un pequeño erizo rueda colina abajo, de izquierda a derecha, a través de las páginas de este libro desplegable, atraviesa un río y un estanque y sigue rodando entre los árboles. Mientras rueda recoge plantas frescas y encuentra a nuevos animales. Korokoro que en japonés significa rodar, es una simple historia con intrincadas ilustraciones que podrán ser disfrutadas con cualquier edad. Un sorprendente final hará que se abra una y otra vez este hermoso libro sin palabras para descubrir en el nuevos detalles gráficos.
Diseñado como un libro desplegable, Korokoro puede ser disfrutado también como un objeto artístico.

Educación y Biblioteca
año 121 n.174 noviembre y diciembre

Esta historia se cuenta con imágenes. Su esencia, sin embargo, está sintetizada en una palabra, la única que encontraremos en el libro y que le da titulo. Korokoro, en japonés, significa “rodar”. Kokoro, por su parte, es un vocablo referido a lo más intimo de las cosas y las personas, invisible a los ojos y contrapuesto a las apariencias.
Con el primer significado, la autora construye la parte explicita del relato: una especia de erizo rueda por diferentes escenarios entre animales y retazos de paisaje variopintos: la rama de un árbol, el vado de un río, la madriguera de un topo… El recorrido va dejando prendidos en su púas frutos y hojas de diversos, vestigios del camino transitado. Al final de la aventura, el protagonista se libra de todo el peso sobrante ayudado por un congénere… que resulta ser un ratón. Este sorprendente desenlace, que descubre una castaña donde creíamos ver un caparazón, remite a la semántica de la segunda palabra, que además nos insinúa una interpretación más profunda de la historia, vista como metáfora de experiencia vitales que nos dejan marcas y sensaciones que necesitamos compartir con otros, a veces para disfrutarlas, otra para liberarnos de ellas.
El juego de discriminación visual, que invita a observar minuciosamente personajes y detalles, y el pequeño formato en acordeón que permite desplegar las paginas y continuar la historia girando el libro, conforman una atractiva propuesta a la que formula ilustrativa, resuelta a base de formas sutiles y una composición cromática austera (tintas negras, ocre y granate), imprime un carácter atemporal.

Teresa Corchete

Septiembre 2009 / Media tela / 29,5 x 24,5 / 72 páginas / 24 €

Sinopsis

No es de extrañar que en su primer libro para niños Peter Verhelst reescriba un cuento, pues su obra está imbuida de ellos. A primera vista parece tratarse de una adaptación poco significativa de “El ruiseñor”: el argumento resulta perfectamente reconocible, los principales personajes se mantienen y hasta se respeta la moraleja de Andersen. Sin embargo, las apariencias engañan. Bajo la superficie se esconden un sinfín de elementos novedosos y sugerentes. No cabe duda de que una lectura asociativa y creativa aportará mucho más al lector que la mera búsqueda de sentido.
Peter Verhelst demuestra ser un narrador nato. El trepidante dinamismo y el ritmo vertiginoso de su pluma imprimen un sello muy personal al relato de Andersen y logran implicar a fondo al lector. El autor añade ingredientes narrativos, cambia la perspectiva, relata una historia cuajada de gritos, susurros, risas, bromas y profundas reflexiones. El lenguaje posee un enorme poder visual y el tono es variado y dramático. Las frecuentes repeticiones de palabras y frases confieren al texto un ritmo enérgico y fluido, a la vez que las reiteradas variaciones sobre un mismo inventario de ideas y motivos redundan en beneficio de la cadencia temática. Por todo ello el cuento invita a una lectura teatral en voz alta, en la que el lector está llamado a acoplar la entonación al vaivén de la línea argumental. Los saltos en el tiempo y la alternancia entre acción y reflexión dan lugar a una estructura relativamente compleja para niños de corta edad, pero esto se remedia con una lectura matizada que aproveche al máximo los recursos ofrecidos por el propio autor. Es todo un reto explorar la creatividad y la inventiva de uno mismo y del niño dando lectura a este relato que, de acuerdo con la filosofía de Peter Verhelst, una vez escrito empieza a tener vida propia.

Por su parte, el ilustrador Carll Cneut también da una impronta extraordinariamente personal al cuento a través de sus dibujos. Apuesta por una reinterpretación del arte gráfico chino en la que logra un sutil equilibrio entre el color, la composición y su peculiar visión de la cultura oriental. Se sirve de la perspectiva atmosférica y experimenta con diversas técnicas, entre ellas la sombra china. Predominan el azul, el amarillo y el verde en un continuo juego entre tonos claros y oscuros. Unas ilustraciones se presentan abigarradas, otras resultan más etéreas y sintéticas. Los ropajes de los cortesanos y los sirvientes han sido dibujados con un finísimo pincel, en tanto que el Jardín de los Jardines se presenta como una salvaje aunque bien meditada exuberancia de flores y plantas y explosión de colores. Las ilustraciones de Carll Cneut revisten una increíble belleza, pero sólo adquieren sentido a través del poético texto de Peter Verhelst. El color, el movimiento y la textura se ajustan al milímetro al cambiante tono del texto. Las dinámicas escenas cargadas de figuras presurosas, vivos colores y gestos dramáticos se contraponen a momentos de silencio donde los colores se vuelven más fríos y oscuros y los contornos se difuminan. La imagen de la niña en la copa del árbol, recortada contra una inmensa luna llena, introduce un punto de sosiego en torno al cual se articula el libro.
El autor y el ilustrador se han compenetrado a la perfección. Repetición, contraste, límite y espacio son palabras clave que se aplican tanto al texto como a las ilustraciones. No en vano El secreto de la garganta del ruiseñor ha sido acreedor a numerosos premios y menciones de honor: Boekenwelp, Boekenpluim, Woutertje Pieterse, White Raven y Gouden Uil. Los diferentes jurados coinciden en que logra una maravillosa simbiosis y una armonía absoluta entre imagen, texto y diseño. Así se culmina un sueño largamente esperado: por fin la palabra y la imagen se unen en un excitante baile del que ambas salen reforzadas.
Aunque en un principio este magnífico álbum infantil va dirigido a un público de entre siete y once años, cualquier persona puede disfrutar de él. Rebasa no sólo los límites de la edad, sino también las fronteras entre ilustración y texto.
Concluimos afirmando, como lo hace el jurado del premio Gouden Uil, que en este viaje a través de la imaginación Peter Verhelst y Carll Cneut han sabido transformar un cuento clásico en una joya de palabras y colores que incluso supera la cautivadora riqueza del original.

Febrero 2009 / Cartoné / 24 x 31 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

Los conejos llegaron hace muchas generaciones.
Llegaron en barco… Los conejos se propagaron por el país.
No había montaña, desierto o río que pudiera detenerlos.
¿Quién nos salvará de los conejos?

Una rica y encantadora
historia para todas las
edades y culturas.

Educación y Biblioteca
Año 21
n.172 julio/agosto 2009

Narrador y personaje se abren paso con su palabra y lo hacen en primera persona del plural, refiriéndose al conjunto, a lo endémico de una tierra que fue invadida por el extranjero sin consideración. Quien habla parece un canguro pero más pequeño, una de las diferentes especie de canguro que habitan Australia. Puede que sea un Walabí, un marsupial de orejas largas u cola larga; puede que sea otro animal que desconozco, o bien puede que Tan esté dibujando uno de esos bichitos marcianos, siempre perdidos en su historia ( y que sólo él sabe qué significan). La queja de Walabí, la narración de su cuento (con toda razón de ser, ya que ellos estaban allí incluso antes de que los aborígenes) se bifurca en dos discursos narrativos paralelos que conectan en un punto, se mezclan, se separan, se gruñían un ojo y se amplían. El texto de John Mardsen, por un lado, es claro y contundente: habla de las consecuencias de la plaga de conejos que se extendió en Australia, a partir de la entrada de una cuantas parejas cimarrones durante el siglo XX. Una plaga real que invadió la isla poniendo en peligro de extinción a muchas de las especies autóctonas, entre ellas los Walabís. Ese es el texto literal. La metáfora, sin embargo, cuenta las impresiones y efectos de la colonización europea del territorio: el enorme impacto sobre el hábitat y habitantes. La imagen narrativa de Shaun Tan, por otro lado, es poderosa. Tanto, que hasta que no conoces su versión de la historia no sabes quien es el narrador, quien cuenta o incluso, de quien se habla. El ilustrador australiano, autor de algunas de los mejores obras que pueblan el panorama de la literatura infantil y juvenil actual, lleva el libro álbum aun estado de perfección. Tan recrea un escenario real pero transformándolo de acuerdo a su imaginario personal, donde cabe una corona para la monarquía leporina, una amapola en el desierto, un tótem, un fragmento del Momo de Michael Ende, donde los conejos grises y su Banco del tiempo ahorran y consumen el tiempo ajeno para poder existir… Shaun Tan conoce la literatura y los recursos del medio en el que se mueve. El autor compone su parte para que todo encaje como un puzzle dificilísimo de diez mil piezas y sin cuya colaboración el libro no tendrías jamás ese sentido. Como en la maquinaria de un reloj, de un robot o la estructura de un jeroglífico todo cuenta y cada parte tiene su lugar. A veces casi se entiende un poco aunque nunca se llegue a comprender su mecanismo exacto: todo lo que él quiso decir y de alguna manera expone. Porque Tan deja una esquina de la pagina para que entre la fantasía- a veces es tan solo una mancha de tinta descuidad- y siempre surte el mismo efecto: convertir la historia por muy cruda que sea, por muy real y vivida que este sea ( y aunque no sepamos muy bien explicar por qué), en una obra de arte.

Olalla Hernadez
Especialista en LIJ

Febrero 2009 / Cartoné / 21 x 31 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

¿Qué puede hacer un oso con una espada? ¿Cuáles son las consecuencias de nuestros actos? Esta es una historia divertida sobre ser responsable de nuestro comportamiento.

Una mañana, inesperada, la riada destruye el castillo del oso con la espada. ¿Quién liberó las aguas que destruyeron su hogar? Si no ha sido culpa del encargado de la presa, ¿de quién fue? …

Al final, el oso descubrirá que perdió su casa porque, con su espada, él cortó los árboles del bosque…

Febrero 2009 / Cartoné / 24 x 34 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

¿Hasta qué punto puedes sentir miedo de algo y al mismo tiempo sentirte atraído por ello? ¿Hasta dónde puede llegar tu imaginación? La vieja mujer fascina al pequeño muchacho que la ve a diario. Ella parece enorme, parece el tipo de mujer que se come a los niños. Pero cuando un día en el mercado presencia como se le cae la bolsa, repentinamente le parece más pequeña. Él le ayuda a recoger sus cosas y la visita en su casa. Descubre que la vieja señora es realmente más suave que las nubes de algodón y mas dulce que las golosinas.

La señora y el niño es una historia cautivadora. Un libro encantador que nos enseña a superar los prejuicios.

Febrero 2009 / Cartoné / 24 x 34 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

«Patético», pensó Louise, «estoy tranquila, estoy sola y me siento patética. Todo el mundo se ha ido y no he vuelto a ver a esas amigas de la escuela tan miedicas desde hace más de un año. ¿Y el Broncas? ¿Aún queda algún Broncas por aquí? Yo antes amaba el miedo, » pensó Louise, «¿seguirá gustándome? »

¡Por supuesto que sí! Así pues, ponte en marcha, recoge tus cosas, parte hacia el Bosque de los Escalofríos, el lugar más adecuado para vivir aventuras terroríficas y recoger plantitas carnívoras

Febrero 2009 / Cartoné / 21 x 26 / 32 páginas / 14 €

Sinopsis

Sé que puedo cavar un hoyo espectacular y trepar a un árbol tan alto como el cielo para observar el vuelo de un pájaro.

Claro y rítmico, lúdico e ingenioso, así es el texto de Ann Rand que anima a los más pequeños a pensar sobre todo lo que se puede llegar a aprender del mundo que los rodea. Las ilustraciones, coloristas e ingeniosas, las debemos a su marido, el diseñador gráfico Paul Rand. Sé muchas cosas es un clásico infantil que captura la frescura de la infancia y el descubrimiento del mundo que nos rodea.

Septiembre 2008 / Cartoné / 31 x 18 / 40 páginas / 15 €

Sinopsis

Este libro ilustrado juega con la imagen de uno mismo reflejada en el espejo. La línea que separa las dos páginas sirve de frontera entre la ilusión y la realidad, y es un símbolo del mundo simétrico. El contraste entre lo real y lo imaginario conduce a un final inesperado.

Septiembre 2008 / Cartoné / 15 x 20 / 64 páginas / 12 €

Sinopsis

El bosque es un lugar mágico donde una niña pasea acompañada por un conejo gigante. Allí encuentra los secretos que había ido escondiendo, algunos desde hace tanto tiempo que ni se acordaba de ellos. Y también encuentra toda la poesía que sólo los sueños consiguen transmitir. Las ciudades sin sueños son lugares tristes, para niños y mayores. En 1998, Jimmy Liao debutó con este delicioso álbum ilustrado, con el que consigue recuperar la fantasía lejana de nuestra infancia, los sueños secretos que escondimos y olvidamos en el bosque del tiempo.

Septiembre 2008 / Cartoné / 15 x 20 / 176 páginas / 16 €

Sinopsis

En la primavera de 1995 Jimmy descubrió que tenía leucemia. Durante un año de tratamiento, vivió en reclusión y silencio. Hasta 1998 los dibujos fueron toda su vida. Este libro recoge sus obras de dicho período, un mundo poético que se rige por sus propias leyes. En él, las ballenas bailan y cantan ante el asombrado y triste espectador. Las lágrimas de un conejo hacen brotar flores del suelo reseco. Los poetas nadan en piscinas sin agua, y las mariposas, con sus alas de mil brillantes colores, cubren a las muchachas con una preciosa colcha multicolor.

Septiembre 2008 / Cartoné / 19 x 25 / 98 páginas / 18 €

Sinopsis

La aparente monotonía de un barrio residencial en las afueras de una ciudad cualquiera es el escenario perfecto para que sucedan los hechos más extraordinarios: un búfalo enorme nos indicará el camino, el estudiante extranjero nos dejará un recuerdo imborrable y podremos seguir a un buzo misterioso que ha aparecido de golpe a quilómetros de distancia de la costa…
15 historias formidables nos ofrecen una muestra más del inagotable imaginario de Shaun Tan, que despliega sus recursos gráficos y narrativos para llevarnos hasta la periferia de lo razonable, hasta los límites de lo corriente. Para que podamos ver qué hay más allá.

Septiembre 2008 / Cartoné / 19 x 25 / 98 páginas / 18 €

Sinopsis

L’aparent monotonia d’un barri residencial als afores d’una ciutat qualsevol és l’escenari perfecte perquè hi succeeixin els fets més extraordinaris: un búfal enorme ens indicarà el camí, l’estudiant estranger ens deixarà un record inesborrable i podrem seguir un bus misteriós que ha aparegut de sobte a quilòmetres de distància de la costa…
15 històries formidables ens ofereixen una mostra més de l’inesgotable imaginari de Shaun Tan, que desplega els seus recursos gràfics i narratius per dur-nos fins a la perifèria del que és raonable, fins als límits de la normalitat. Perquè puguem veure què hi ha més enllà.

Abril 2008 / Cartoné / 20 x 17 / 128 páginas / 22 €

Sinopsis

Ella vive en un viejo bloque de pisos de un barrio de las afueras de la ciudad. Cada vez que sale, no importa adonde vaya, se dirige siempre hacia la izquierda. Él vive en un viejo bloque de pisos de un barrio de las afueras de la ciudad. Cada vez que sale, no importa adonde vaya, se dirige siempre hacia la derecha.

Ésta es la historia de dos vidas paralelas que un buen día convergen y descubren fugazmente el amor, hasta que el azar vuelve a separarlas. La naturaleza y el progreso de la gran ciudad siguen su curso implacable, indiferentes al sufrimiento de los amantes desunidos. Con su talento para la descripción poética de la realidad, Jimmy Liao crea el relato dulcemente melancólico de una tragedia cotidiana.

Minuto Digital
7 Mayo 2008

La poesía también se puede crear mediante una historia gráfica; por lo menos eso nos demuestra Jimmy Liao en Desencuentros.
El azar rige los destinos de los hombres, y puede ser la causa de su felicidad o de su desgracia.
Desencuentros nos narra la vida de dos jóvenes que permanecen ajenos, hasta que un buen día el destino los une pasajeramente, convirtiéndolos en dos muñecos rotos en manos del azar.
Las costumbre, las rutinas, y los hábitos juegan una mala pasada a nuestro protagonistas, que buscan su felicidad sin poderla encontrar.
Un drama excepcionalmente narrado, y espléndidamente desarrollado, su lectura es un verdadero gozo.

Bienvenidos a la fiesta

El sonido de los colores y Desencuentros, de Jimmy Liao, se pueden alinear con Emigrantes, de Shaun Tan, por su solidez y consistencia tanto gráficas como argumentales, por su carácter híbrido entre los álbumes y las novelas gráficas, y porque también buscan unos destinatarios más bien jóvenes o adultos. Además, igual que Emigrantes, son relatos que merece la pena no sólo conocer sino también tener: son muy ricos de contenido y están editados con el cuidado que merecen las obras que perdurarán.

Luis Daniel González

Bienvenidos a la fiesta

Autor taiwanés. Nació en Taipei. Licenciado en diseño. Ha firmado más de 18 libros, algunos de los cuales han vendido millones de ejemplares y han sido traducidos a muchos idiomas.

El sonido de los colores (Sound of Colors, 2001)
Cádiz: Bárbara Fiore, 2008; 80 pp.; trad. de Jordi Ainaud i Escudero; ISBN: 978-84-935591-8-2.
15 años: lectores jóvenes. Álbumes ilustrados.

La chica que narra, y que vemos en la primera ilustración entrando en el metro, se presenta diciendo que ha perdido la vista y que «el día que cumplía quince años (...) me encaminé hacia el metro». A partir de ahí el lector la verá, vestida siempre de blanco, con bastón blanco y gafas oscuras, entrar y salir del metro por distintas bocas, y compartirá con ella sus encuentros con personajes reales e imaginarios y su mundo interior de fantasías y ensueños.

La piedra azul (2006)
México: Fondo de Cultura Económica, 2006; 152 pp.; col. Los especiales de A la Orilla del Viento; trad. de Tatiana Svakhina; verción de Laura Emilia Pacheco; ISBN: 968-16-8123-1.
15 años: lectores jóvenes. Álbumes ilustrados.

Una enorme piedra azul está en un bosque. Un día la rompen en dos mitades: una queda en su lugar, la otra es transformada en una escultura y colocada en un museo. A partir de ahí, la piedra convertida en escultura irá rompiéndose una y otra vez, cuando sufre un fuerte ataque de nostalgia de su otra mitad, y reconvertida en esculturas cada vez más pequeñas…

Desencuentros (Turn left, turn right, 2006)
Cádiz: Bárbara Fiore, 2008; 128 pp.; trad. de Jordi Ainaud i Escudero; ISBN: 978-84-935591-9-9.
15 años: lectores jóvenes. Álbumes ilustrados.

Historia que arranca un 6 de octubre y que se cierra un 6 de marzo, año y medio después. Un joven músico y una joven traductora viven en el mismo bloque de pisos pero mientras ella, siempre que sale, se dirige a la izquierda, él lo hace siempre a la derecha. Sus caminos por la ciudad son siempre divergentes hasta que, un día, en una plaza circular del surtidor del parque, se conocen e intercambian los teléfonos. Al regreso a sus casas llueve de modo inclemente y se mojan los papeles en los que los anotaron, por lo que ambos pierden los números. La vida sigue y no logran encontrarse de nuevo a pesar de sus deseos y sus esfuerzos hasta que…

Extraordinarios álbumes, o novelas gráficas, que tienen gran riqueza visual, una concepción ambiciosa, y una realización detallista. Los tres comparten ideas de fondo en los argumentos —la soledad, la necesidad de comunicación, la nostalgia…—, así como el modo poético y evocador de abordarlas gráficamente. Los tres presentan personajes humanos con un parecido gráfico a los de Jean Sempé, tanto en el dibujo individual como en los momentos donde se ven grupos o multitudes. Argumentalmente son más poderosos El sonido de los colores y Desencuentros, relatos que arrancan con poemas de Wislawa Szymborska.
La primera historia está dedicada a los poetas. El poema con el que se abre habla de que es una gran suerte no saber del todo en qué mundo se vive. Se cierra con otro poema de Rilke titulado La ciega en el que se dice que, para la protagonista, todos los colores se traducen en sonidos y olores. Las imágenes van acompañadas de textos en primera persona que son preguntas que se hace a sí misma la protagonista, un poco como la de Noche de tormenta, o comentarios sobre su percepción del mundo.
La piedra azul, que el autor dedica a sus padres, habla del desarraigo y de la nostalgia insaciable del hogar al que uno pertenece. También se presenta como una búsqueda, con frecuencia infructuosa, de quien nos complementa; y como un subrayado de que con el paso del tiempo seguimos siendo los mismos, no importa qué transformaciones suframos.
El poema del comienzo de Desencuentros menciona lo hermosa que es la seguridad pero que la inseguridad es más hermosa todavía, y toda la historia es como una reflexión sobre la belleza poética de la búsqueda. Con tipos de letra distintos, las ilustraciones llevan una fecha e indicaciones del tiempo atmosférico por un lado y, no siempre, van acompañadas de textos mínimos que dicen algo de lo que hacen o sienten los protagonistas. Los protagonistas aparecieron en Los sonidos de los separados por la misma piedra azul del segundo álbum

Mundos imaginativos ricos

El comentario a estos álbumes podría ser muy extenso. Sin que falten detalles simpáticos y guiños humorísticos, en general se puede decir que el autor tiene querencia tanto por mostrar la soledad en medio de la ciudad como por mostrar la belleza de algunos momentos de felicidad interior o de paisajes de alrededor. Hay escenas que acentúan lo primero: las estaciones de trenes vacías, las de trenes que pasan con personajes al otro lado de las ventanillas, las multitudes ruidosas y festivas donde sin embargo algo falta… Y otras lo segundo: la chica ciega tomando el sol en el lomo de una ballena, los protagonistas de Desencuentros charlando felices mientras se acerca la tormenta, entre muchas otras.
En El sonido de los colores se puede hacer notar la contraposición entre una de las primeras imágenes, en la que la protagonista está entrando en una boca de metro contra un fondo de colores difusos, con una del final cuando sale de otra boca y se ve rodeada por una especie de gran vidriera colorista de perfiles netos. También, además de que seguramente la historia contiene referencias visuales y culturales al mundo oriental, hay alusiones a pintores como Matisse, a obras como El Mago de Oz, a ilustradores como Chris Van Allsburg... Al final, el lector acaba fascinado por la chica protagonista, por su descubrimiento del mundo y su rico mundo imaginativo en continua expansión.
Casi al principio de Desencuentros hay una doble página con ilustraciones de las habitaciones de los protagonistas, que dan idea de sus modos de ser, de sus vidas, y en las que aparecen elementos que veremos y que evolucionarán coherentemente a lo largo del relato. Es sensacional cómo las ilustraciones representan sus ansiedades, sus mundos imaginativos y sus sueños; algunas con cada uno de los protagonistas, otras con los dos al tiempo cuando se nos muestra cómo se cruzan pero no se encuentran. Resultan magistrales la doble página donde se ven los números de teléfono emborronados, las distintas representaciones de la soledad en medio de la ciudad, las escenas que muestran la transformación de los lugares de los encuentros anteriores de los protagonistas…

Luis Daniel González

Abril 2008 / Cartoné / 25 x 35 / 40 páginas + guardas / 18,00 €

Sinopsis

Un grupo de artistas, los Diseñadores de Todas las Cosas, son encargados de diseñar animales y plantas de un mundo todavía en construcción, bajo una regla impuesta por la Anciana Encargada de la Sabiduría: no mezclar el Reino Vegetal con el Reino Animal. Odaer, el joven diseñador, gracias a su tenacidad y a su gran imaginación conseguirá realizar su sueño, crear una criatura capaz de volar como un pájaro y ser tan bello coma una flor: las mariposas. Una metáfora sobre el poder del esfuerzo, de la constancia, de la ilusión y de los sueños que se hacen realidad, el secreto está en no cansarse nunca de soñar, en no darse nunca por vencido.

Marzo 2008 / Cartoné / 25 x 35 / 40 páginas + guardas / 18,00 €uros *Edición especial, traducida al catalá por Carles Andreus y Albert Vitó.

Sinopsis

Un grup d’artistes, els Dissenyadors de Totes les Coses, són els encarregats de dissenyar els animals i les plantes d’un món que encara està en construcció, sota una norma imposada per l’Anciana Encarregada de la Saviesa: no podien barrejar el Regne Vegetal amb el Regne Animal. L’Odaer, el jove dissenyador, aconseguirà realitzar el seu somni gràcies a la seva tenacitat i a la seva imaginació. Serà capaç de crear una criatura que pugui volar com un ocell i que sigui tan bella com una flor: la papallona. Una metàfora sobre el poder de l’esforç, de la constància, de la il·lusió i dels somnis que es fan realitat, el secret està en no cansar-se mai de somiar, en no donar-se mai per vençut. Presentem aquesta segona edició amb el text revisat i un format nou que permetrà als lectors gaudir encara més d’aquesta obra tan inspiradora i vitalista.

Septiembre 2007 / Cartoné / 30 x 27 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

El joven Olek no es un simple cazador de osos, es un cazador con un corazón de oro que un día decide realizar un viaje para ver si «puede hacer algo en alguna parte». En su camino encuentra situaciones que, aunque no requieran de una gran valentía, como atar un cordón de zapato, tapar agujeros de un cubo, liberar a un conejo de una trampa, ayudar a un ave con un ala rota, sí le hacen implicarse y ayudar. Pero según va avanzando, los retos que se presentan son cada vez más complicados: incluso deberá salvar a doce niñas retenidas por el diablo y enfrentarse a él aun a riesgo de perder la vida… Y es que los viajes a veces son duros y plantean situaciones muy difíciles, pero las buenas acciones, por pequeñas que sean, tarde o temprano se ven recompensadas; al igual que las cosas pequeñas que hacemos, por pequeñas que sean, pueden llegar a salvar a las personas… Además, como le ocurre al joven Olek, si uno hace lo que buenamente puede, podría descubrir cosas fantásticas que jamás hubiera sospechado.

El viaje de Olek, basado en el cuento popular ruso El Pájaro de fuego, ha sido escrito por Bart Moeyaert, el escritor más importante de la literatura belga contemporánea, y maravillosamente ilustrado por Wolf Erlbruch, ganador del premio Hans Christian Andersen de la ilustración. Esta joya literaria y gráfica trata del bien y del mal, de situaciones que uno se encuentra y de la posibilidad de cambiarlas. Su sencillo, poético y vivo lenguaje mantiene las reiteraciones propias de los mejores cuentos clásicos.

Septiembre 2007 / Rústica / 15 x 20 / 136 páginas / 15 €

Sinopsis

La fuga es un homenaje al jazz, al amor, a la dignidad, a los abuelos, y nos recuerda que ellos también han tenido treinta años y toda la vida por delante. Una historia magistralmente narrada… sin palabras.

13 millones de naves
Revista de comics

Les recomiendo que no caigan en mi error a la hora de leer esta obra magna. No se dejen llevar por el impulso y la avidez que provoca su preciosa portada y no se apresuren a devorarlo. Les propongo que empiecen por ir a la última página y traten de recopilar cuantas canciones les sea posible del “tracklist” que ahí aparece. Una vez conseguido escojan una buena butaca, pongan el play y disfruten, porque lo que tienen entre manos no es moco de pavo. 

La Fuga es algo así como una biografía musical hecha tebeo; así dicho parece sencillo pero trasladar el ambiente de un musical al formato de historieta es una difícil hazaña. No sé muy bien como -y ahí está la gracia- pero Pascal Blanchet ha conseguido trasladar el ritmo, el desenfreno y el alegre trotar de las primeras Big Bands a través de unas increíbles ilustraciones.

Me vienen a la cabeza muchas cosas, las portadas de discos de jazz de Jim Flora, las ilustraciones de los carteles de las películas de Jacques Tati, los títulos de crédito de Saul Bass, el episodio del Rapsody in Blue de Gershiwn que salía en Fantasía, los carteles publicitarios de los años 30, por citar algunas. Si nadie me le hubiera dicho situaría a La Fuga y a su autor justo en el contexto al que pertenece su protagonista: Un pianista de jazz que vive en primera persona la primera gran guerra y que en la cruda soledad de sus últimos días recuerda tiempos pretéritos como única vía de escapatoria.

Por si fuera poco la edición está cuidada hasta el último detalle, el papel es como el de los viejos discos de 78 rpms y tan solo se han utilizado rojos y marrones para los dibujos. Por suerte la edición española ha respetado todos y cada uno de estos detalles, cosa que se agradece y mucho.

La estructura narrativa es brutal: hay ilustraciones que ocupan dos páginas enteras y en cambio en otras Blanchet se permite el lujo de dejar una de las dos páginas vacías. El relato es casi mudo con lo cual se subraya el tono musical de la obra. Muchos de los dibujos juegan con la perspectiva e incluso con la geometría; la ilustración del protagonista haciéndose un huevo frito es una auténtica obra maestra.

Estamos ante uno de esos tebeos que provocan aquello que Juanjo Saez llamaba El Sentimiento Místico. Cito textualmente parte de la definición de Juanjo Saéz para que quede más claro:“hay determinadas cosas que nos tocan una extraña fibra, que nos hacen vibrar, una curiosa sensación muy común pero inexplicable…”.

Fernando Sagaz

ABCD
Las Artes y las Letras
ABC 816, Semana del 22 al 28 de Septiembre de 2007

Toda una vida en imágenes y pocas, poquísimas palabras. Esta nueva propuesta de Barbara Fiore nos emociona hasta lo más profundo a través de un músico que fue joven hace mucho años. Un personaje que sabe que siempre se vuelve al primer amor. En su caso son dos, aunque quizás inseparables: el piano y el jazz.

Las ilustraciones de Pascal Blanchet golpean en La fuga con su sinceridad, casi feroz: dibujos que nos plantan frente a situaciones tristes, difíciles, pero que son ante todo grandes verdades. En este caso, la eterna verdad de la vida y la muerte, que a lo mejor se parecen bastante en la vivencia y el recuerdo del protagonista; en la hora final sólo añora lo que realmente lo hizo feliz y es lo que ayuda a dar el último paso…

Los libros de esta editorial tienen siempre una edición impecable, además de la cuidadosa elección de los autores e historias. Son verdaderos “libros-objeto” que hacen de la lectura una experiencia aún más rica.
Y este titulo en particular invita a seguir más allá del ejemplar en sí: contiene una discografía que bien puede acompañar a ésta y a otras muchas lecturas.

Gabriela Pedranti

El Cultural
13 de Noviembre 2007

En la imagen visual hay una especial tensión entre la inmediatez de nuestra percepción, la fugacidad con que remplazamos una imagen por otra y la persistencia e impacto que tienen en nosotros algunas representaciones. Estos rasgos nos llevan a contemplarla de un modo contradictorio y al mismo tiempo calificarla de ilusoria, fácil, superficial o perjudicial. En muchos aspectos la imagen visual y la musical comparten rasgos comunes. Desde su misma estructura La fuga, del joven artista francés Pascal Blanchet (1980), desarrolla paralelismos entre un lenguaje y otro.

Libro sonoro. Libro sin palabras. Una frase musical articula una pieza que se despliega a tres tintas por la vida de un músico que en un ritmo apresurado y conciso fluye ante nuestros ojos y oídos. Conjuga distintos tempos, la improvisación y la precisión, los solos y la articulación rítmica en una obra que carece de un destinatario específico, abunda en las relecturas posibles y mueve a su antojo nuestra emotividad. Obra para cualquier edad que posibilita muy variadas audiciones.

Gustavo Puerta Leisse

Bienevenidos a la fiesta

La fuga, del canadiense Pascal Blanchet es una novela gráfica casi sin texto, compuesta con ilustraciones a doble página inspiradas en el cartelismo y el grafismo publicitario de los años treinta y cuarenta. Las sucesivas imágenes, todas en rojo y marrón, muestran los recuerdos de un hombre: su juventud, su afición por el jazz, su noviazgo, su trabajo como pianista, su ancianidad. Hay acierto en la correspondencia que se da entre las ilustraciones, desproporcionadas y elásticas, y el ritmo propio del jazz; así como en el modo sintético y contenido en que se transmiten ambientes y emociones. Supongo que no todos los lectores conectarán con este mundo tan particular y con el modo tan estilizado en que se presenta. En cualquier caso el libro pide un tiempo de lectura pausado y, seguramente, sea una buena idea escuchar al mismo tiempo las canciones de la época que se sugieren al final (si uno las tiene a su alcance…).

Y una cuestión de diseño. Yo valoro positivamente la coherencia del autor de pedir que su libro vaya en un tipo de papel pulposo y de color crudo que recuerde las viejas fundas de papel de los discos de jazz de 78 rpm, pero lo cierto es que tal decisión va en detrimento del atractivo del libro, no creo que le aporte algo verdaderamente significativo y, a estas alturas, quienes podrían sentir la evocación que se busca no leerán un libro como éste, salvo excepciones excepcionalísimas. En cualquier caso reitero que, para mí, tal elección merece un aplauso, más aún cuando ya se ve que no está guiada por motivos comerciales.

Luis Daniel González

Septiembre 2007 / Cartoné / 23 x 33 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

Nelius las vio por primera vez en plena noche: las mariposas. Volaban alrededor de su cabeza, había un millón de ellas. Nelius no sabía de dónde venían, pero sus padres le dijeron que para él había llegado el momento de partir. Su madre le dio una mochila con agua y comida para el viaje.

Un millón de mariposas es una historia sobre el crecimiento, la emancipación y el retorno al hogar.

CLIJ
Noviembre 2007
Número 209

El conocido escritor neerlandés, Edward van de Vendel, ha dado con un atractivo simbolismo para explicar a los niños la aventura de crecer, de emanciparse de los padres y comenzar un nuevo camino en el que hay sorpresas, como el amor. Y este elemento simbólico, esta metáfora visual son las mariposas. Nelius, el elefantino, ve una noche “millones” de mariposas revolteando sobre su cabeza; los padres saben que ha llegado el momento de decir adiós a Nelius, de que inicie su viaje solo…En el trayecto encontrará a muchos animales que han vivido esa experiencia y le animarán a seguir sin miedo, saboreando cada instante. Cuando encuentre a la “chica”, la sensación de Nelius será que se ha tragado las mariposas, que ahora “revoltean” en su estómago. Esta si, una metáfora más conocida del enamoramiento.
La hermosa historia se convierte en un espectáculo multicolor de la mano de Cneut, capaz de dibujar estos “millones” de mariposas, todas distintas. Y diferentes, cambiantes son también las escenas; unas abigarradas, otras con pocos elementos , en función de las necesidades de la narración. De nuevo nos impresiona la capacidad de este ilustrador para crear personajes y atmósferas, enriqueciendo el texto, en vez que empequeñecerlo. Hay una página doble repleta de animales humanizados que rodean a Nelius, que es un portento del detalle;  un arca de Noé con su viajeros vestidos primorosamente. Una maravilla que generará en los lectores muchas preguntas. 

ALIN

Multicolor fábula sobre la capacidad de amar y sobre el universal viaje iniciático hacia el interior de los sentimientos y la emancipación.
Nelius, nuestro elefante protagonista, en plena noche descubrió como cientos de mariposas volaban alrededor de su cabeza; asustado ante su significado, a la mañana siguiente consultó a sus padres a qué se debía aquella alucinógena visión; estos comprendieron que había llegado el momento de que Nelius emprendiera su particular odisea en búsqueda de respuestas; ¿Las encontrará?
Texto lírico y poético; metafórico y reflexivo sobre el aprendizaje, el descubrimiento de los más íntimos sentimientos del ser humano, el crecimiento personal y, en definitiva, sobre la aparición del amor.
Mediante una ilustración luminosa, acorde con lo que se nos va narrando y, en absoluto, reveladora, sino llena de color y singular emoción, la historia, en clave de fábula, mantiene la tensión narrativa y visual hasta el final, con una peculiar eclosión emocional y revelación sentimental; si no las has sentido, ¡búscalas!

Septiembre 2007 / Cartoné / 13 x 17 / 36 páginas / 12 €
Colección Miniar

Sinopsis

La soledad, el aburrimiento y la desbordante imaginación infantil consiguen que el mito de Prometeo se materialice en un montón de envoltorios caseros. Éstos dan vida a un regalo que Arthur construye especialmente para su padre, un robot con una verborrea muy original y una firme voluntad de servir al objetivo para el que fue construido.

Minuto Digital Libros
15 de Noviembre

Nos es la primera vez que recomendamos una obra de la editora Barbara Fiore, el motivo es sencillo, su calidad en la edición y su acertada selección de obras es una garantía de éxito.

Pralino es un relato infantil dotado de esa sencillez que hace a los textos mágicos. A vueltas con la soledad de las jóvenes generaciones, Axel Hacke sabe construir un breve pero intenso relato.

En su infantil soledad, debido a los continuos viajes de su padre y a las numerosas ocupaciones de su madre, Arthur decide construir un robot para regalar a su padre. Durante su construcción y en su posterior programación el nuevo regalo nos permitirá reflexionar sobre el aburrimiento y el tedio al que están sometidos nuestros niños. Después de su lectura, Pralino se convertirá en un entrañable amigo de nuestros hijos.

Pérez- Roldán

CLIJ
año 20 -Número 210
Diciembre 2007

Es Navidad. Un padre busca la complicidad con su hijo y, también, el perdón por viajar tanto y tenerlo algo abandonado a través de un extraño, mágico y divertido cuento que gira en torno a la idea de lo que es o debe ser un regalo. “ En un regalo se encuentran dos personas, y si el regalo es bueno se produce una comunión entre sus almas, porque una ha sabido percibir lo que haría feliz a la otra”, se lee en un momento del relato. Una definición hermosa y bien desarrollada a lo largo y ancho de este “cuento dentro del cuento” en el que los protagonistas- padre e hijo- son los mismos. Pero además hay un robot “ reciclado”, con la cabeza y el cuerpo hechos a base de una caja de bombones y otra de detergente, que el niño, Arthur, quiere regalar a su padre. Un robot que habla muy raro -utilizando las palabras, las frases sobre los ingredientes de los bombones o las instrucciones sobre el detergente impresas en las cajas en varias lenguas- y que antes de ser regalado al padre, vive una aventura con otros juguetes de Arthur.
Una historia ideal para estas fiestas, imaginativas, sensible y mágica, muy bien apoyada en las ilustraciones de Michael Sowa, atento a todos los matices del relato, y capaz de captar los momentos cumbre de la narración y ofrecerlos en unas delicadas composiciones. Un librito que inaugura una nueva colección de Barbara Fiore Editora, de textos ilustrados de pequeños formatos. 

Diari AVUÍ 20/12/2007

Hi ha dos llibres. petits i exquisits en la seva concepció com a llibre objecte. que vaig descobrir a la vegada. De fet pensava que només era un quan a sota vaig trobar l’altre. Iguals. però diferents, fan una bella parella. I seria massa fàcil dir que les semblances són de mida, color o il-lustracions per formar part d’una mateixa sèrie o col·lecció (tot i que això és del tol cert). No. Hi ha alguna cosa més. Alguna cosa màgica que els uneix i els embolcalla situant-los en un espai temps molt concret i. malauradament, força desvirtuat en els temps que corren: la nit de Nadal.

Pralino és un petit robot quevol ser el regal perfecte concebut per complaure les dues bandes: el que el farà i el que el rebrà.

La Simonetta és la nina, que una nit de Nadal el Pare Noel no aconseguia recordar qui havia demanada, però que s’espera pacientment a ser entregada a qui realment l’espera.

Les dues històries volen recuperar aquella màgia perduda, però tanmateix eterna, del Nadal.

Cal llegir-los quan toca, perquè no hi ha res més trist que llegir contes de Nadal quan ja ha arribat a la seva fi, quan ja s’han acabat les vacances. Podeu escollir entre fer una lectura solitària en una bona butaca i amb llum d’espelmes o bé amb veu alta i clara per fer d’un conte el millor regal per compartir en la nit màgica de Nadal.

Il·lustracions de ‘Pralino’ i ‘L’Inesperat regal del Pare Noel’, de Michael Sowa

Septiembre 2007 / Cartoné / 13 x 17 / 36 páginas / 12 € / Català
Colección Miniar

Sinopsis

La solitud, l’avorriment i la desbordant imaginació infantil aconsegueixen que el mite de Prometeu es materialitzi en un munt d’embolcalls de productes casolans. Aquests donen vida a un regal que l’Arthur construeix especialment per al seu pare, un robot amb una xerrameca molt original i una ferma voluntat de servir l’objectiu per al qual fou construït.

Diari AVUÍ 20/12/2007

Hi ha dos llibres. petits i exquisits en la seva concepció com a llibre objecte. que vaig descobrir a la vegada. De fet pensava que només era un quan a sota vaig trobar l’altre. Iguals. però diferents, fan una bella parella. I seria massa fàcil dir que les semblances són de mida, color o il-lustracions per formar part d’una mateixa sèrie o col·lecció (tot i que això és del tol cert). No. Hi ha alguna cosa més. Alguna cosa màgica que els uneix i els embolcalla situant-los en un espai temps molt concret i. malauradament, força desvirtuat en els temps que corren: la nit de Nadal.

Pralino és un petit robot quevol ser el regal perfecte concebut per complaure les dues bandes: el que el farà i el que el rebrà.

La Simonetta és la nina, que una nit de Nadal el Pare Noel no aconseguia recordar qui havia demanada, però que s’espera pacientment a ser entregada a qui realment l’espera.

Les dues històries volen recuperar aquella màgia perduda, però tanmateix eterna, del Nadal.

Cal llegir-los quan toca, perquè no hi ha res més trist que llegir contes de Nadal quan ja ha arribat a la seva fi, quan ja s’han acabat les vacances. Podeu escollir entre fer una lectura solitària en una bona butaca i amb llum d’espelmes o bé amb veu alta i clara per fer d’un conte el millor regal per compartir en la nit màgica de Nadal.

Il·lustracions de ‘Pralino’ i ‘L’Inesperat regal del Pare Noel’, de Michael Sowa

Minuto Digital Libros
15 de Noviembre

Nos es la primera vez que recomendamos una obra de la editora Barbara Fiore, el motivo es sencillo, su calidad en la edición y su acertada selección de obras es una garantía de éxito.

Pralino es un relato infantil dotado de esa sencillez que hace a los textos mágicos. A vueltas con la soledad de las jóvenes generaciones, Axel Hacke sabe construir un breve pero intenso relato.

En su infantil soledad, debido a los continuos viajes de su padre y a las numerosas ocupaciones de su madre, Arthur decide construir un robot para regalar a su padre. Durante su construcción y en su posterior programación el nuevo regalo nos permitirá reflexionar sobre el aburrimiento y el tedio al que están sometidos nuestros niños. Después de su lectura, Pralino se convertirá en un entrañable amigo de nuestros hijos.

Pérez- Roldán

CLIJ
año 20 -Número 210
Diciembre 2007

Es Navidad. Un padre busca la complicidad con su hijo y, también, el perdón por viajar tanto y tenerlo algo abandonado a través de un extraño, mágico y divertido cuento que gira en torno a la idea de lo que es o debe ser un regalo. “ En un regalo se encuentran dos personas, y si el regalo es bueno se produce una comunión entre sus almas, porque una ha sabido percibir lo que haría feliz a la otra”, se lee en un momento del relato. Una definición hermosa y bien desarrollada a lo largo y ancho de este “cuento dentro del cuento” en el que los protagonistas- padre e hijo- son los mismos. Pero además hay un robot “ reciclado”, con la cabeza y el cuerpo hechos a base de una caja de bombones y otra de detergente, que el niño, Arthur, quiere regalar a su padre. Un robot que habla muy raro -utilizando las palabras, las frases sobre los ingredientes de los bombones o las instrucciones sobre el detergente impresas en las cajas en varias lenguas- y que antes de ser regalado al padre, vive una aventura con otros juguetes de Arthur.
Una historia ideal para estas fiestas, imaginativas, sensible y mágica, muy bien apoyada en las ilustraciones de Michael Sowa, atento a todos los matices del relato, y capaz de captar los momentos cumbre de la narración y ofrecerlos en unas delicadas composiciones. Un librito que inaugura una nueva colección de Barbara Fiore Editora, de textos ilustrados de pequeños formatos. 

Septiembre 2007 / Cartoné / 13 x 17 / 48 páginas / 12 €
Colección Miniar

Sinopsis

Imaginemos a un Papá Noel que pone todo su empeño en encontrar el destinatario apropiado para cada regalo y el regalo apropiado para cada niño en esta era de exceso en la que todos tenemos más de lo que necesitamos. Una divertida y hermosa historia sobre la verdadera felicidad, esquiva y caprichosa, pero que siempre termina llegando a quien la espera.

Diari AVUÍ 20/12/2007

Hi ha dos llibres. petits i exquisits en la seva concepció com a llibre objecte. que vaig descobrir a la vegada. De fet pensava que només era un quan a sota vaig trobar l’altre. Iguals. però diferents, fan una bella parella. I seria massa fàcil dir que les semblances són de mida, color o il-lustracions per formar part d’una mateixa sèrie o col·lecció (tot i que això és del tol cert). No. Hi ha alguna cosa més. Alguna cosa màgica que els uneix i els embolcalla situant-los en un espai temps molt concret i. malauradament, força desvirtuat en els temps que corren: la nit de Nadal.

Pralino és un petit robot quevol ser el regal perfecte concebut per complaure les dues bandes: el que el farà i el que el rebrà.

La Simonetta és la nina, que una nit de Nadal el Pare Noel no aconseguia recordar qui havia demanada, però que s’espera pacientment a ser entregada a qui realment l’espera.

Les dues històries volen recuperar aquella màgia perduda, però tanmateix eterna, del Nadal.

Cal llegir-los quan toca, perquè no hi ha res més trist que llegir contes de Nadal quan ja ha arribat a la seva fi, quan ja s’han acabat les vacances. Podeu escollir entre fer una lectura solitària en una bona butaca i amb llum d’espelmes o bé amb veu alta i clara per fer d’un conte el millor regal per compartir en la nit màgica de Nadal.

Il·lustracions de ‘Pralino’ i ‘L’Inesperat regal del Pare Noel’, de Michael Sowa

Septiembre 2007 / Cartoné / 13 x 17 / 48 páginas / 12 € / Català
Colección Miniar

Sinopsis

Imaginem un Pare Noel que s’entesta a trobar el destinatari apropiat per a cada regal i el regal apropiat per a cada nen en aquesta era d’excés en què tots tenim més del que necessitem. Una divertia i bonica història sobre la felicitat veritable, esquiva i capritxosa, però que sempre acaba arribant a qui espera.

Diari AVUÍ 20/12/2007

Hi ha dos llibres. petits i exquisits en la seva concepció com a llibre objecte. que vaig descobrir a la vegada. De fet pensava que només era un quan a sota vaig trobar l’altre. Iguals. però diferents, fan una bella parella. I seria massa fàcil dir que les semblances són de mida, color o il-lustracions per formar part d’una mateixa sèrie o col·lecció (tot i que això és del tol cert). No. Hi ha alguna cosa més. Alguna cosa màgica que els uneix i els embolcalla situant-los en un espai temps molt concret i. malauradament, força desvirtuat en els temps que corren: la nit de Nadal.

Pralino és un petit robot quevol ser el regal perfecte concebut per complaure les dues bandes: el que el farà i el que el rebrà.

La Simonetta és la nina, que una nit de Nadal el Pare Noel no aconseguia recordar qui havia demanada, però que s’espera pacientment a ser entregada a qui realment l’espera.

Les dues històries volen recuperar aquella màgia perduda, però tanmateix eterna, del Nadal.

Cal llegir-los quan toca, perquè no hi ha res més trist que llegir contes de Nadal quan ja ha arribat a la seva fi, quan ja s’han acabat les vacances. Podeu escollir entre fer una lectura solitària en una bona butaca i amb llum d’espelmes o bé amb veu alta i clara per fer d’un conte el millor regal per compartir en la nit màgica de Nadal.

Il·lustracions de ‘Pralino’ i ‘L’Inesperat regal del Pare Noel’, de Michael Sowa

Maig 2007 / Cartoné / 21 x 30 / 32 pàginas / 15 €

Sinopsis

Un dia, mentre passeja per la platja a la recerca de taps d’ampolles per a la seva col·lecció, un jove es troba amb una criatura estranya, d’aire trist, desemparada i solitària, la cosa perduda. Mentre espera en va que algú vingui a recollir-la s’estableix una relació intima entre ells. A la platja ningú no en sap res, de la criatura, ni tan sols l’han notat. Llavors decideix dur-la a casa seva on la cosa perduda passa desapercebuda per als seus pares, tan atents a les notícies oficials de desgràcies alienes que, no obstant això, quan finalment la noten gràcies a les observacions del jove, la menyspreen, l’exclouen i se’n desentenen. El jove no sap què fer fins que al diari troba un anunci del Departament Federal d’Objectes Inútils. Una vegada arribats al DFOI la cosa fa un sorollet d’infelicitat; mentre ell busca un bolígraf amb què emplenar els interminables models burocràtics, un empleat de la neteja li aconsella que si en alguna cosa aprecia a la cosa perduda no la deixi allí i li lliura una targeta amb un símbol esperançador. Després d’haver donat moltes voltes per la ciutat aconsegueix trobar l’adreça de la targeta en un amagat i fosc portal d’un carreró anònim. Darrere de la porta descobreix un inventari d’estranys i inusuals objectes perduts.

Maig 2007 / Cartoné / 21 x 30 / 32 pàginas / 15 €

Sinopsis

A vegades el dia comença buit d’esperances

L’arbre vermell és el cinquè llibre de l’il·lustrador Shaun Tan. El primer, THE VIEWER, escrit per GARY CREW, va guanyar el Premi Crichton el 1995. THE RABBITS, escrit per John Marsden, va ser el Llibre il·lustrat de l’any CBCA el 1999. MEMORIAL, escrit per Gary Crew, va ser el Llibre d’Honor CBCA l’any 2000. El 2001, LA COSA PERDUDA, il·lustrat i escrit per Shaun, va rebre el Premi Aurealis Convenor i una Menció d’honor a la Fira del llibre infantil i juvenil de Bologna 2001.

Septiembre 2006 / Cartoné / 30 x 25 / 30 páginas / 14 €

Sinopsis

Monstruo, no me comas es un libro sobre un pequeño cerdito a quien le encanta comer. Su madre lo regaña continuamente porque tiene la mala costumbre de comer entre horas. Un día mientras devora unas moras que ha encontrado camino del río, es capturado por un monstruo que al igual que el adora comer y decide que el cerdito será parte de su menú.
Álex, aunque con mucho miedo, no pierde la fe y encuentra la forma de distraer al monstruo en varias ocasiones, hasta que en una de ellas logra escapar cuando la madre de este último aparece diciéndole que ni se le ocurra llevarse nada al gaznate antes del almuerzo.
Carll Cneut logra evocar el mundo del pequeño cerdito lleno de colores e innumerables y sorprendentes detalles.
Barbara Fiore Editora ha publicado otros dos títulos ilustrados por Carll Cneut a principios de este mismo año: “Greta la loca” y “Hadabruja”

Monstruo, no me comas es un libro de gran calidad que ha sido coproducido al mismo tiempo en doce idiomas: Alemán, Danés, Esloveno, Español, Estonio, Francés, Holandés, Ingles, Italiano, Neerlandés, Portugués y Portugués de Brasil.

Diario de Jerez

¡Qué libro! Carl Norac confiesa que le gusta trabajar con este ilustrador porque va más allá de lo que dice su texto, que tiene mucho de cómico, de pensamiento lógico, de juego imaginativo, de trabalenguas de situaciones,. y el ilustrador Carll Cneut afirma que le encanta ilustrar para este autor porque le permite recrearse en su mundo plástico, que tiene un bestiario muy personal, unas formas que se esconden con otras superpuestas y hay que descubrirlas, unos colores con todas las gamas y matices, una expresividad para los personajes que va desde ninguna emoción (algo bien difícil de plasmar) hasta el grito, la risa o el cariño.

En conjunto es uno de los mejores álbumes de esta editorial, ya de por sí todos buenos, que nos permitirá releerlo numerosas veces, por el guiño del texto y por el universo único de los personajes y su entorno.

Los premios, las traducciones a numerosos idiomas y el currículum profesional de ambos autores avalan esta obra que se sale del público infantil para llegar a cualquier lector que quiera encontrarse con un buen libro.

José Garcia Oliva

CLIJ
Enero 2007

Esta pareja artística franco-belga vuelve a sorprendernos con esta obra de gran calidad coproducida al mismo tiempo en doce idiomas.
El belga Norac es capaz de parodiar, de sacar punta a los comportamientos mas normales de la infancia para divertirnos y hacernos pensar al mismo tiempo. Bajo la forma de cuento tradicional, nos presenta la peripecia de un cerdito glotón que, pese a las advertencias de su madre, come entre horas. El castigo le llegara en forma de monstruo también glotón que pretende comérselo a él. Alex retrasa el momento de ser engullido haciendo que el monstruo persiga otras persas, pero llega a la hora de la verdad…Es un texto simple, con las frases justas, con las repeticiones necesarias y con un gang final, sorpresivo e ingenioso. El belga Cneut, haciendo buen uso de la libertad que le permite el cuento, crea unas imágenes exuberantes, en las cuales destacan unos expresivos animales humanizados a golpe de vestuario de lo más cuidado y variado; unas escenas en las hasta los figurantes reciben primorosa atención y en las que el lector avisado encontrará algunas pistas, detalles que le harán sospechar que la condición del monstruo no es tan distinta de la del cerdito.

Alin

Nuestro pequeño protagonista, Álex era un cerdito con bastante apetito; se pasaba todo el día comiendo, o pensando en comer; picando entre horas, sin respetar los horarios establecidos y saludables, lo que hacía enfurecer a su mamá; Álex pensaba que ella era muy estricta, y de camino al río para lavarse, encontró unas sabrosísimas e irresistibles bayas; no obstante, al intentar alcanzar dicho manjar aparecerá un sorprendente imprevisto: un enorme monstruo, muy hambriento también, que intentará engullir a Álex.

El cerdito tendrá que usar su ingenio para evitar que el monstruo lo devore; de esta forma, intenta engañarlo argumentándole que más adelante sí que encontrará ese suculento y exquisito manjar; la paciencia del monstruo se va acabando hasta que de repente, un sorprendente y original giro en la historia, que no vamos a desvelar, hace que Álex aparezca felizmente en casa.

De nuevo, Carl Norac vuelve a sorprendernos con una obra delicada, humorística y filosófica que como afirma parece ser todo un acicate y atractivo para la infancia; tierna, lúdica e instructiva, la narración se ve complementada por la, a su vez, delicada y figurativa ilustración, que nos va acompañando a lo largo de todo el recorrido, con llamativos y radiantes colores, ofreciendo visuales imágenes de las palabras expuestas; constituyendo, eso sí, cada página o ilustración un auténtico cuadro, por su composición, plasticidad y maestría. En definitiva, la obra se resume como un cántico a la maestría y sabiduría de las mamás.

La revista dels supers

El protagonista: un petit porquet que es diu Áex. Li agrada moltíssim menjar de tot i a qualsevol hora.
L’amença: un dia, quan l’Àlex está collint móres per berenar, és atact per u terrible momstre que vol convertir-lo en el seu aperitiu.
Una bona estrategia: per no ser devorat, el porquet mira de distreure el monstre amb trucs. Ho aconseguirá?

Revista Peonza
Diciembre 2006-Abril 2007

El cerdito Álex es un poco comilón. Su mamá le sorprende comiendo entre horas y le regaña. De camino al río, para lavarse, su apetito le para delante de una fresas y también de un horrible monstruo que se le quiere comer, entre horas. El cerdito le engaña ofreciendo otros suculentos manjares que están al alcance de sus garras pero que no logra atrapar. Al fin, cansado y hambriento, el monstruo se dispone a comer al cerdito, pero en ese momento aparece su mamá, la del monstruo, y le regaña por querer comer entre horas.
La historia de Norac, narrada con acierto, destila humor y sorpresa final. Además, tine el valor añadido de la obediencia a las madres, aunque “ se pongan un poco estricto”.
Las ilustraciones de Cneut, de las que ya hemos disfrutado en otros títulos de estas editorial, profundizan en el aspecto humorístico del cuento. Las escenas se desarrollan en la página de la derecha, en un formato apaisado, quedando a la izquierda para el texto y algunos personajes de ambientes o acompañamiento. Los colores brillantes de los vestidos de los animales desdramatizan los momentos tensos de la historia.
También ayudan a este fin los pequeños personajes que contemplan, desde distintos lugares, las tribulaciones del cerdito. Resulta especialmente atractiva la imagen en la que el protagonista se encamina hacia el río, acompañado por multicolores animales. Cneut realiza una ilustración descriptiva siguiendo el camino del texto.

Nicolás Santoveña

Septiembre 2006 / Cartoné / 21 x 25 / 32 páginas / 14 €

Sinopsis

El extraordinario talento de Ann Rand para el lenguaje convierte esta exploración de las palabras una experiencia mágica. Mediante la armonía y el ritmo, la resonancia y la musicalidad, la autora invita a los lectores a escuchar el melodioso juego de los textos que se desarrolla como una canción en cada página. Ilustrado con las ingeniosas imágenes llenas de color de su marido Paul Rand, Chispas y cascabeles es un clásico infantil que revela a los jóvenes lectores el poder y la musicalidad de las palabras que utilizamos cada día.

Chispas y cascabeles es un libro sobre palabras, sobre su forma y su fondo, sobre cómo suenan y lo que significan. Mediante este precioso libro se ofrece una visión amena y divertida de la riqueza del lenguaje, tan útil y práctico que a menudo olvidamos también lo bello y variado que puede llegar a ser.

Diario de Jerez

Ya trajimos la semana pasada un precioso libro de este matrimonio y hoy damos un paso más con ellos con un nuevo libro aún más bello, más colorista, modernista, sonoro, impactante… ¡y eso que tiene cincuenta años! En los comentarios del libro “El pequeño 1” ya hablábamos de estos autores, de la escritora y el diseñador gráfico, Ann y Paul respectivamente. Si la primera es capaz de encontrar en las palabras más que las posibilidades de su significado (cómo jugar con ellas, sus sonidos, su color, sus formas, sus tamaños,…) el segundo hizo del diseño su revolución personal y permitió la entrada en Estados Unidos de corrientes vanguardistas hasta cierto punto vetadas (el constructivismo ruso, la línea de la Bauhaus, etc.).

A todo esto, hay que añadir el cuidado extremo que Barbara Fiore Editora pone en todos sus trabajos, la exigente traducción que conserve todo el espíritu del original adaptándose a su vez al castellano necesario para ello, los detalles de composición, de la tipología… Algo que comprobamos que mantienen en su completa e interesante página web.

José Garcia Oliva

Educación y Biblioteca
Nº 156 noviembre/diciembre 06

Publicado por primera vez en 1957 y 1962, respectivamente. Ahora, diez años después de la muerte de su ilustrador, Paul Rand, se traducen al castellano de la mano de Barbara Fiore. De las incursiones en el mundo del álbum infantil ilustrado por parte de figuras claves del diseño gráfico han quedado hermosas muestras a lo largo de todo el siglo XX. Han sido muchos los que han sabido ver en el álbum infantil no sólo un espacio de libertad creativa privilegiada, sino la posibilidad de acceder a un público abierto a todos los descubrimientos, un público para el que nuevos presupuestos visuales no entran en conflicto con lo preestablecido y que en un futuro harán uso de dichos códigos con absoluta naturalidad.

Considerado por muchos como el padre del diseño grafico tal y como lo entendemos hoy en día, Paul Rand supo introducir en el mercado norteamericano los presupuestos de las vanguardias europeas, especialmente del constructivismos Ruso y la Bauhaus, adaptándolos a las necesidades de un sistema capitalista en expansión. Desde las revistas en las que trabajó renovó el diseño editorial y más tarde en el campo de la publicidad llevó a cabo una revolución semejante, haciendo de la imagen corporativa un elemento imprescindible en la construcción de la identidad empresarial.

Fiel a sus ideales de racionalidad, claridad y utilidad, estos álbumes se despliegan como una síntesis de sus aspiraciones estéticas y de comunicación. Las técnicas de fotomontaje, utilización de tipografía y composiciones asimétricas, reaparecen aquí una vez más, acompañando a los textos de su esposa Ann Rand, arquitecta de formación, escribe con indudable alegría, buscando la rima y el juego con el lector. Esta musicalidad, que quizás por las dificultades de la traducción se pierde en contadas ocasiones, hará disfrutar al lector tanto en la lectura individual como en aquella que se realice en voz alta.

Chispas y cascabeles es una celebración del lenguaje.“Las palabras pueden decir. / ¡despierta, despierta! / El día es maravilloso, / brilla el sol, / todo es hermoso” La aparente sencillez de sus reflexiones responden sin embargo a uno de los asombros que nacen en la infancia y que nos acompañan de algún modo el resto de nuestra vida, el poder evocador, transformador y socializador del lenguaje.

El pequeño 1 cuenta la historia de un número que busca su lugar. Rechazado por los demás por ser sólo uno, o porque cada cual está demasiado satisfecho de ser quien es como para adaptarse y cambiar, su periplo, le llevará a encontrase con el cero junto al cual, por obra y arte de matemática amistad, se convertirán en diez. Una historia que dará confianza a los más pequeños en las veces difícil búsqueda de amistades y aceptación.

Pese al legendario mal genio del autor de la imagen de marcas como BMW, Yale o IBM, lo cierto es que ambas obras desprenden, tanto a nivel gráfico como literario, vitalidad y alegría en cada pagina. Quizás el reencuentro con estas emociones sea otro de los motivos que llevaron a Paul Rand, como a tantos otros, a dejar por un rato carteles y revistas de moda y volcar su sabiduría gráfica en estos álbumes para niños.

Catalina Gonzáles Vilar. Escritora y Librera

Revista de Literatura
Centro de Comunicación y Pedagogía

En este artículo Paula Carbonell nos habla de Paul Rand, un diseñador gráfico histórico y su trabajo como ilustrador de álbum infantil, a raíz de la publicación en España de dos de sus obras: Chispas y cascabeles y El Pequeño 1, editadas por Barbara Fiore.

Ha sido toda una alegría y una sorpresa llegar a una librería y encontrarnos con dos de los cuatro álbumes ilustrados realizados por Paul Rand.

Se editan y traducen por primera vez en España Sparkle and Spin (Chispas y cascabeles) y Little 1 (El Pequeño 1). Sólo han hecho falta 49 y 44 años respectivamente para que nuestros niños puedan disfrutar de estas dos joyas de la ilustración pero también de la Literatura Infantil.

Es una más que elogiable decisión de la editorial Barbara Fiore que últimamente nos regala cada vez más con sus aciertos.

El hecho de encontrar estos dos libros nos ha llevado a plantearnos este artículo en el que pretendemos hablarles de Paul Rand, un diseñador gráfico histórico y su trabajo como ilustrador de álbum infantil.

Pero primero, echemos un vistazo a estos dos clásicos.

En los dos casos Paul Rand ilustra textos de su mujer Ann Rand.

Sparkle and Spin (Chispas y cascabeles) es un texto exquisito, fresco y tierno.

Toda traducción es siempre una posibilidad entre mil pero en el caso de un texto rimado tan sonoro y rico la cosa se complica todavía más, Carles Andreu y Albert Vitó resuelven bien, traductores también de El Pequeño 1, respetan, en ambos casos, el espíritu del original.

Anne Rand nos dice que las palabras expresan lo que pensamos, sentimos, olvidamos, vemos, escuchamos, las palabras nombran a los que queremos, lo que hacemos, las prohibiciones, las aprobaciones. Las palabras pueden ser largas y cortas, onomatopéyicas, alegres, brillantes, oscuras, miedosas. Se gritan, se susurran, nos confunden, nos despiertan, nos mecen, nos arrullan… “All these and many more teach us how to talk to one another” (“Palabras descubrirás para eso y mucho más. Y con ellas aprenderás a hablar con los demás”).

Y si las palabras de Ann nos deleitan, en este caso, además, texto e ilustración se acompasan.

Nos encontramos con el estilo gráfico habitual de Paul Rand, plasmado a través de colores planos y de la irregularidad de los contornos geométricos. Emplea el collage con clara influencia dadaísta y cubista combinando elementos de la edición impresa: tramas, cenefas ornamentales, caracteres tipográficos aislados y descontextualizados. Se divierte convirtiendo letras en dibujos. Y utiliza grabados ilustrados muy empleados en la época sobre todo por Bradbury Thompson diseñador coetáneo suyo.

Este lenguaje sintético característico del grafista lejos de mostrarse frío resulta cargado de expresividad, tal vez por esa intervención humana que recorta manualmente las obras o quizás la ternura que desprende se deba a que tuvo muy cerca a sus receptores, porque Paul Rand ilustró estos álbumes para sus hijos con una intención claramente pedagógica.

Destacamos en este caso el uso muy puntual de la línea que ayuda a resaltar la expresividad de la que hablábamos.

El ilustrador nos ofrece páginas llenas de color frente a grandes superficies blancas sin miedo alguno al vacío y recurre a la contraforma para que sea nuestra imaginación quien rellene huecos, la gallina no está pero el niño la ve.

Little 1 (El Pequeño 1) es una retahíla deliciosa. Aprender los números puede ser algo más que un ejercicio de memorización.

El Pequeño 1 es una historia de amistad pero también de incomprensión. En su camino ni las dos peras, ni los tres osos, ni las cuatro abejas, ni los cinco paraguas, ni las seis hormigas, ni los siete ratones, ni los ocho libros, ni los nueve peces serán sus amigos. Tendrá que llegar un redondel para jugar y ser diez.

En sus imágenes muy al contrario que en el álbum reseñado anteriormente destaca la presencia de la línea sin miedo a la incorrección del trazo.

Este álbum es menos comunicador, se ve más la mano del Paul Rand artista que hizo su propia incursión en la pintura. Apreciamos un trazo menos claro, menos suave pese a ser un libro dirigido a los más pequeños. Quizás es que Paul Rand ya pensaba en educar la mirada artística de sus hijos.

Es un libro complejo, parte de un razonamiento abstracto que convierte un número: el 1, en un personaje y dota de rasgos humanos a diversos elementos: peras, paraguas y libros.

Los fondos de las ilustraciones son muy limpios, las manchas de color siempre geométricas constituyen el fondo de los objetos independientemente de la forma de éstos. Y sólo en dos momentos coincidiendo con el pesar del protagonista el negro pasa a dominar la composición.

Barbara Fiore nos entrega dos trabajos brillantes recién salidos del horno pero hechos con viejas recetas. El cocinero nos dejó hace ahora diez años pero nos legó su obra, por fin parte de ella rescatada del olvido en España.

PAUL RAND, DISEÑADOR

Paul Rand (1914-1996) está considerado el precursor del diseño moderno en EEUU. Su influencia a lo largo de generaciones es reconocida en todo el mundo. Es sin duda uno de los diseñadores más importantes del siglo XX.

Se inició en los años 30 como diseñador editorial.

Paul Rand muestra un gran conocimiento y una amplia formación personal en Historia del Arte y en particular sobre el Movimiento Moderno: Kadinsky, Klee y los Cubistas.

Este diseñador supo interpretar simbólicamente los elementos geométricos de las pinturas de las vanguardias europeas y convertir sus formas en recursos para la comunicación visual. Supo extraer de lo elitista de las vanguardias los elementos formales para adaptarlos a un lenguaje gráfico de comunicación efectiva e incluso popular.

Manejó con habilidad la yuxtaposición de los símbolos convirtiendo lo ordinario en extraordinario.

El contraste marca su obra, oponiendo figuras orgánicas frente a geometría, colores planos frente a fotografía o rasgados frente a formas definidas. Algo que hoy en día nos parece habitual pero de lo que Paul Rand fue pionero.

Es conocido fundamentalmente como creador de marcas para grandes corporaciones como: IBM, ABC, Westing House, etc…

En el año 1951 en la memoria anual de la AIGA (American Institute of Graphic Arts) se publicaron los trece mandamientos del diseño editorial que reúne la filosofía del randismo, entre los cuales podríamos destacar:

• El diseño no consiste en ordenar caprichosamente.
• La libertad de expresión no es la anarquía.
• El orden, la disciplina y las proporciones no son un monopolio de la cultura griega.
• La simplicidad no es la desnudez.
• El espacio no quiere decir espacio vacío, la articulación espacial no es la colocación arbitraria de las cosas.
• Los ladrillos de cristal no hacen moderna una casa.
• Las minúsculas y las letras de palo no hacen moderna la tipografía.
• El montaje no es la síntesis de la confusión.
• La textura no es una experiencia exclusivamente física.

Éstas eran gran parte de las reglas de Rand y para muestra su obra.

Paul Rand fue más que clarividente entendió que ser moderno no era romper con el pasado. Los parámetros clásicos no por serlo resultan antiguos, que la atemporalidad perdura mucho más que la modernidad. Supo situarse por encima de su tiempo, de tal forma que hoy en día sigue resultando sorprendentemente ejemplar.

A partir de 1955 Paul Rand comienza a trabajar de manera independiente asumiendo clientes importantes pero sin la presión de los intereses de las grandes agencias de publicidad.

Comienza a desarrollar proyectos mucho más personales en los que podemos apreciar gran interés en el trazo aparentemente infantil, sorprendente en la época. En esta línea causaron gran impacto las series de anuncios para la tabaquera “El Producto” que como ya hemos apuntado parecían dibujados por niños.

De igual modo algunos diseños de cubiertas de libros incluyen elementos iconográficos intencionadamente ingenuos. Tal vez esto lleva a la editora Margaret Mc Eldery a proponerle la realización de libros infantiles.

En un primer momento Paul Rand se muestra reticente pero su mujer Ann, arquitecto de profesión, le anima a desarrollar el proyecto en conjunto escribiendo ella los textos.

De esta manera se suceden la creación de cuatro títulos infantiles editados por Harcourt, Brace and World:

• En 1956: I know a lots of things.
• En 1957: Sparkle and Spin.
• En 1962: Little 1.
• En 1970: Listen! Listen!

Su primer trabajo I know a lots of things podría resumirse en una frase: no se puede decir más con menos. Es el paradigma del diseño gráfico llevado a un álbum infantil.

Indudablemente el trabajo del diseñador pone de manifiesto su capacidad de síntesis, debe condensar la máxima información posible en muy pocos elementos para que su intervención resulte efectiva.

En la mayoría de las ocasiones tiene que olvidar las emociones y hacer prevalecer la información por encima de todo, ser claro, conciso y concreto. Ello podría llevarnos a pensar que todo esto aplicado a la ilustración infantil pudiera dar lugar a unas imágenes frías carentes de expresividad, algo que venimos observando en muchos ilustradores actuales marcados por su actividad profesional, pero Rand consigue todo lo contrario. Su línea aporta emoción, su color, calidez y sus contrastes, sensibilidad.

I know a lots of things fue considerado por el New York Times como uno de los diez mejores libros ilustrados del año.

Nos cautiva sobre todo ese gato que nos recibe, el búho que nos observa y la hormiga que nos enternece.
Nos quedamos con el deseo de poder ofrecer a nuestros niños una pronta edición española de esta joya.

En 1970 como ya dijimos Ann y Paul pese a no compartir sus vidas (pura anécdota) realizan juntos su último libro.

Un texto ruidoso y evocador, una gran onomatopeya, que Paul Rand tardó apenas siete días en ilustrar y es que genios como él hay pocos. ¡Una semana y nos legó un tesoro!

De las ilustraciones que componen este álbum destacamos las letras parlantes que aparecen en la parte central del libro y sus colores primarios que nos invitan a rugir. Son un homenaje a la poesía sonora del Futurismo y un referente para experimentos posteriores de los años 80.

Estos cuatro tesoros desaparecieron del mercado hasta que en 1990 la editorial francesa Circonflèxe publicó Petit 1, pensamos, en ese momento, que la edición española estaría pronta pero aún tuvimos que esperar.

No fue hasta 1994 que pudimos encontrar reeditados dos de los cuatro álbumes en EEUU, tan sólo Sparkle and Spin y Little 1, aparecidos nuevamente en 2006.

En 2003 encontramos en Francia Écoute, écoute y Je sais plein choses publicados por la editorial L’ampoule.

Por fin en 2006 se editan por primera vez en España Chispas y cascabeles y El Pequeño 1.

No perdemos la esperanza de ver pronto publicados en España I know a lots of things y Listen! Listen!

Paula Carbonell Penichet, Máster en Promoción de la Lectura y Literatura Infantil y Licenciada en Humanidades. Trabaja en Animación a la Lectura para niños y formadores, y es Cuentacuentos.

Bibliografía

• HELLER, S. (1999). Paul Rand. Phaidon Press Limited, London.
• MEGGS, P. B. (2000). His - teoria del Diseño Gráfico. McGraw-Hill/Interamericana Editores.
• RAND, P. (1985). A Designer’s Art. Yale University Press, New Haven & London.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (1956). I know a lots of things. Harcourt, Brace and World, New York.
• RAND, A., ilust. RAND (1957). Sparkle and Spin. Harcourt, Brace and World, New York.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (1962). Little 1. Harcourt, Brace and World, New York.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2003). Écoute, écoute. L’ampoule, Paris.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2003). Je sais plein choses. L’ampoule, Paris.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2006). Chispas y cascabeles. Barbara Fiore Editora, Cádiz.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2006). El Pequeño 1. Barbara Fiore Editora, Cádiz.

Revista Babar

En las bibliotecas hay libros infantiles antiguos. En eso radica a veces su valor. Pero también algunos (de los sesenta y los setenta) son libros que no gustan; con olor a rancio, estropeados, que hacen que se rechacen a algunos autores o a algunas tendencias de ilustración.

El libro Chispas y cascabeles (al igual que El pequeño 1 de los mismos autores y en esta misma editorial) puede suponer un importante revulsivo en estas bibliotecas; toda vez que reivindica los buenos libros de aquel entonces, las innovadoras propuestas plásticas (en algunos casos aún vigentes) que se dieron.

Lo que pasa es que este libro está bien editado, no se nos va a quedar a trozos en las manos, es de materiales de calidad y no persigue aprovechar el papel al máximo llenándolo de texto. Además el mensaje es poético, optimista y crítico. No es un panfleto tendencioso y adoctrinador de los que en aquellos años había que tragarse. Es un libro bello, colorista, modernista, sonoro, impactante… ¡y eso que tiene cincuenta años!

Es un trabajo de la escritora y el diseñador gráfico Ann Rand y Paul Rand, respectivamente. Si la primera es capaz de encontrar en las palabras más que las posibilidades de su significado (cómo jugar con ellas, sus sonidos, su color, sus formas, sus tamaños…), el segundo hizo del diseño su revolución personal, y permitió la entrada en Estados Unidos de corrientes vanguardistas hasta cierto punto vetadas (el constructivismo ruso, la línea de la Bauhaus, etc.). El dibujo, el collage, la página como color, los juegos tipográficos, la sencillez de las formas y sus posibilidades expresivas, acompañan a un texto que se puede leer en cualquier orden, que apetece escucharlo leído en voz alta, que seguro será releído. Es tanta la compenetración que puede parecer que los textos se hicieron después que las ilustraciones.

A todo esto, hay que añadir el cuidado extremo que Barbara Fiore Editora pone en todos sus trabajos, la exigente traducción, que conserva todo el espíritu del original pero adaptándose a su vez al castellano, los detalles de la composición, de la tipología… Y la reseña que nos ofrece de la pareja de autores al final del libro y en su página web.

Septiembre 2006 / Cartoné / 21 x 25 / 32 páginas / 14 €

Sinopsis

Una muy inspirada aproximación al mundo de los números que utiliza ilustraciones tan simples como bellas para presentar a un personaje, el número uno, que sólo desea desprenderse de la soledad y encontrar su lugar entre los demás números, que lo rechazan una vez y otra por ser solamente uno.

Revista de Literatura
Centro de Comunicación y Pedagogía

En este artículo Paula Carbonell nos habla de Paul Rand, un diseñador gráfico histórico y su trabajo como ilustrador de álbum infantil, a raíz de la publicación en España de dos de sus obras: Chispas y cascabeles y El Pequeño 1, editadas por Barbara Fiore.

Ha sido toda una alegría y una sorpresa llegar a una librería y encontrarnos con dos de los cuatro álbumes ilustrados realizados por Paul Rand.

Se editan y traducen por primera vez en España Sparkle and Spin (Chispas y cascabeles) y Little 1 (El Pequeño 1). Sólo han hecho falta 49 y 44 años respectivamente para que nuestros niños puedan disfrutar de estas dos joyas de la ilustración pero también de la Literatura Infantil.

Es una más que elogiable decisión de la editorial Barbara Fiore que últimamente nos regala cada vez más con sus aciertos.

El hecho de encontrar estos dos libros nos ha llevado a plantearnos este artículo en el que pretendemos hablarles de Paul Rand, un diseñador gráfico histórico y su trabajo como ilustrador de álbum infantil.

Pero primero, echemos un vistazo a estos dos clásicos.

En los dos casos Paul Rand ilustra textos de su mujer Ann Rand.

Sparkle and Spin (Chispas y cascabeles) es un texto exquisito, fresco y tierno.

Toda traducción es siempre una posibilidad entre mil pero en el caso de un texto rimado tan sonoro y rico la cosa se complica todavía más, Carles Andreu y Albert Vitó resuelven bien, traductores también de El Pequeño 1, respetan, en ambos casos, el espíritu del original.

Anne Rand nos dice que las palabras expresan lo que pensamos, sentimos, olvidamos, vemos, escuchamos, las palabras nombran a los que queremos, lo que hacemos, las prohibiciones, las aprobaciones. Las palabras pueden ser largas y cortas, onomatopéyicas, alegres, brillantes, oscuras, miedosas. Se gritan, se susurran, nos confunden, nos despiertan, nos mecen, nos arrullan… “All these and many more teach us how to talk to one another” (“Palabras descubrirás para eso y mucho más. Y con ellas aprenderás a hablar con los demás”).

Y si las palabras de Ann nos deleitan, en este caso, además, texto e ilustración se acompasan.

Nos encontramos con el estilo gráfico habitual de Paul Rand, plasmado a través de colores planos y de la irregularidad de los contornos geométricos. Emplea el collage con clara influencia dadaísta y cubista combinando elementos de la edición impresa: tramas, cenefas ornamentales, caracteres tipográficos aislados y descontextualizados. Se divierte convirtiendo letras en dibujos. Y utiliza grabados ilustrados muy empleados en la época sobre todo por Bradbury Thompson diseñador coetáneo suyo.

Este lenguaje sintético característico del grafista lejos de mostrarse frío resulta cargado de expresividad, tal vez por esa intervención humana que recorta manualmente las obras o quizás la ternura que desprende se deba a que tuvo muy cerca a sus receptores, porque Paul Rand ilustró estos álbumes para sus hijos con una intención claramente pedagógica.

Destacamos en este caso el uso muy puntual de la línea que ayuda a resaltar la expresividad de la que hablábamos.

El ilustrador nos ofrece páginas llenas de color frente a grandes superficies blancas sin miedo alguno al vacío y recurre a la contraforma para que sea nuestra imaginación quien rellene huecos, la gallina no está pero el niño la ve.

Little 1 (El Pequeño 1) es una retahíla deliciosa. Aprender los números puede ser algo más que un ejercicio de memorización.

El Pequeño 1 es una historia de amistad pero también de incomprensión. En su camino ni las dos peras, ni los tres osos, ni las cuatro abejas, ni los cinco paraguas, ni las seis hormigas, ni los siete ratones, ni los ocho libros, ni los nueve peces serán sus amigos. Tendrá que llegar un redondel para jugar y ser diez.

En sus imágenes muy al contrario que en el álbum reseñado anteriormente destaca la presencia de la línea sin miedo a la incorrección del trazo.

Este álbum es menos comunicador, se ve más la mano del Paul Rand artista que hizo su propia incursión en la pintura. Apreciamos un trazo menos claro, menos suave pese a ser un libro dirigido a los más pequeños. Quizás es que Paul Rand ya pensaba en educar la mirada artística de sus hijos.

Es un libro complejo, parte de un razonamiento abstracto que convierte un número: el 1, en un personaje y dota de rasgos humanos a diversos elementos: peras, paraguas y libros.

Los fondos de las ilustraciones son muy limpios, las manchas de color siempre geométricas constituyen el fondo de los objetos independientemente de la forma de éstos. Y sólo en dos momentos coincidiendo con el pesar del protagonista el negro pasa a dominar la composición.

Barbara Fiore nos entrega dos trabajos brillantes recién salidos del horno pero hechos con viejas recetas. El cocinero nos dejó hace ahora diez años pero nos legó su obra, por fin parte de ella rescatada del olvido en España.

PAUL RAND, DISEÑADOR

Paul Rand (1914-1996) está considerado el precursor del diseño moderno en EEUU. Su influencia a lo largo de generaciones es reconocida en todo el mundo. Es sin duda uno de los diseñadores más importantes del siglo XX.

Se inició en los años 30 como diseñador editorial.

Paul Rand muestra un gran conocimiento y una amplia formación personal en Historia del Arte y en particular sobre el Movimiento Moderno: Kadinsky, Klee y los Cubistas.

Este diseñador supo interpretar simbólicamente los elementos geométricos de las pinturas de las vanguardias europeas y convertir sus formas en recursos para la comunicación visual. Supo extraer de lo elitista de las vanguardias los elementos formales para adaptarlos a un lenguaje gráfico de comunicación efectiva e incluso popular.

Manejó con habilidad la yuxtaposición de los símbolos convirtiendo lo ordinario en extraordinario.

El contraste marca su obra, oponiendo figuras orgánicas frente a geometría, colores planos frente a fotografía o rasgados frente a formas definidas. Algo que hoy en día nos parece habitual pero de lo que Paul Rand fue pionero.

Es conocido fundamentalmente como creador de marcas para grandes corporaciones como: IBM, ABC, Westing House, etc…

En el año 1951 en la memoria anual de la AIGA (American Institute of Graphic Arts) se publicaron los trece mandamientos del diseño editorial que reúne la filosofía del randismo, entre los cuales podríamos destacar:

• El diseño no consiste en ordenar caprichosamente.
• La libertad de expresión no es la anarquía.
• El orden, la disciplina y las proporciones no son un monopolio de la cultura griega.
• La simplicidad no es la desnudez.
• El espacio no quiere decir espacio vacío, la articulación espacial no es la colocación arbitraria de las cosas.
• Los ladrillos de cristal no hacen moderna una casa.
• Las minúsculas y las letras de palo no hacen moderna la tipografía.
• El montaje no es la síntesis de la confusión.
• La textura no es una experiencia exclusivamente física.

Éstas eran gran parte de las reglas de Rand y para muestra su obra.

Paul Rand fue más que clarividente entendió que ser moderno no era romper con el pasado. Los parámetros clásicos no por serlo resultan antiguos, que la atemporalidad perdura mucho más que la modernidad. Supo situarse por encima de su tiempo, de tal forma que hoy en día sigue resultando sorprendentemente ejemplar.

A partir de 1955 Paul Rand comienza a trabajar de manera independiente asumiendo clientes importantes pero sin la presión de los intereses de las grandes agencias de publicidad.

Comienza a desarrollar proyectos mucho más personales en los que podemos apreciar gran interés en el trazo aparentemente infantil, sorprendente en la época. En esta línea causaron gran impacto las series de anuncios para la tabaquera “El Producto” que como ya hemos apuntado parecían dibujados por niños.

De igual modo algunos diseños de cubiertas de libros incluyen elementos iconográficos intencionadamente ingenuos. Tal vez esto lleva a la editora Margaret Mc Eldery a proponerle la realización de libros infantiles.

En un primer momento Paul Rand se muestra reticente pero su mujer Ann, arquitecto de profesión, le anima a desarrollar el proyecto en conjunto escribiendo ella los textos.

De esta manera se suceden la creación de cuatro títulos infantiles editados por Harcourt, Brace and World:

• En 1956: I know a lots of things.
• En 1957: Sparkle and Spin.
• En 1962: Little 1.
• En 1970: Listen! Listen!

Su primer trabajo I know a lots of things podría resumirse en una frase: no se puede decir más con menos. Es el paradigma del diseño gráfico llevado a un álbum infantil.

Indudablemente el trabajo del diseñador pone de manifiesto su capacidad de síntesis, debe condensar la máxima información posible en muy pocos elementos para que su intervención resulte efectiva.

En la mayoría de las ocasiones tiene que olvidar las emociones y hacer prevalecer la información por encima de todo, ser claro, conciso y concreto. Ello podría llevarnos a pensar que todo esto aplicado a la ilustración infantil pudiera dar lugar a unas imágenes frías carentes de expresividad, algo que venimos observando en muchos ilustradores actuales marcados por su actividad profesional, pero Rand consigue todo lo contrario. Su línea aporta emoción, su color, calidez y sus contrastes, sensibilidad.

I know a lots of things fue considerado por el New York Times como uno de los diez mejores libros ilustrados del año.

Nos cautiva sobre todo ese gato que nos recibe, el búho que nos observa y la hormiga que nos enternece.
Nos quedamos con el deseo de poder ofrecer a nuestros niños una pronta edición española de esta joya.

En 1970 como ya dijimos Ann y Paul pese a no compartir sus vidas (pura anécdota) realizan juntos su último libro.

Un texto ruidoso y evocador, una gran onomatopeya, que Paul Rand tardó apenas siete días en ilustrar y es que genios como él hay pocos. ¡Una semana y nos legó un tesoro!

De las ilustraciones que componen este álbum destacamos las letras parlantes que aparecen en la parte central del libro y sus colores primarios que nos invitan a rugir. Son un homenaje a la poesía sonora del Futurismo y un referente para experimentos posteriores de los años 80.

Estos cuatro tesoros desaparecieron del mercado hasta que en 1990 la editorial francesa Circonflèxe publicó Petit 1, pensamos, en ese momento, que la edición española estaría pronta pero aún tuvimos que esperar.

No fue hasta 1994 que pudimos encontrar reeditados dos de los cuatro álbumes en EEUU, tan sólo Sparkle and Spin y Little 1, aparecidos nuevamente en 2006.

En 2003 encontramos en Francia Écoute, écoute y Je sais plein choses publicados por la editorial L’ampoule.

Por fin en 2006 se editan por primera vez en España Chispas y cascabeles y El Pequeño 1.

No perdemos la esperanza de ver pronto publicados en España I know a lots of things y Listen! Listen!

Paula Carbonell Penichet, Máster en Promoción de la Lectura y Literatura Infantil y Licenciada en Humanidades. Trabaja en Animación a la Lectura para niños y formadores, y es Cuentacuentos.

Bibliografía

• HELLER, S. (1999). Paul Rand. Phaidon Press Limited, London.
• MEGGS, P. B. (2000). His - teoria del Diseño Gráfico. McGraw-Hill/Interamericana Editores.
• RAND, P. (1985). A Designer’s Art. Yale University Press, New Haven & London.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (1956). I know a lots of things. Harcourt, Brace and World, New York.
• RAND, A., ilust. RAND (1957). Sparkle and Spin. Harcourt, Brace and World, New York.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (1962). Little 1. Harcourt, Brace and World, New York.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2003). Écoute, écoute. L’ampoule, Paris.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2003). Je sais plein choses. L’ampoule, Paris.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2006). Chispas y cascabeles. Barbara Fiore Editora, Cádiz.
• RAND, A., ilust. RAND, P. (2006). El Pequeño 1. Barbara Fiore Editora, Cádiz.

Educación y Biblioteca
Nº 156 noviembre/diciembre 06

Publicado por primera vez en 1957 y 1962, respectivamente. Ahora, diez años después de la muerte de su ilustrador, Paul Rand, se traducen al castellano de la mano de Barbara Fiore. De las incursiones en el mundo del álbum infantil ilustrado por parte de figuras claves del diseño gráfico han quedado hermosas muestras a lo largo de todo el siglo XX. Han sido muchos los que han sabido ver en el álbum infantil no sólo un espacio de libertad creativa privilegiada, sino la posibilidad de acceder a un público abierto a todos los descubrimientos, un público para el que nuevos presupuestos visuales no entran en conflicto con lo preestablecido y que en un futuro harán uso de dichos códigos con absoluta naturalidad.

Considerado por muchos como el padre del diseño grafico tal y como lo entendemos hoy en día, Paul Rand supo introducir en el mercado norteamericano los presupuestos de las vanguardias europeas, especialmente del constructivismos Ruso y la Bauhaus, adaptándolos a las necesidades de un sistema capitalista en expansión. Desde las revistas en las que trabajó renovó el diseño editorial y más tarde en el campo de la publicidad llevó a cabo una revolución semejante, haciendo de la imagen corporativa un elemento imprescindible en la construcción de la identidad empresarial.

Fiel a sus ideales de racionalidad, claridad y utilidad, estos álbumes se despliegan como una síntesis de sus aspiraciones estéticas y de comunicación. Las técnicas de fotomontaje, utilización de tipografía y composiciones asimétricas, reaparecen aquí una vez más, acompañando a los textos de su esposa Ann Rand, arquitecta de formación, escribe con indudable alegría, buscando la rima y el juego con el lector. Esta musicalidad, que quizás por las dificultades de la traducción se pierde en contadas ocasiones, hará disfrutar al lector tanto en la lectura individual como en aquella que se realice en voz alta.

Chispas y cascabeles es una celebración del lenguaje.“Las palabras pueden decir. / ¡despierta, despierta! / El día es maravilloso, / brilla el sol, / todo es hermoso” La aparente sencillez de sus reflexiones responden sin embargo a uno de los asombros que nacen en la infancia y que nos acompañan de algún modo el resto de nuestra vida, el poder evocador, transformador y socializador del lenguaje.

El pequeño 1 cuenta la historia de un número que busca su lugar. Rechazado por los demás por ser sólo uno, o porque cada cual está demasiado satisfecho de ser quien es como para adaptarse y cambiar, su periplo, le llevará a encontrase con el cero junto al cual, por obra y arte de matemática amistad, se convertirán en diez. Una historia que dará confianza a los más pequeños en las veces difícil búsqueda de amistades y aceptación.

Pese al legendario mal genio del autor de la imagen de marcas como BMW, Yale o IBM, lo cierto es que ambas obras desprenden, tanto a nivel gráfico como literario, vitalidad y alegría en cada pagina. Quizás el reencuentro con estas emociones sea otro de los motivos que llevaron a Paul Rand, como a tantos otros, a dejar por un rato carteles y revistas de moda y volcar su sabiduría gráfica en estos álbumes para niños.

Catalina Gonzáles Vilar. Escritora y Librera

CLIJ
Cuadernos de Literatura Infantil y Juvenil

Año 19, Número 198, Noviembre 2006
Por primera vez en nuestro país ve la luz El pequeño 1, un clásico infantil del siglo XX, fechado concretamente en 1962, firmado por el estadounidense Paul Rand, conocido popularmente como Papalogo, uno de los diseñadores grafico mas innovadores e influyentes del siglo XX, creador de famosos logotipos como el IBM o el de la cadena de la televisión ABC. Influenciado por las vanguardias europeas, Rand desarrolló un estilo gráfico único que también plasmó en cuatro libros infantiles escritos por su esposa Ann Rand y, pensados para la hija de ambos.

En El pequeño 1, los Rand convierten el aprendizaje de los números y de las sumas sencillas en una entrañable historia de rechazo pero también de amistad. El pequeño 1 anhela poder estar con otros números, pero todos se lo quitan de encima con diferentes excusas; nadie parece quererlo, ni las dos peras, ni los nueves peces, hasta que aparece un arco colorado.
Un álbum con sus dosis de ingenuidad e ingenio, que tontea con las rimas, que incluye juegos de palabras y las imágenes sencillas, sugerentes, en las que los números se reencarnan en frutas, animales o libros; un prodigio de diseño al servicio de una historia que muestra a la vez vocación pedagógica y lúdica.
Barbara Fiore ha publicado, de los mismos autores, Chispas y cascabeles, sobre el mundo de las palabras. La parición de estas obras coincide con el décimo aniversario de la muerte de este creador único.

Raseñado entre LOS IMPERDIBLES

Alin

El pequeño 1, es un clásico de la literatura infantil, publicado por el matrimonio Rand en 1961, que este año la editorial Bárbara Fiore reedita por su sencillez y maestría; se trata de una obra para los más pequeños, llena de juegos de palabras, con el número uno como protagonista absoluto, que se lanza en busca de la amistad del resto de los números, y va descubriendo como todos le van dando de lado, poco a poco; además, se trata de una propuesta lúdica con la que poder ir aprendiendo los números del uno al diez y diferentes sumas entre dígitos, todo ello, envuelto con la diversión, que contrasta con la soledad del protagonista.
Las sencillas y diáfanas imágenes recrean mediante singulares trazos, de gran calidad artística acompañadas de llamativos colores, el especial universo de esta historia sobre la amistad en la que los números singularizan una original y clásica historia. Así que: ¡Suma y sigue!

Mayo 2006 / Cartoné / 25 x 30 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

«Al principio no había nada. Cuesta mucho imaginar una cosa así. Todo lo que ahora existe, ha de dejar de existir. Prueba a apagar la luz, e incluso tú mismo has de desaparecer, y luego también debes olvidar la oscuridad, porque al principio no había nada, tampoco la oscuridad. Si quieres ver el principio de las cosas, debes hacer desaparecer muchas cosas. Incluso a tu madre.»
El autor neerlandés Bart Moeyaert escribe una adaptación personal y poética de La Creación. Un hombre pequeño acompaña a Dios durante una semana, la semana de la creación del mundo, al principio de todas las cosas, cuando todavía no existía nada. Un texto original, nutrido de sutilidad y humor, y acompañado de las ilustraciones estilizadas de Wolf Erlbruch.

Exitexpress

Del 13 al 16 de este mes se celebra en Bolonia la Feria del Libro Iinfantil, en la que España es en esta ocasión el país invitado, y donde unos desdichados criterios ministeriales respecto a la selección se han acabado traduciendo en que los visitantes a este encuentro no verán exactamente a los mejores de nuestros ilustradores, aunque alguno ha quedado en la criba, sino a un plantel en el que nuestras editoriales tienen depositadas actualmente sus esperanzas comerciales.

Pero allí, en Bolonia, ahora hace un año, se premiaba en el apartado Ficción 2004 como el mejor libro a La gran pregunta de Wolf Erlbruch, seguramente uno de los pocos auténticamente grandes de la ilustración que hoy existen en el mundo, y del que quisiera comentarles algunas cosas

Erlbruch nació en Wuppertat en 1948, y lo único que le quedó de su paso infantil por las escuelas fue un odio hacia las mismas, hasta que, a punto de entrar en la veintena, se encontró con el dibujo en la Folkwanscbule filr Gestaltung de Essen-Werden. A la salida de aquel centro volcaría sus esfuerzos en el diseño y en la ilustración, en la última de las cuales fue haciendo un recorrido por Play Boy, Esquire o Stern. Hasta que la casualidad le puso en contacto con la literatura infantil en 1985, fecha en la que le encargaron ilustrar la obra del ghanés James Aggrey El águila que no quería volar.

Y fue, a partir de ese instante, en que, paulatinamente, y con una audacia creciente, fue encontrando su voz y su línea en este ámbito hasta llegar a ser uno de los dos o tres auténticamente grandes.

¿Qué es lo que le ha hecho singular? por un lado, su altísima capacidad como dibujante vinculado a la mejor tradición (el noruego Olaf Gulbransson, a la cabeza), destreza que parece últimamente arrinconada por la creciente moda de que los libros ilustrados deben regirse mas por las tendencias que por la generosidad de habilidades. Pueden ver, al respecto, dentro de su pobre representación en el mercado español, títulos como El topo que quería saber quién había hecho aquello en su cabeza en Alfaguara, Los cinco horribles en Juventud, El milagro del oso en lóguez, o El taller de las mariposas en Barbara Fiore Editora, que les confirmaran que hacia tiempo que no veían dibujar con esa sabiduría.

Por otro lado, cuando ha decidido ser el autor de sus textos ha demostrado la coherencia con una brillante línea ideológica en la que el conocimiento nace siempre de la duda continua: el oso que sabe cómo hablar y comer, pero pregunta a todo el mundo acerca de su comportamiento para ser padre, u, otro ejemplo, el conjunto de personajes -un piloto, un niño, la muerte, un boxeador…- que, en la obra galardonada en bolonia, se interrogan sobre su papel en la tierra, todo lo cual está tan ingeniosamente expuesto que es una de esas pocas ocasiones en las que los libros hacen de intermediarios para que los adultos sepamos más de los niños y ellos más de nosotros (cuán brillante es esa por la noche, en sm, en la que pedro recorre la ciudad de la mano de un padre somnoliento incapaz de ver todas las maravillas que hay en la oscuridad).

Pero el gran, el grandísimo Erlbruch, hoy catedrático de dibujo en la universidad de su ciudad natal, es el que apoya su visión del mundo con apelaciones gráficas a la memoria individual y colectiva: fondos de papeles cuadriculados de los viejos cuadernos, mapas, sellos de goma, imágenes de antiguas enciclopedias ilustradas, paneles de estampados caseros que, en collage con sus poderosos dibujos, sirven para recordar que los grandes sentimientos tienen también su propia topografía. Y en este punto nos toca esperar a que las editoriales españolas se animen con Die grobe frage, Das hexen-enma-eins (sobre texto de Goethe), Zehn grüne heringe…, o Neues abc-buch de Karl Philipp Moritz, el último de los cuales Barbara Fiore Editora publicara dentro de unos meses.

Felipe Cava

El Cultural

En una línea totalmente diferente, nos encontramos con que comienzan a ser traducidos en España una serie de libros, en su mayoría alemanes, que “rescatan” textos filosóficos o poéticos de pensadores consagrados. Con un planteamiento visual experimental y riguroso, propician novedosas interpretaciones y acercan este legado a los lectores de un modo inteligente. Barbara Fiore ha venido editando los libros que Wolf Erlbruch ha realizado en esta dirección. En La Creación nos encontramos con una puesta en escena irreverente y estimulante del oratorio de Haydn, inspirada en una producción de Bart Moeyaert junto al Nederlands Blazers Ensemble.

Gustavo Puerta Leisse

Revista Peonza
Octubre 2006

Este álbum tiene su origen en una colaboración de su autor con la “Neederlands Blazers Ensemble” para la producción teatral musical de La creación de Haydn, así que su lectura puede ser, también, un buen pretexto para escuchar esa hermosa composición. En esta publicación los elementos musicales y escenográficos han sido sustituidos por las ilustraciones de Wolf Erlbruch.

Se trata de una obra original por el tema que trata y por la manera de hacerlo. A pesar de la importancia de las cosmologías en la historia de la humanidad y de la necesidad del niño de encontrar una explicación al origen del mundo en el que vive, no es un tema frecuente en la literatura infantil. Se puede tratar de manera cientifíca, el camino más apropriado es el área de ciencias narurales, o manera mítica, como en el libro que comentamos.

Lo original de esta propuesta es el tono desenfadado, con toques de humor, que adopta Bart Moeyaert y la incitación al lector para imaginar la nada y el proceso creativo posterior. Dios se siente satisfecho de su creación pero, al final, parece tener alguna duda sobre el ser humano.

Las ilustraciones, de trazo sencillo, describen a un Dios bondadoso y a un hombre diminuto, sorprendido y un poco acomplejado. La técnica del collage se complementa con el empleo de la acuarela y el predominio de los espacios en blanco.

Revista Babar

Nos encontramos ante un libro álbum de edición muy cuidada. Imaginemos que estamos en el primer día de la Creación: lo primero que se hizo fue la luz. Este libro es una confabulación de claro-oscuros. Las ilustraciones de Wolf Erlbruch iluminan/aclaran el oscuro texto de Bart Moyaert. Lo único que molesta, a mi parecer, son ciertos adornos en la tipografía, repartidos aleatoriamente a lo largo del texto. Pero nos falta el original para comprobar si no nos estamos equivocando para hacer esta valoración. Aunque desde hace algunos años se viene experimentando con la tipografía, rara es la ocasión en que el resultado es completamente satisfactorio. ¿Por qué? Porque queda reducido a un mero adorno carente de significado para el lector, no se trata de una llave que nos facilitara algún tipo de incursión más profunda en las entrañas del libro.

Este libro álbum es realmente un delicioso ejercicio de imaginación. Es un doble reto: por un lado, sólo cuando consigas hacer desaparecer muchas cosas, incluso a tu propia madre, lograrás imaginarte cómo es la nada, y por otro, después de este esfuerzo, volver a ubicar en esa nada a Dios, al protagonista y encima, por ejemplo, una silla, para esperar más cómodamente a que ocurra algo. Porque sin los personajes, las cosas: ¿de qué se podría hablar? ¿Qué se puede expresar sin conceptos, sin palabras? La nada al mismo tiempo es algo muy simple, pero terriblemente complicado. Hagamos un esfuerzo, intentemos imaginarnos la presencia de una nada voraz y al mismo tiempo plana, la que todo engulle y nada contiene. Comprobaremos que nuestra imaginación merma con los años. Quiero creer, estoy prácticamente segura, de que aunque esté en juego la propia madre (refencia esencial durante muchos años), se trata de un ejercicio mucho más fácil para los niños: «Si quieres ver el principio de las cosas, debes hacer desaparecer muchas cosas. Incluso a tu madre».

Un discurso inteligente, poético, nada superfluo ni facilón (aunque complicado, oscuro y críptico para niños) y desde una perspectiva muy actual contrasta con las imágenes sencillas, luminosas, de trazo etéreo que se concretan cuando van apareciendo los objetos tangibles de las manos de Dios. Sencillas, sí, pero magistrales; Wolf Erlbruch se atreve con inmensas páginas blancas en las que sitúa sus ilustraciones mínimamente coloreadas. Naturalmente esta situación va cambiando según la nada desaparece bajo el mundo material, pero aún así, el blanco es el telón de fondo de su imaginario.

Sus ilustraciones de trazo muy simple son tremendamente expresivas. Uno no deja de asombrarse cuando vuelve a constatar lo expresivo que puede ser un simple trazo, el significado que puede tener una línea… Fruto de esta expresividad son unos personajes terriblemente simpáticos: justo en la frontera genial del cliché, en el mejor de los sentidos, y la firma del autor. No nos extraña su apariencia y, al mismo tiempo, son ilustraciones vivas, con carisma, frescura y originalidad.
El texto de Bart Moyaert es otra delicia que te deja volando en un extraño lugar en el que confluye lo sabido, lo que ya hemos leído con anterioridad y una nueva perspectiva, la de un ser humano actual e inconformista, un hombre desnudo y con sombrero. Su misión: la Creación como espectáculo precisa de un público, un espectador. Un hombre consciente de su pequeñez en el universo y que, aún así, se enfada por ser un mero espectador, orgullo herido al ver hay alguien más poderoso que él. Nuestro Dios es parco en palabras, es un obrante, operante, la acción más allá del pensamiento. Es humano en su cansancio al séptimo día, cae rendido, se queda dormido como un bebé. Es divino en su capacidad de disfrutar de su obra. Es simple y prepotente al mismo tiempo.

Lo que más nos extraña de esta visión moderna de la Creación es el desenlace. ¿Pero podíamos esperar otro? ¿En el título no leemos claramente dos palabras: La Creación? El desencanto y el disgusto de nuestro hombrecito con bombín desaparecen cuando recibe a su compañera, al otro igual a su naturaleza que necesita para poder disfrutar de la Creación, una mujer con la que poder compartir y así matar la propia soledad. ¿Machista? Simplemente la esencia cultural de lo que es la Creación, pero nos choca mucho más después de haber volado en significados más libres. De hecho, la mujer que surge es de un rojo tierra, el color más fuerte de todo el álbum.

Un álbum interesante. Nos abre signos de interrogación, nos deleita… ¿Como único álbum en nuestra estantería? No lo creo, le falta una vuelta de tuerca para ser uno de esos álbumes más representativos y esplendorosos. Y al niño tendremos que guiarle entre las palabras, con las imágenes no será necesario…

Moka Seco Reeg

Abril 2006 / Cartoné / 24 x 32 / 32 páginas / 15 €

Sinopsis

Margarita era una niña adorable, una preciosidad, una muñequita encantadora. Hasta que creció lo suficiente para ser traviesa. Entonces la dulce Margarita se convirtió en Margarita, Margarita la traviesa. Y luego se volvió aún más mala. Y Margarita pasó a ser Greta, Greta la loca. Decía palabrotas y chillaba, soltaba patadas y puñetazos. Solía gritar –¡Iros al infierno!. –¡Vete tú! –le contestaban. Y un día Greta se marchó, directa hacia el infierno, a buscar al diablo para preguntarle si la querría. Pero el diablo no la tomó. El diablo jamás toma nada él mismo porque uno tiene que entregarse. Greta la loca es una nueva visión de una vieja obra maestra, Dulle Griet de Pieter Brueghel. Geert De Kockere descubre una nueva historia en el cuadro, esta es la idea que se esconde tras este libro y Carll Cneut dibuja una historia nueva a partir de su visión de esta vieja pintura.

Revista Lazarillo
Año 2007- n17

Perfecto libro para suscitar polémicas, si en el ámbito de la literatura infantil-juvenil la polémica fuera posible.

De todas formas, la discusión se deslizará por las escurridas vías de lo adecuado y no adecuado para niños y jóvenes y debemos recordar que la editorial no cataloga este álbum para ninguna franja de edad específica.

Desde aquí reconocemos no estar cualificados para especificar la edad de uso, y puesto que lo consideraremos un álbum indispensable en cualquier biblioteca, sugerimos le lectura previa antes de su catalogación.

La recomendación de este libro llega, como en tantas ocasiones, desde la más sentimental de nuestras subjetividades. La consciente admiración por el libro surge por el solo ejercicio de su lectura. Por tanto, es posible que el análisis racional del álbum se manipule inconscientemente para dar apoyatura a esa admiración inicial tan subjetiva.

Desde luego, su lectura es obligado desde el momento que vemos la portado,  manchurrón de color caput mortem, cabeza de muerto, que decíamos en bellas Artes, allá por los 60. Hasta viniendo de Barbara Fiore resultaba demasiado rompedor. Después, comenzaron los prejuicios: presentación de un personaje estridente, maleducado, agresivo…Seguro que la historia acabaría enseñando a los niños a asumir las diferencias; aparecería un protagonista cuya inocencia le incapacitase para percibir el mal y conseguiría reciclar al Greta-monstruo para un nuevo mundo de color mantequilla. Confieso que me estaba reconociendo en mi propia ira.

Pero al pasar las páginas se hace evidente que la historia no es infantil.

La agresividad de Greta pasa a convertirse en asesinato, su entorno en pesadilla obscena y su objetivo el satanismo. Greta es un cuento dramático, como los clásicos, pero sin hada que ayude a la redención. Es la historia de una consciente y brutal autodestrucción. El texto es unidireccional, sin pausas para descripciones, sin razonamientos; rápido, insistente y obsesivo. La imagen se va enturbiando hasta fundirse con el cuadro de P. Brueghel.

Al cerrar el libro se vuelve a respirar.

Alberto Urdiales Valiente

revistababar.com
literatura infantil y juvenil

Cuando encontré este álbum lo primero que me llamó la atención fue la cubierta, oscura, con veladuras en tonos más claros que como si fueran arañazos contribuyen a enfatizar el ya enigmático título, Greta la loca. Acto seguido, di la vuelta al libro, para observar la contracubierta, dando por supuesto que la tonalidad oscura compuesta por veladuras, como si de un cuadro abstracto se tratara, continuaría. Pero cuál fue mi sorpresa cuando descubrí, lejos de mi prejuicio, una reproducción del cuadro de Brueghel el Viejo, Greta la loca. En este momento los elementos de presentación comenzaban a encajar, pero… ¿qué podría albergar entre sus páginas este peculiar álbum?

El autor ha creado una historia a partir del cuadro de Brueghel. En ella nos cuenta la vida del personaje de Greta la loca y su entrada en la boca del infierno, representado a la izquierda en el cuadro, en busca del diablo. Greta, que de niña era conocida con el nombre de Margarita, va enloqueciendo ya desde la infancia, se va convirtiendo en un ser violento, cruel, rechazado por los demás, y su propia locura le llevará al suicidio. 

Carll Cneut ha recreado en imágenes el texto de Geert De Kockere. Unas interesantes ilustraciones que, siendo diferentes al cuadro de Brueghel, resultan a la vez muy afines. El paralelismo entre las dos obras pictóricas se aprecia a simple vista, pero es mayor si uno observa los personajes de una y otra composición, se descubren varios parecidos. Ya el cuadro conforma una pintura ruidosa, en la que el espectador, si se detiene, puede escuchar sonidos metálicos, gritos espeluznantes, campanas, el chisporrotear del fuego, etc. Esta misma “ambientación sonora” la ha reproducido el ilustrador en el álbum, donde las figuras aparecen representadas de forma plana y las arquitecturas responden a diferentes perspectivas.

Este ilustrador, que tiene publicados en este mismo sello editorial otros dos álbumes: Hadabruja y Monstruo no me comas, ha conseguido aunar en Greta la loca una aparente contradicción estética: la belleza de lo horrible, o la armonía de lo esperpéntico.

Autor e ilustrador han dado vida al conocido cuadro Dulle Griet (Greta la loca, 1561-1562), pintura en la que se ve claramente la importancia del simbolismo que Brueghel tomó de El Bosco, y donde los personajes, tratados con una ironía burlesca, crean una atmósfera delirante. En este cuadro se aprecian los temas elegidos por Brueghel, donde existe la dualidad de si lo representado era fruto de sus sueños, o si reproducía el realismo social que implica toda sátira.

Volviendo a la cubierta, que en mí produjo un impacto ineludible, atrayéndome como un agujero negro, vaticina el mundo oscuro en el que se va a desarrollar la cruel historia de Greta.

Barbara Fiore nos tiene acostumbrados a libros de calidad, editados de forma cuidada. Sin duda, está llevando a cabo una buena labor, dando a conocer álbumes extranjeros de grandes ilustradores vivos, y rescatando álbumes publicados en los años cincuenta como los dos más recientes: Chispas y cascabeles y El pequeño 1. Greta la loca quizás es el libro más atrevido de su catálogo, invita a adentrarse en el mundo de la pintura flamenca y en las complejidades del ser humano. Sin lugar a dudas invita al debate.

Escrito por Ana Sancho  

Asociación ALIN
Amigos del Libro Infantil y Juvenil
Los diez principales

Partiendo del cuadro Dulle Griet, Greta la loca, un espeluznante y horripilante paisaje renacentista en tonos ocres, amarillentos y cetrinos, esta nueva propuesta literaria con el mismo título del cuadro resulta una novedosa visión sobre aquella obra artística; se trata, de hecho, de otra vuelta de tuerca sobre el mal, sobre su influjo y poder, y sobre su letal final.

Nuestra protagonista, Margarita, era una dulce y encantadora niña, hasta que creció lo suficiente para ser traviesa, realizar ciertas travesuras (decir palabrotas, pegar patadas o vociferar) y convertirse en Margarita la traviesa, y más adelante en Greta la loca, a la que nadie ya quería hacer caso; aislada y más enfurecida Greta decidió bajar al infierno para buscar al diablo y preguntarle si quería que se quedará con él. ¿qué le sucederá allí?

Impactante es el final que nos propone este álbum para jóvenes marcado con el sello de lo tétrico y macabro, escabroso y depravado: el mal en estado puro; diferentes tipografias según los narradores y unas aterradoras ilustraciones entonadas en púrpura y carmesí, pero cargadas de surrealismo, envuelven a esta obra en un enigmático y controvertido juego pictórico-literario.

Rincón Literario

De entre todos los libros que hemos venido comentando y recomendando, mirando especialmente los álbumes, hemos encontrado algunos que, además de esa primera lectura más infantil, van a darnos más posibilidades, libros con una factura para jóvenes y adultos: una segunda lectura, un mensaje de denuncia, una propuesta plástica disidente, una gramática visual innovadora, un ejercicio editorial arriesgado, un tratamiento original de un contenido más o menos nuevo,… en fin: libros diferentes. Libros con “mayoría de edad”.

Queremos volver a recomendar: “Mitsu y Lala” de Carmen Segovia (Anaya), “El soldadito de plomo” de Jörg Müller (Lóguez), El nuevo libro del abecedario de Kart Philipp Moritz y Wolf Erlbrunch (Barbara Fiore), “El viaje de Anno” (I y II) de Mitsumasa Anno (Juventud). “El niño estrella” de Rachel Hausfater-Donïeb y Olivier Latyk (Edelvives). Todos ellos se podrían perfectamente prestar a un libro-forum entre adolescentes, para comprobar cómo unos verían aspectos que otros no y que podrían descubrirse entre todos. Una sesión de expresión oral, de comprensión oral y lectora, de interpretación plástica, de pensamiento, de animación lectora, etc. Una sesión que no sé si estaría en la clase de Literatura, en la de Visual y Plástica o en la de Filosofía.

Y ahora vamos a comentar uno de estos nuevos álbumes. Se trata de Greta la loca, de Geert De Kockere con ilustraciones de Carll Cneut. Está editado por Barabara Fiore Editora, en este 2006, y puede que sea el álbum más para adultos de todos los que hemos comentado hasta ahora.

La historia de este libro es una interpretación que el escritor Geert De Kockere hace del cuadro “Dulle Griet” (Greta la loca), un óleo sobre tabla de 1562 identificado como obra del pintor Pieter Brueghel el Viejo: un paisaje horripilante con claras influencias de El Bosco, que se hizo famoso en todo el mundo dicen que “por contar lo que no se puede contar”.

Y es ahora cuando comienza la historia de este libro, cuando se pretende escribir todo lo que pasa para llegar al momento de la imagen de este cuadro (que aparece reproducido en la contracubierta) y avanzar un poco más y contar qué llega a pasar después.

Así hay que montar una historia que interprete ese extraño mundo en el que se ve a Greta y una razón para que ella esté allí. El autor no tiene reparos en ponernos ante una niña grosera, maleducada, cruel hasta la locura, hasta el asesinato, hasta ser repudiada por sus padres, hasta ir andando hacia el infierno al que busca como destino y esperanza. Porque Greta está loca, ha perdido toda la cordura y el mundo que la rodea, en el que cada vez más se adentra, más loco parece. Esta es la coartada para que Cneut pinte haciendo coincidir sus modernísimos dibujos con los originales de la tabla flamenca en un ejercicio artístico del que es probable que alguien pudiera hacer una investigación para doctorado.
Lo más atrevido de Barbara Fiore hasta ahora. Tan interesante como todo lo demás. Visto para el debate.

José Garcia Oliva

Revista Primeras Noticias de Literatura

Adaptación literaria de una pintura de Peter Brughel el Viejo. El autor descubre una nueva historia en el cuadro, y el ilustrador dibuja una historia nueva a partir de su visión de esta impactante pintura.

Abril 2006 / Rústica / 30 x 21 / 32 páginas / 12 €

Sinopsis

Las hadas tenían que ser dulces todo el tiempo. Y pulcras. Comían tarta sin dejar migas por todas partes, bebían té sin derramarlo, y en sus vestidos no podía verse jamás ninguna mancha o rastro de suciedad. Con sus voces acarameladas contaban las más dulces historias, y daban toquecitos con sus varitas mágicas aquí y allá. Rosamaría pensaba que las hadas eran aburridísimas. Y lo peor de todo es que era una de ellas. Una historia simple sobre la independencia y el respeto, magníficamente ilustrada por Carll Cneut, con una mezcla de acrílicos, pasteles y ceras, donde predominan las variantes del color rojo y rosa.

La revista dels supers

Bones nenes?

La Rosamaria pensa que les fades són molt avorrides, sempre tan dolces I netes. La Rosamaria és una fada cansada de viure als núvols que decideix intentar se como les bruixes, I resulta que li agrada molt! Hadabruja es una conte sobre la indepedència I el respecte.

Rincón literario

Como siempre, las apuesta de esta editorial son arriesgadas y para hablar de ellas se necesita un tiempo, leer y releer el libro y pararse bien en la ilustración, además de la composición, además en la composición y el conjunto como álbum completo.

El caso de Hadabruja no es sólo uno más en ese sentido sino, tal vez, el que más: ¿es la historia de la desobediencia legitimada o de la lucha por una personalidad propia? Tal vez sean lo mismo. El hada Rosamaría quería ser de otra manera, pero no debía por ser lo que era, insistiendo en su voluntad consigue instalarse como brujas y ser aceptada y aprendiz de las mismas. Su nuevo estatus están tan consolidado que cuando la madre la visita no sólo la acepta en esa nueva situación sino que la comprende y así la pequeña además de hada, a veces, también es bruja. Un lujo de ilustraciones igual de contestarías que el texto terminan dando cuerpo a esta obra sobre la que se podrían echar muchos ratos hablando de ella.

José García Oliva
 

Asociación ALIN
Amigos del Libro Infantil y Juvenil
Los diez principales

Rosamaría, nuestra joven protagonista, era un hada que vivía con su mamá en una gran nube en un castillo flotante; en su cumpleaños le regalaron una varita mágica, que a Rosamaría no le hizo ninguna ilusión pues hubiese preferido cualquier otro regalo de los que no le estaban permitidos; y es que en realidad a nuestra amiguita no le interesaba el mágico mundo de las hadas, perfectas y delicadas; bellas y acarameladas, aunque aburridas.

Rosamaría prefería, sin duda, el divertido mundo de las brujas; así que decidió visitarlas y compartir con ellas sus secretos, juegos y esencias; y por supuesto volar con su escoba, convirtiéndose de este modo en una hadabruja.

Sugerentes ilustraciones que combinan acrílicos, ceras y pasteles y en las que predominan, sin duda, el color rosa (hada), con el rojo-negro (bruja); convirtiéndose así brujahada o hadabruja en un cántico por la tolerancia, el respeto y la independencia.

Abril 2006 / Rústica / 12,5 x 17,5 / 87 páginas / 15 €

Sinopsis

Tomando como base las ilustraciones de Wolf Erlbruch para El nuevo libro del abecedario, presentamos este libro de direcciones (edición limitada).

Septiembre 2005 / Cartoné / 21 x 30 / 32 páginas / 14,60 €

Sinopsis

A medianoche en la víspera de Navidad misteriosos ruidos despiertan a Alejandro que se encuentra solo en su casa, temblando enciende la última vela del paquete y se enfrenta a Chupacazuelas, un terrible gigante que se hace pasar por Papá Noel.
Chupacazuelas es un cuento inspirado en la leyenda islandesa de la bruja Gryla que junto con sus 13 hijos se dedicaba a raptar en Navidad a los niños traviesos para devorarlos Con el tiempo, estos terribles trolls se transformaron en Papás Noel. Más bromistas que malvados, los llamados muchachos de la Navidad hacen las delicias de los pequeños islandeses. Cada año, en el mes de diciembre, los niños colocan un zapato en el alféizar de la ventana y esperan impacientes a que Chupacazuelas o alguno de sus hermanos acuda y deje un pequeño regalo para los más buenos y un boniato para los demás.

Rincón literario

El nombre ya nos hace pensar en un ser extraño y, con la ilustración de cubierta, que es un libro de miedo. Pero es un libro de valor.

Del valor de Alejandro, niño pequeño que una noche se queda solo n casa, con corte de luz incluido y recibe la visita de un enorme troll dispuesto a raptarlo. Con frases cortas, el texto va detallando toda la batalla niño-ogro, y que podría transformarse en un cuento largo, por lo que las ilustraciones de este álbum, que se mueven entre planos y detalles, parecen a veces pocas para tanto movimiento, más aún cuando presentan escenas estáticas. Parece como si el ilustrador hubiese elegido los momentos que más le inspiraban sin preocuparse del ritmo narrativo que debe llevar también lo dibujado. Pero en ello no deja prever la historia y hay que leerla para ir encajándola. Y entonces resulta una gozada. Un trabajo minucioso con más homenaje a personajes y pintura clásicos.

José Garcia Oliva

Sol

Unas fuertes pisadas depiertan a Alejandro en mitad de la noche. Su madre y su hermano Lorenzo todavía no han vuelto del hospital: está solo en casa.

Alejandro está solo en casa. Su madre no ha vuelto aún del hospital, donde ha llevado a su hermano Lorenzo para una cura. Un misterioso ruido le despierta a medianoche, y de golpe se encuentra de bruces con el terrible troll Chupacazuelas, quien, muerto de hambre, está dispuesto a llevarse a la boca al mismísimo niño. El pequeño, superando su miedo y con no poco ingenio, se pone manos a la obra para intentar escapar de las fauces del ogro.

Abril 2005 / Cartoné / 20 x 33 / 32 páginas / 14,60 €

Sinopsis

Un trovador cuenta la historia de un tirano que quería conocer los pensamientos de todos sus vasallos para seguir siendo su amo; a tal fin convoca un edicto dirigido a sabios y artesanos, para que inventen un brebaje, un artilugio o una máquina que le permita estar a la vez en todas partes para así poder espiar a su gente. Los métodos propuestos por el Maestro Grabador, el Gran Alquimista o por el Astrólogo se revelarán infructuosos. Por fin es el Luthier quien presenta una solución milagrosa, un simple instrumento: un metrónomo, capaz de suspender el tiempo y el curso de la vida.

Rincón Literario

Libros menos buenos y libros mas buenos.

Difícil trazar la línea entre un libro bueno y uno malo, aunque muchos y muchas a simple vista crean que es cosa cantada. Peor aún si nos referimos a los libros para niños y jóvenes. Podríamos quedarnos con la máxima de que un buen libro para un niño es el que, al acabar de leerlo, invita a la lectura de otro nuevo libro. Sin embargo, no nos engañemos, hay muchos libros menos buenos de lo que debieran ser.

Por ello, en este mes de abril, mes del libro, nos hemos atrevido a traer tres libros a nuestros comentados que debieran ser mejores de lo que son. Nunca, o casi nunca, nos habíamos atrevido a ello, a comentar las pegas de algunos libros comentados. Lo hacemos hoy por aquello del espíritu critico que ha de mostrar que no todo el monte es orégano. Y porque leyendo los infortunios de estos libros nos puede servir para encontrar libros buenos que no caigan en estos.

Miren si hay quienes se despistan con esto de la calidad de libros para el niño (y creen que todo vale) que han llegado unos ¿cómics? de El Quijote a las escuelas, de libro Hobby-Club S. A., que no son malos sino peores. Y además han llegado de la mano de…pues sí.

Si bien el titulo completo es El Tirano, el Luthier y el Tiempo, es fácil que termine conociéndose como El Tirano, ya que esta tercera parte del titulo queda remarcada en una cubierta que es un claro avance del trabajo que vendrá, tamo por parte del escritor Christian Grenier (interesante trío de palabras que desencadena una interesante trama) como por parte del ilustrador François Schmidt (con un dibujo soberbio a modo de escenario en el que desarrollar toda la trama).

Dejemos esto aquí y en os libros comentados abajo. Ahora dedicamos este espacio, al igual que la semana pasada, a libros buenos. Hoy le toca al siguiente titulo de Barbara Fiore Editora, un minucioso trabajo de edición a partir de un original francés que esta editorial nacida en Jerez hace posible que tengamos entre nosotros.

La combinación es la precisa entre un autor con numerosas publicaciones, notable ciencia ficción entre ellas, y un pintor riguroso con el detalle y las posiciones. Así la historia del tirano que quería vigilar todo el tiempo a sus vasallos y convoca a los más imaginativos inventores pasa conseguido, va a encontrar unos personajes, artilugios, espacios… en las ilustraciones, que aumentarán la idea mágica y a la vez verosímil que envuelve todo el relato. Será el Luthier (a la vez narrador de la historia) quien dará con la clave dándole al Tirano la posibilidad de manejar el tiempo y, como un nuevo rey Midas, su ambición será su fin.

Añadimos a todo esto el papel, el formato, la calidad de impresión, el tipo de letras buscado y cuidado, las capitulares, la paginación, la maquetación… y al fin tenemos un bello libro, un buen libro. Este libro. Compruébenlo.

Pepe García Oliva

Fundación German Sánchez Ruipérez

La ambición y la astucia son los ingredientes básico de esta historia.

La narración está ambientada en un período medieval indefinido, y sorprende con un relato un tanto macabro que perfila las consecuencias fatales de la ambición desmedida. Un gobernante, obsesionado por conocer los pensamientos de sus vasallos en todo momento, desafía los sabios y a los artesanos a que logren satisfacerle tal deseo, y a cambio ofrece la mano de su hija. Tras varios intentos fallidos, el luthier le da la solución un metrónomo mágico que permite parar el tiempo. Este preciado tesoro constituye el fin del tirano, porque lo destruye a marchas forzadas, para alegría su pueblo. Una historia fanastica y escalofriante, con ilustraciones a modo de grabados, que aborda temas tan significativos como el paso implacable del tiempo, la dicotomía entre la opresión y la libertad y la eterna lucha de las ciencias y las artes.

Elisa Yuste Tuero Fundación German Sánchez Ruipérez

Asociación ALIN
Amigos del Libro Infantil y Juvenil
Los diez principales

La inteligencia como fórmula para superar la tiranía.

Con la misma estructura de los cuentos tradicionales y algunos de sus personajes arquetípicos: un malvado rey, llamado en este caso el tirano y un pueblo oprimido, el autor de esta historia la construye conjugando un lenguaje poético con la propia crueldad de la realidad. Así el pueblo quiere enfrentarse al tirano, pero su pérfida astucia hace que resulte mpensable acabar con él,  hasta que un luthier, con su inteligencia, logra que el tirano quede vencido por el tiempo, ¿acaso una metáfora de la imposibilidad de luchar contra los tiranos, siendo el tiempo el único agente capaz de enfrentarse a ellos?

En este su primer libro de ilustración para niños, el artista recoge esmerados y refinados detalles figurativos con gran minuciosidad y precisión en lo que pudiera resultar una ilustración casi minimalista; a la par, se conjugan con gran precisión el blanco, negro y el color, con pequeñas pinceladas coloristas, fundamentalmente, en tonos rojos, que se intensifican hasta llegar a la apoteosis final, combinándose a la perfección la ilustración con la resolución de la historia.

El cultural

La narración oral aporta un tipo de sensación de proximidad y comunidad afectiva que resulta difícil encontrar en la escritura. Sin embargo, por diversas razones ha habido un empobrecimiento o banalización de este vínculo narrativo y, en consecuencia, parece que esa sensibilidad especial que es inherente tanto al escuchar como al contar una historia tiende a desaparecer. Quizás éste sea el origen de una serie de relatos de autor que han buscado plasmar en letra impresa esa voz tradicional.

Al leer y ver El tirano, el luthier y el tiempo da la impresión de que tanto su autor como su ilustrador han meditado acerca de esta situación y ofrecen una respuesta muy personal. Cargada de ecos tradicionales, melodías populares, figuras carnavalescas, consigue alimentarse de un legado que actualiza en una dinámica original y ecléctica. Ella se expresa, por ejemplo, en la tensión entre la viñeta y la ilustración o en aquélla que se produce entre la referencia culta y la popular. Hermoso álbum, ya desde su mismo título juega con las imágenes simbólicas y, así como los cuentos de antaño, nos atrapa por su cadencia, nos deleita con los hechos narrados y también su incipiente sabiduría nos mueve a reflexionar.

Gustavo Puerta Leisse

Club Kiriko

El tema de este libro no es la música sino la ambición, pero es un luthier, es decir un artesano que hace instrumentos musicales, quien explica a un tirano la importancia de dominar el tiempo para dominar las vidas de los demás.

Y claro, eso lo saben muy bien los músicos pues la música se hace con sonidos y con tiempo. Este hermoso libro, con ilustraciones sobre las que merece la pena detenerse y observar, cuenta una historia de engaños en apariencia sencilla, pero cargada de profundidad. Poseer el tiempo es imposible porque, además de que sin tiempo no hay música tampoco hay vida.

Abril 2005 / Rústica / 23 x 31 / 32 páginas / 9,95 €

Sinopsis

Un día, mientras pasea por la playa en busca de tapones de botellas para su colección, un joven se encuentra con una criatura extraña, de aire triste, desamparada y solitaria, la cosa perdida. Mientras espera en vano que alguien venga a recogerla se establece una relación intima entre ellos. En la playa nadie sabe nada sobre la criatura, ni siquiera la han notado. Entonces decide llevarla a su casa donde la cosa perdida pasa desapercibida para sus padres, tan atentos a las noticias oficiales de desgracias ajenas que, sin embargo, cuando finalmente la notan gracias a las observaciones del joven, la menosprecian, la excluyen y se desentienden. El joven no sabe que hacer hasta que encuentra en el periódico un anuncio del Departamento Federal de Objetos Inútiles. Una vez llegados al dfoi la cosa hace un ruidito de infelicidad, mientras él busca un bolígrafo con el que rellenar los interminables modelos burocráticos, un empleado de la limpieza le aconseja que si en algo aprecia a la cosa perdida no la deje allí y le entrega una tarjeta con un símbolo esperanzador. Después de haber dado muchas vueltas por la cuidad consigue encontrar la dirección de la tarjeta en un escondido y oscuro portal de una callejuela anónima. Detrás de la puerta descubre un inventario de extraños e inusuales objetos perdidos.

El Cultural

La distopía es la imagen contrapuesta de la utopía. Mientras que el mundo utópico es representado como un orden racional y armónico, ubicado “afuera” y donde la realización del hombre es el ideal conseguido, la sociedad distópica es el resultado indeseable del progreso tecno-científico, la alienación y la consolidación de regímenes totalitarios. Este álbum juega con los motivos de la ficción distópica. Pero, a diferencia de lo habitual, la historia narrada es de una sincera y conmovedora ternura.

El australiano Shaun Tan ofrece un libro fascinante, cuidado hasta el detalle, en el que todo elemento tiene un sentido. Cada página es una hoja amarillenta con gráficos de maquinas o tablas, en la que se introduce el texto como un recorte escrito a máquina y donde las ilustraciones entremezclan la imagen hiperrealista con la representación caricaturesca de los personajes.

Así, la atmósfera futurista creada da muestra de la originalidad frente a la uniformidad, ofrece esperanzas en el entorno sombrío y gris.

Gustavo Puerta Leisse

Asociación ALIN
Amigos del Libro Infantil y Juvenil
Los diez principales

Se trata de una creativa, intimista y simbólica propuesta, que partiendo de una presentación, ce